Alguma vez se perguntou “a minha canção é tão boa, mas porque não a posso ouvir mais alta?”
Uma das maiores perguntas que nos fazem aqui na Cymatics é “como faço a minha faixa mais alta”.
Pode pensar que é um problema de masterização, mas é realmente uma mistura.
Antes de um master poder realmente polir e melhorar a sua canção, você precisa de uma mistura que funcione bem sendo dominada.
Agora se pensarmos nisso, todas as faixas quando masterizadas são do mesmo volume, mesmo a sua.
Usualmente uma canção atinge um limitador com um limite máximo de 0.
Então isto significa que outras canções são apenas “perceptualmente mais altas”.
Agora esta sonoridade perceptiva pode ser explicada com outro ditado conhecido como “volume máximo, voltagem mínima”.
Essencialmente isto significa que quer que os elementos da sua faixa sejam perceptualmente mais altos, enquanto usa a menor quantidade de volume real.
Isso pode ocorrer por várias razões diferentes.
Um som com muito conteúdo harmónico pode ser perceptualmente mais alto, por exemplo.
Outro pode ser um som fortemente comprimido com uma amplitude dinâmica constante.
Below são 5 técnicas que pode implementar nas suas misturas para tornar a sua música perceptualmente mais alta.
Técnica de Leveza #1: Slotting
Ao aprender a misturar, uma das primeiras técnicas que quer dominar é o “slotting”.
Slotting é o conceito de colocar cada elemento da sua faixa no seu próprio espaço único nas dimensões de “altura”, “profundidade”, e “largura”.
Esta técnica permitirá que cada elemento brilhe ocupando o seu próprio espaço, permitindo o máximo volume perceptivo.
Imagine que a sua canção existe realmente num espaço 3D maciço.
Cada elemento pode existir algures no espaço, tipicamente com os seus elementos principais perto da frente e do centro, e os seus elementos menos importantes colocados noutro lugar.
Agora vamos falar sobre como colocar elementos nestas três dimensões.
Altura:
Quando se ouve sons, as gamas de baixa frequência são perceptualmente mais baixas para o chão, e quanto mais alta a frequência mais alta é percebida.
Por isso, ao dar a cada elemento o seu próprio espaço no espectro de frequência está também a preencher a sua canção na dimensão de “altura”.
A ferramenta óbvia para lidar com isto é a EQ, mas isto também deve ser aplicado no processo de escrita.
Você quer limitar quantos sons existem em certas gamas de frequência para deixar cada um brilhar individualmente.
Então, ao escrever, seja muito selectivo quanto aos sons que se situam onde.
Por exemplo, talvez tivesse um sub-baixo nas frequências mais baixas, um baixo médio baixo a ocupar as médias (sangrando ligeiramente para as altas), um chumbo a ocupar as médias altas, e címbalos e fx a ocupar as altas.
Agora isto é apenas um exemplo, mas esperemos que o faça pensar.
Uma coisa a ter cuidado, no entanto, é o excesso de ranhuras.
Os sons tendem a soar não naturais se os limitarmos a uma certa gama de frequências.
Por exemplo, pegar num baixo, remover todo o sub, e remover todos os agudos.
Isto provavelmente soaria estranho, por isso, quando fizer ranhuras, tente usar prateleiras mais do que cortes duros.
É mais natural quando os elementos ainda cobrem todo o espectro de frequências, apenas menos em certas áreas.
Depth:
A “profundidade” da sua faixa é mais frequentemente criada com FX baseados no tempo, tais como atrasos e reverberações.
Ao dominar estas ferramentas pode colocar os seus sons mais longe, ou, alternativamente, com pouco ou nenhum atraso ou reverberação, pode colocar o seu som à partida na mistura.
Na sua forma mais básica, quanto mais longo reverberar e atrasar um som, mais distante ele é perceptualmente. Aqui está um diagrama básico para ilustrar este conceito:
br>Largura:
Largura:
Largura da sua faixa é onde está a colocar os seus sons no campo estéreo.
Esta é normalmente a forma de lidar com dois conceitos diferentes.
O primeiro é o quão “largo” é o som real, e o segundo é o quão longe está o seu som à esquerda ou à direita.
A faixa é um conceito bastante directo e óbvio, onde está o som em relação à esquerda ou à direita.
Onde as coisas se complicam é a amplitude desse som no campo esquerdo e direito.
No diagrama acima, o espectro de som da esquerda para a direita é dividido em 6 secções.
Imagine que um som estava a ocupar apenas a secção central esquerda, ao digitalizá-lo para esse local.
Agora, no entanto, imagine se esse som fosse realmente mais largo do que isso, e começasse a ocupar partes das duas secções adjacentes.
Tente pensar em todos os seus sons nesse sentido. Será que é completamente inoperante? Ou será um ponto morto, mas também largo?
Agora a verdadeira questão é como fazemos um som mais largo ou menos largo.
No seu resumo mais básico, percebemos os sons como sendo “mais largos” quando existem diferenças no som entre o altifalante esquerdo e direito, ou oposto a isso, algo é perceptualmente “mono” quando não existem diferenças no som que sai do altifalante esquerdo ou direito.
Vamos dizer, por exemplo, que gravou a sua voz com um único microfone.
Os seus altifalantes tocariam essa voz com informação idêntica em cada ouvido para criar um “centro fantasma”, um centro perceptivo para o som.
Se, por exemplo, um dos lados da sua voz fosse desviado por alguns cêntimos, o seu ouvido perceberia essas diferenças e a sua mente começaria a ouvir o som como sendo mais amplo.
Existem muitas coisas que poderia fazer para depois fazer um som largo com base nesse conhecimento. Poderia desactivar um lado, atrasá-lo ligeiramente em termos de tempo, equalizá-lo de forma diferente, etc….
Com esse conhecimento, podem agora colocar sons à volta uns dos outros no campo estéreo.
alguns sons no centro, outros largamente estendidos ao longo de toda a mistura, outros muito próximos do mono ao lado.
Para terminar esta secção, veja o diagrama de uma orquestra da vida real abaixo.
Pode ver como isto é feito na vida real, então porque não aplicar isto aos seus sons sintéticos.
Dê um passo à frente, e tente desenhar a sua mistura antes de começar, para que saiba exactamente onde irá encaixar os seus sons.
br>Agora com tudo isto em mente, pode começar a imaginar a sua mistura como sons encaixados num espaço tridimensional.
Ao colocar os sons de forma inteligente no seu próprio espaço único, pode encaixar mais sons em geral, dando à sua mistura maior volume perceptivo e máxima clareza.
h3>Técnica de Leveza #2: Arranjobr>Isto é algo que mencionei brevemente sobre o tema de encaixe de frequência, mas quero mencionar um pouco mais em profundidade.
Quando escreve uma canção, quer organizar os seus sons de modo a que estejam a ocupar diferentes gamas de frequência ou, mais fácil de acompanhar, a gama de oitavas.
Se quando escreve e coloca os seus sons cada um tem uma gama de oitavas única, obterá então os melhores resultados.
Digamos, por exemplo, que está a escrever uma canção em E, e para manter as coisas simples a sua linha de base apenas atinge um E baixo a 41,2 Hz. Bem, então teria agora espaço para tocar o seu baixo médio uma oitava acima daquela com uma raiz de 87,31 Hz.
Então, potencialmente a raiz do seu pontapé poderia ser uma oitava acima daquela a 164 Hz.
Então pode continuar a partir daí, a próxima oitava a raiz do seu laço, a próxima oitava é o alcance do seu chumbo, a próxima oitava é o alcance do seu arps.
Agora esta é uma forma matemática de olhar para ela, mas isto tem sido comum na música há muito tempo.
Um quarteto de cordas, por exemplo, compreende um contrabaixo, violoncelo, viola, e violino, cada um dos quais tocará na sua própria gama de oitavas.
O contrabaixo nas oitavas graves criando tons profundos, enquanto o violino toca algumas das notas mais altas.
br>Pense nisto ao escrever. Se a sua música tivesse um contrabaixo mas depois 3 violoncelos, nenhum dos violoncelos se destacaria, e todos eles se mascaram uns aos outros.
Below é uma tabela sobre quais as gamas de frequência que os sons tocam, e em que oitavas podem naturalmente tocar também.
Considere isto ao escolher elementos da sua canção, e limite as suas gamas para espremer os elementos no local certo.
h3>Técnica de Leveza #3: Compressão
Uma das primeiras coisas que lhe vem à mente quando maximiza o volume de algo é a compressão.
Compressão quando usada correctamente é uma excelente forma de fazer algo perceptualmente mais alto.
Ao baixar os picos mais altos, mas depois compensando ao aumentar todo o som, algo será perceptualmente mais alto devido à sua menor amplitude dinâmica.
O grande problema que vejo é que os produtores ou comprimem incorrectamente os sons, hipercomprimindo sons, ou comprimindo demasiados sons na mistura.
A manutenção de um equilíbrio entre os sons das compressas e os sons dinâmicos permitirá que os sons certos apareçam no momento certo.
Diguir um detalhe imenso sobre o domínio da compressão pode levar algum tempo, mas o que eu quero ensinar-vos é como colocar apenas um toque da compressão sonora “certa” em tudo.
O primeiro passo é colocar um compressor num som e apertar as definições.
Baixar o limiar bastante para baixo, relação bastante alta, atacar muito rapidamente, e libertar também bastante apertado.
Agora tudo o que vamos fazer depois disto se baseia na “sensação”. Primeiro, discar de volta o ataque, apenas ouvir a frente do som, e ouvir para a “sensação” perfeita para a frente desse som.
Nunca fazer a mesma coisa com a libertação.
Após isso, discar de volta a relação, ainda focalizando apenas a “sensação” do som.
Próximo, volte a marcar o limiar para que o som só o toque de vez em quando.
Após isso, volte a marcar o seco/molhado a gosto.
Esta é a forma mais transparente de aplicar a compressão ao mesmo tempo que tem o melhor efeito baseado na “sensação”.
Esta ligeira limitação do alcance dinâmico dará ao seu som aquele impulso extra de volume perceptivo.
br>h3>Técnica de Leveza #4: Less Is Morebr>Esta é bastante simples, o conceito de menos é mais.
Quando era um novo produtor costumava embalar as minhas canções até à borda; tambores enormes, camadas e camadas de sintetizadores e baixo.
Pensava que esta plenitude faria a minha canção sentir-se enorme, mas devido à grande quantidade de elementos, não atingiria o domínio quase tão forte, e assim soaria fraca em comparação com algumas das faixas mais mínimas.
Isto é simplesmente porque cada elemento está a ocupar tanto espaço.
Às vezes o movimento certo é ter Menos elementos na sua canção para a tornar perceptualmente maior.
Se, por exemplo, tivesse um pontapé, um 808, alguns címbalos, e uma pista de armadilha REALMENTE apanhada, a sua canção teria um som ENORME quando atingisse a masterização porque cada elemento seria claro como o dia.
h3>Técnica da Altura #5: Distorçãobr>A última e última forma de maximizar a sua altura de pé direito na sua canção é usando “distorção”.
Agora quando se pensa em distorção pode-se pensar em fazer um som excessivamente crocante, semelhante a um tom de guitarra.
Isso, porém, é apenas um tipo de distorção e não necessariamente a técnica a que nos propomos, pelo menos não tão obviamente.
Ao distorcer ligeiramente os elementos da sua música está a introduzir um novo conteúdo harmónico no seu som.
Este conteúdo harmónico adicional tornará o seu som perceptualmente mais alto.
Você nem precisa de muita distorção, mesmo que mal distorça todos os seus sons, dar-lhe-á aquele pouco de conteúdo extra para o fazer sobressair e maximizar verdadeiramente o seu volume enquanto utiliza menos energia.
h2>Conclusãobr>Aí vamos nós, essas eram 5 formas potenciais de aumentar o volume perceptivo do seu som criando aquela mistura “alta” e dominar que ouve sempre dos profissionais.
Utiliza estas técnicas em combinação para mostrar a tua verdadeira mestria.