Za każdym razem, gdy tworzysz listę „największych” gitarzystów wszech czasów – lub w tym przypadku „najbardziej wpływowych”- pasje są z pewnością rozpalane w ten czy inny sposób.
Po tym wszystkim, każdy z nas ma swoich faworytów, niezależnie od tego, czy jest to konkretny gracz, styl czy epoka. Nie oznacza to jednak, że taka lista nie może być oparta na jakimś elemencie obiektywnego rozumowania. W pewnym stopniu dowód jest w nas wszystkich: każdy, kto bierze do ręki instrument, zapożycza przynajmniej garść technik i tendencji stylistycznych, które ktoś inny wniósł do gry. Kluczem jest określenie, którzy gitarzyści mają największy wpływ na to, jak podchodzimy do tego instrumentu.
Jedna rzecz jest pewna: jeśli poniżsi muzycy nie są 12 najbardziej wpływowymi gitarzystami wszechczasów, to z pewnością są 12 najbardziej wpływowymi.
Niezależnie od stylu, w jakim grają, wszyscy są graczami, którzy pobudzają wyobraźnię i rozpalają płomień do gry na instrumencie u niezliczonych osób. Wyróżniając ich, oddajemy cześć ich wkładowi i jednocześnie przywołujemy na myśl wspaniałą muzykę gitarową, którą cenimy.
ROBERT JOHNSON
Robert Johnson jest największym gitarzystą bluesowym wszech czasów i jednym z ojców założycieli rocka z ery Delta bluesa sprzed II wojny światowej. Choć jego sugestywne teksty inspirowały wokalistów wszystkich gatunków, to właśnie jego wirtuozerska i nowatorska gra na gitarze solowej plasuje go na tej liście.
Trzy sesje nagraniowe w latach 1936-1937 zaowocowały powstaniem 29 utworów, w tym niezaprzeczalnych klasyków „(I Believe I’ll) Dust My Broom”, „Sweet Home Chicago'”, „Walkin' Blues”, „Love in Vain” i „Crossroad Blues”. Popularyzacja przez niego schematów cut boogie zapoczątkowała elektrycznego chicagowskiego bluesa i rock and rolla, a jego frettowe i slide’owe zagrywki gitarowe są tak ponadczasowe, że wciąż pojawiają się we współczesnej muzyce.
Pierwszy bohater gitary, Johnson miał postawę, która szła w parze z umiejętnościami. Jego tragiczna śmierć w 1938 roku w wieku 27 lat uczyniła z niego ikonę dla tych, którzy opłakują również Jimiego Hendrixa, Janis Joplin i Jima Morrisona.
W stylu Roberta Johnsona:
CHARLIE CHRISTIAN
Kiedy Charlie Christian dostał się na bandstand z Bennym Goodmanem w 1939 roku, pojedynczo napędził gitarę elektryczną do głównego nurtu. Choć nie był on pierwszym gitarzystą, który podłączył się do prądu, występy Christiana jako solisty w utworach Goodmana, takich jak „Flying Home” i „Honeysuckle Rose”, dokumentują pierwsze przypadki, w których gitara elektryczna była efektywnie wykorzystywana jako instrument prowadzący w Big Bandzie.
Zwiększona głośność i trwałość, którą oferowało wzmocnienie, sprawiły, że gitara znalazła się na równi z instrumentami solowymi, takimi jak trąbka i saksofon, a udział Christiana we wczesnych bebopowych jam sessions obok takich luminarzy jak Thelonius Monk i Dizzy Gillespie sprawił, że stał się on jednym z ojców założycieli gatunku. Jego twórczość zainspirowała całe pokolenie gigantów gitary jazzowej, w tym Barneya Kessela, Herba Ellisa, Wesa Montgomery’ego, Tala Farlowa i Jima Halla.
W stylu Charliego Christiana:
B.B. KING
Każdy gitarzysta, który wygina lub wibruje strunę, aby ją rozśpiewać, ma dług wobec B.B. Kinga. Mając tak różne wpływy jak T-Bone Walker, Charlie Christian i Django Reinhardt, zmarły gitarzysta wywrócił świat bluesa do góry nogami w 1952 roku utworem „3 O’Clock Blues”. Niemal z dnia na dzień harmonijka ustąpiła miejsca głównemu instrumentowi solowemu w bluesie, ponieważ gitarzyści starali się naśladować styl solowy B.B., zwłaszcza w Chicago.
W 1970 roku B.B. przeszedł do białej rockowej publiczności z utworem „The Thrill Is Gone”. W 1988 roku praktycznie powtórzył tę sztuczkę, gdy nagrał „When Love Comes to Town” z U2. Zawsze pokorny uczeń instrumentu, B.B. King stał się bardziej jazzowy i lepszy niż kiedykolwiek, a jego życie i kariera trwała aż do nowego wieku. Jego strata na początku tego roku była głęboko odczuwalna przez społeczność muzyczną, a w szczególności przez gitarzystów, na których miał wpływ.
W stylu B.B. King:
CHET ATKINS
Chet Atkins dokonał niezliczonych nagrań jako muzyk studyjny i artysta solowy, począwszy od lat czterdziestych. W rzeczywistości, wiele z jego sesji nagranych i/lub wyprodukowanych w Nashville z takimi artystami jak Elvis Presley, Roy Orbison i Everly Brothers położyło podwaliny pod wczesny rock and roll.
Chociaż swobodnie grał w wielu stylach, Atkins był najczęściej kojarzony z muzyką country i gitarą akustyczną. Używając kombinacji palców i kciuka, stworzył swoje charakterystyczne brzmienie „fingerpicking” – styl zainspirowany nieco przez kolegę gitarzystę Merle Travisa. Atkins nagrał nawet album w duecie z Travisem, jak również z innymi szanowanymi gitarzystami, takimi jak Doc Watson, Les Paul, Jerry Reed i Mark Knopfler.
Gitarowa legenda, Atkins został wybrany do Country Music Hal of Fame w 1973 roku. Jego muzyczny wkład zainspirował artystów od Erica Johnsona do Lenny’ego Breau. Praktycznie w każdym sklepie muzycznym można znaleźć gitary sygnowane przez Cheta Atkinsa, które Gibson i Gretsch zaprojektowali według jego specyfikacji.
W stylu Cheta Atkinsa:
CHUCK BERRY
Pierwszy popularny wykonawca, który śpiewał, grał i pisał własny materiał, Chuck Berry ryknął w rock and rollu w 1955 roku z country dwu-beatowymi rytmami „Maybellene” i rościł sobie prawo do tego gatunku. Jego wpływy były podobne do tych z B.B. Kinga, ale obejmowały również jump bluesa i muzykę country-and-western.
To właśnie piosenki Berry’ego z późnych lat pięćdziesiątych z ciętymi wzorcami boogie – jak „Roll Over Beethoven”, „Johnny B. Goode” i „Carol” – zrealizowały elektrycznie ambicje gitarowe, o których po raz pierwszy marzył Robert Johnson. Brzmienie Berry’ego – za sprawą Gibsona z wydrążonym korpusem i tweedowego wzmacniacza Fendera – było surowe i głośne. To, wraz z jego kaczym chodem, dzwoniącymi podwójnymi stopami i piosenkami o samochodach i dziewczynach, chwyciło rynek młodzieżowy. Wysoki i przystojny, wprowadził gitarę jako „fajny” instrument do gotowej publiczności poprzez występy w telewizji i filmach, w sposób, który Beatlesi powtórzą na początku lat sześćdziesiątych.
W stylu Chucka Berry’ego:
WES MONTGOMERY
John Leslie „Wes” Montgomery po raz pierwszy chwycił za gitarę w 1943 roku, w stosunkowo późnym wieku 19 lat. Szlifował swoje umiejętności naśladując swojego bohatera, Charliego Christiana, i dostał swój pierwszy płatny koncert grając solówki Christiana nuta w nutę.
W przeciwieństwie do Christiana, Montgomery używał jednak kciuka zamiast picka, aby stworzyć perkusyjne, a zarazem ciepłe brzmienie związane z jego stylem. (Według wywiadów, Wes nauczył się grać kciukiem, ponieważ tworzył bardziej miękki dźwięk, który uspokajał jego sąsiadów). Dzięki fenomenalnemu słuchowi, Wes szybko wyrósł ponad swoje wpływy i rozwinął swój własny styl. Jego talent do melodii, przełomowe użycie oktaw w kontekście solowym i skomplikowane solówki akordowe – jak pokazał w swoich niszczycielskich interpretacjach standardów takich jak „Round Midnight” i „Days of Wine and Roses” – poszerzyły zakres gitary, popychając instrument na nieznane dotąd terytorium.
Montgomery zmarł w 1968 roku u szczytu kariery. Jego muzykalność zainspirowała szerokie grono gitarzystów jazzowych, w tym George’a Bensona, Joe Diorio i Pata Metheny’ego.
W stylu Wesa Montgomery’ego:
ERIC CLAPTON
Bluesowy brytyjski bloke Eric Clapton był nazwą domową od czasu swojego debiutu nagraniowego z Yardbirds w 1963 roku. W połowie lat sześćdziesiątych, jego legendarne występy z John Mayall’s Bluesbreakers i Cream ugruntowały jego pozycję jako pioniera nowoczesnego bluesa elektrycznego i gitary rockowej.
W latach siedemdziesiątych, współpraca Claptona z Derek and the Dominos i jego pierwsze albumy solowe dodały do repertuaru klasycznego rocka wiele arcydzieł, takich jak „Layla” i „Lay Down Sally”. W latach osiemdziesiątych muzyka Claptona pojawiła się w filmach (The Hit w 1984 roku i Lethal Weapon w 1987 roku) i reklamach („After Midnight” dla Michelob w 1987 roku), a seria albumów wyprodukowanych przez Phila Collinsa ugruntowała pozycję Claptona jako ikony pop/rock.
Po tym, jak we wczesnych latach dziewięćdziesiątych Clapton stał się mistrzem fenomenu „unplugged” dzięki koncertowi MTV Unplugged, powrócił do swoich korzeni z albumem From the Cradle. Od tego czasu pomaga utrzymać bluesa przy życiu dzięki swojemu corocznemu, trzydniowemu festiwalowi Crossroads, na którym występuje zarówno Clapton, jak i wielu uznanych i początkujących gitarzystów bluesowych.
Niezależnie od formatu muzycznego, Eric Clapton zawsze utrzymywał swoją genialną, inspirowaną bluesem grę na gitarze na pierwszym planie, wpływając na takich muzyków jak Eddie Van Halen, Steve Lukather, Joe Satriani, Jonny Lang i niezliczonych innych.
W stylu Erica Claptona:
JIMI HENDRIX
W swoich wczesnych czasach Jimmy James, jak był wtedy znany, grał w sekcjach rytmicznych, wspierając takich artystów jak Little Richard, B.B. King oraz Ike i Tina Turner. Dopiero w 1966 roku, kiedy przeniósł się do Londynu i założył zespół Experience, Jimi Hendrix mógł się odciąć i zacząć zwracać na siebie uwagę, na co zasługiwał swoją wspaniałą grą na gitarze. Co niepokojące, Hendrix był praktycznie nieznany w Stanach Zjednoczonych do czasu występu na Monterey Pop Festival w 1967 roku – legendarnego występu, podczas którego oblał swojego Fendera Stratocastera płynem do zapalniczek i podpalił go.
Chociaż pozostawał pod wpływem wszystkich, od B.B. Kinga przez Muddy’ego Watersa po Chucka Berry’ego i Boba Dylana, kompletna wizja artystyczna Hendrixa zawierała elementy bluesa, funku, rocka, psychodelii i kompletnego chaosu. Jego częste użycie efektów takich jak wah i pedał Octavia, pionierskie efekty studyjne jak „backward” gitarowy i flanging, oraz użycie kontrolowanego sprzężenia zwrotnego i drążka tremolo dodawało kolejny wymiar do jego muzyki.
Hendrix miał również piękną subtelną stronę, przedstawioną w utworach takich jak „Little Wing”, „Bold As Love” i „Castles Made of Sand”. Zmarł 18 września 1970 roku. Podczas swojego krótkiego pobytu na tej planecie wywarł ogromny wpływ na muzyków od Milesa Davisa przez Erica Johnsona po Stevie Ray Vaughana.
W stylu Jimiego Hendrixa:
JIMMY PAGE
Jimmy Page to jeden z największych mistrzów riffów w muzyce rockowej, orkiestratorów gitarowych i studyjnych rewolucjonistów. Jego rozległy dorobek z Yardbirds i Led Zeppelin ukazuje typ dzikiej swobody często kojarzonej z Jimim Hendrixem, pasję i wściekłość wytrawnego bluesmana oraz wrażliwość muzyka ludowego.
Extremalnie eklektyczny, Page posiada zróżnicowany wachlarz wpływów gitarowych, który obejmuje gitarzystów bluesowych Otisa Rusha, Buddy’ego Guya i Huberta Sumlina, jak również wczesnych gitarzystów rockabilly Cliffa Gallupa i Scotty’ego Moore’a. Połączył te wpływy z silnym zainteresowaniem okultyzmem i dużą dozą własnej studyjnej bystrości, aby namalować muzyczny krajobraz w każdym utworze Led Zeppelin. Przełomowe użycie przez Page’a efektów echa w utworach takich jak „How Many More Times” i „You Shook Me”, dziwaczne strojenia w kawałkach takich jak „Friends” i „Bron-Y-Aur Stomp” oraz wycieczki ze smyczkiem skrzypcowym w utworach takich jak „Dazed and Confused” dały tekstury, które nie miały sobie równych w tamtym czasie.
Ale Led Zeppelin rozwiązali się w 1980 roku po śmierci perkusisty Johna Bonhama, zjednoczyli się przy kilku okazjach, ostatnio w 2007 roku na koncercie upamiętniającym Ahmeta Erteguna, który podpisał z nimi kontrakt w wytwórni Atlantic i zapoczątkował ich karierę. Page nadal pozostaje silny. Po wznowieniu katalogu zespołu w 2014 i 2015 roku, obiecał nowy projekt, który ma się ukazać w 2016 roku. Nie moglibyśmy być szczęśliwsi i bardziej chętni do wysłuchania tego, co ma do zaoferowania.
W stylu Jimmy’ego Page’a:
EDDIE VAN HALEN
Uwierzcie lub nie, Eddie Van Halen nawet nie słyszał muzyki rockowej, dopóki wraz z rodziną nie przeniósł się z Holandii do Pasadeny w Kalifornii w 1967 roku. Po usłyszeniu Cream, szybko porzucił pianino i perkusję na rzecz gitary, ucząc się gry na instrumencie poprzez zbieranie rytmów z płyt Erica Claptona, Led Zeppelin, Jimiego Hendrixa i Jeffa Becka. Te wpływy były jednak tylko odskocznią. Eddie szybko potrafił odcisnąć swoje własne piętno na wszystkim, co grał.
Dzisiaj Van Halen jest jednym z najbardziej wpływowych i naśladowanych innowatorów rocka. Tak samo nieprzewidywalny i krzykliwy jak Hendrix, Van Halen miał niezmierzony wpływ na społeczność gitarową. W połowie lat osiemdziesiątych jego samookreślone „brązowe” brzmienie, przerysowane techniki gry (w tym tapping dwiema rękami) i rewolucyjne efekty trem-bar zainspirowały całe pokolenie aspirujących gitarzystów, którzy kupowali gitary typu Strat z jednym przetwornikiem, jedną gałką potencjometru i Floyd Rose, które Van Halen uczynił sławnymi.
Aby posmakować Eda w jego najbardziej palącym wydaniu, sprawdźcie „Eruption”, „Spanish Fly”, „Cathedral” oraz intro do „Mean Street” i „Little Guitars”.”
W stylu Eddiego Van Halena:
STEVIE RAY VAUGHAN
Stevie Ray Vaughan grał bluesa jak opętany. Idealne połączenie umiejętności, smaku, przekonania, brzmienia i showmanship, Vaughan i jego Fender Stratocaster z ’59 roku odkrył przed całą nową generacją słuchaczy bluesa, a co za tym idzie, wpływy samego Steviego: Albert King, Jimi Hendrix, B.B. King, Otis Rush i Buddy Guy.
Początkowo zainspirowany przez swojego starszego brata Jimmiego, Stevie chwycił za gitarę w młodym wieku i grał w zespołach już w wieku 12 lat. Kiedy w 1980 roku założył legendarne trio Double Trouble, Stevie Ray Vaughan był już legendą w swoim rodzinnym mieście Austin w Teksasie. Po usłyszeniu i zobaczeniu Vaughana grającego na szwajcarskim Montreux Jazz Festival, ikona popu David Bowie zaprosił Steviego do zagrania na jego albumie Let’s Dance. Jego pierwszy solowy album, Texas Flood, został wydany w 1983 roku i zawierał rewelacyjne wykonania „Testify” i „Texas Flood”, jak również klasyczne już oryginały, takie jak „Pride and Joy” i „Lenny”. Później ukazało się jeszcze kilka innych udanych albumów solowych. 27 sierpnia 190 roku Vaughan zginął w katastrofie helikoptera podczas powrotu z koncertu, w którym brał udział razem z Ericiem Claptonem, Buddy Guyem, Jimmie Vaughanem i Robertem Crayem.
W stylu Stevie Ray Vaughana:
YNGWIE J. MALMSTEEN
Import ze Szwecji, Yngwie J. Malmsteen specjalizuje się w tym, co wielu uważa za „Bach and Roll” lub neoklasyczny rock – styl muzyczny, który zawiera wściekle szybkie skalary i arpeggiowane sekwencje przypominające wirtuozowskie organowe i skrzypcowe utwory Bacha i Paganiniego napisane w XVIII wieku.
Po krótkich występach w USA z grupami Steeler i Alcatrazz, Malmsteen ściągnął do Stanów swoich dawnych szwedzkich kolegów z zespołu i zreformował Yngwie J. Malmsteen’s Rising Force, wydając w 1984 roku debiutancki album pod własnym tytułem.
Oszałamiająca wirtuozeria Yngwiego, której przykładem jest utwór „Far Beyond the Sun”, zainspirowała niezliczonych gitarzystów do doskonalenia swoich umiejętności w zakresie alternate-picking i sweep-picking. Niektórzy nawet posunęli się do tego, że jak Malmsteen wyrzeźbili w podstrunnicy między progami półksiężyc, aby ułatwić sobie grę z lżejszym akcentem.
Masowa popularność, jaką Yngwie zdobył wśród gitarzystów w połowie i pod koniec lat osiemdziesiątych, otworzyła rynek dla innych płonących shredderów, takich jak Vinnie Moore, Tony MacAlpine, Paul Gilbert i Jason Becker.
W stylu Yngwie Malmsteena:
Ostatnie wiadomości