Verdi: da dove cominciare con la sua musica

Giuseppe Verdi (1813-1901) è uno dei più grandi compositori d’opera, e probabilmente il più popolare di tutti. Il suo nome è sinonimo della storia della musica italiana della seconda metà del XIX secolo, la sua opera è centrale nel repertorio di ogni teatro d’opera del mondo. A volte viene paragonato a Shakespeare, che adorava, anche se parlava poco l’inglese e conosceva l’opera del Bardo solo in traduzione.

La musica che potresti riconoscere

Verdi era un melodista eccezionale, e alcune delle sue arie e dei suoi cori – come La Donna è Mobile da Rigoletto, Brindisi (la canzone da bere) de La Traviata e il Coro dell’Incudine da Il Trovatore – sono familiari a milioni di persone. In Italia, il Coro degli schiavi ebrei dal Nabucco è stato a lungo associato all’unità e alla solidarietà nazionale. La Grande Marcia dall’Aida, nel frattempo, è diventata un punto fermo del repertorio delle bande di ottoni ed è talvolta usata ai matrimoni, e la musica di Verdi può essere ascoltata nelle colonne sonore di film come 300 di Zack Snyder, Manon des Sources di Claude Berri e Senso di Luchino Visconti, ha pubblicizzato lager, jeans e pasta al sugo. Compare persino nel videogioco Grand Theft Auto.

La sua vita…

Figlio di un oste, Verdi nacque a Le Roncole, vicino a Parma, e andò a scuola nella vicina Busseto, dove il suo talento fu notato da Antonio Barezzi, un commerciante locale, che supervisionò la sua prima educazione musicale. A 18 anni fu respinto dal conservatorio di Milano, ma rimase in città (a spese di Barezzi) per studiare privatamente. La sua prima opera, Oberto, fu ben accolta alla sua prima alla Scala nel 1839, e il direttore del teatro, Bartolomeo Merelli, ne volle altre. Un Giorno di Regno fu però un fiasco l’anno successivo. Lo scoraggiamento di Verdi, unito alla depressione per la morte della sua prima moglie, gli fece quasi abbandonare la composizione, anche se la sua terza opera, Nabucco, intrapresa su insistenza di Merelli, lo rese famoso da un giorno all’altro.

Chiamò il periodo che seguì i suoi “anni di galera”, durante i quali compose un’opera ogni otto mesi circa, e i migliori dei suoi primi lavori hanno una vitalità clamorosa che continua a entusiasmare. L’Ernani (1844) è un thriller strappalacrime. Macbeth (1847, rivisto nel 1861) fu la prima delle sue opere shakespeariane. Nel 1847, era diventato così noto a livello internazionale che ci furono prime a Londra (I Masnadieri) e Parigi (Jérusalem, una rielaborazione del precedente I Lombardi).

Tra il 1851 e il 1853 compose tre capolavori, Rigoletto, Il Trovatore e La Traviata, che rimangono tra le sue opere più popolari. Non furono, tuttavia, prive di controversie ai loro tempi. Verdi trascorse gran parte della sua carriera lottando per far passare il suo lavoro davanti alla censura, che spesso sollevava obiezioni per motivi politici o morali, e dovette apportare modifiche sostanziali al testo di Rigoletto, basato su un’opera teatrale di Victor Hugo, proibita in quanto infiammatoria e oscena, prima che gli fosse permesso di andare in scena. Il realismo de La Traviata, con la sua eroina cortigiana e l’ambientazione contemporanea, causò costernazione, e per tutta la vita di Verdi l’opera fu solitamente messa in scena ambientata nel XVIII secolo.

Busseto e i suoi dintorni rimasero la sua casa per gran parte della sua vita. Con il successo arrivò la ricchezza, e nel 1851 si trasferì con la sua compagna, il soprano Giuseppina Strepponi, in una nuova villa dove visse fino alla fine della sua vita. Lui e Giuseppina, sebbene avessero una relazione dal 1847, non si sposarono fino al 1859. L’opposizione locale al loro stato di non sposati colora la rappresentazione di Verdi della disapprovazione di Giorgio Germont per la relazione del figlio con Violetta ne La Traviata.

… e tempi

Quando Verdi nacque, l’Italia era una nazione divisa, composta da piccoli stati individuali sotto l’occupazione austriaca o francese. Le opinioni divergono su quanto egli intendesse le sue prime opere come una richiesta di liberazione e di unificazione, ma, a partire dal Nabucco, con il suo Coro di schiavi ebrei che piange la perdita del loro paese, le sue opere divennero il centro delle aspirazioni nazionaliste del Risorgimento. Nel 1859, due anni prima della proclamazione del Regno d’Italia, “Viva Verdi” divenne un acronimo per “Viva Vittorio Emmanuele, Re D’Italia”, e nel 1861, il compositore servì brevemente nel neonato Parlamento italiano.

Pur essendo un uomo di teatro, visse in un’epoca di grandi romanzieri e la sua profondità di caratterizzazione e le preoccupazioni sociali di molte delle sue opere trovano paralleli nelle opere di Dickens, Balzac, George Eliot e Flaubert, tra gli altri. Marcel Proust ammirò enormemente La Traviata, scrivendo che Verdi aveva trasformato quello che considerava un materiale di partenza indifferente, il romanzo e la commedia La Dame aux Camélias di Alexandre Dumas fils, in un’arte veramente grande.

Perché la sua musica è ancora importante

Dopo La Traviata, la produzione di Verdi rallentò e le sue opere divennero di dimensioni maggiori. Le sue opere da Simon Boccanegra (1857) ad Aida (1871) riguardano il potere, la religione organizzata e la libertà. Il mix di commedia e tragedia in Un Ballo in Maschera (1859) e il fatalismo e l’umorismo tagliente de La Forza del Destino (1862) rivelano un debito verso la drammaturgia shakespeariana. Don Carlos (scritto in francese per Parigi nel 1867, poi rivisto in italiano come Don Carlo) costituisce la sua analisi più profonda di come i poteri della chiesa e dello stato cospirino per distruggere l’individuo, mentre dietro l’orientalismo di Aida si nasconde una rappresentazione della vita in una teocrazia sul piede di guerra. L’ambivalenza di Verdi nei confronti della religione era profonda, e informa le ambiguità del suo Requiem, scritto nel 1873 in memoria dello scrittore risorgimentale Alessandro Manzoni. Evocando la risposta dell’umanità alla terrificante maestà di Dio, termina in un vuoto intorpidito con la reiterazione senza fine delle parole Libera Me.

Dopo il Requiem, Verdi si ritirò apparentemente dalla vita pubblica, ma non fu affatto la fine della sua carriera. Il suo editore, Giulio Ricordi, organizzò una collaborazione con lo scrittore-compositore Arrigo Boito, che si tradusse prima in un’importante revisione del Simon Boccanegra, che non ebbe successo alla sua prima rappresentazione, poi in Otello e Falstaff, presentati in anteprima rispettivamente nel 1887 e nel 1893. Una partitura di notevole potenza, Otello è per molti il più grande di tutti gli adattamenti operistici della tragedia shakespeariana. Falstaff, basato su Le allegre comari di Windsor e Enrico IV, è ampiamente considerato come l’addio di Verdi al palcoscenico, una commedia agrodolce che guarda alla vita con umorismo e tristezza, prima di risolvere le sue tensioni in una fuga che afferma che “Tutto nel mondo è uno scherzo”

Verdi fu un innovatore costante e c’è un’immensa differenza stilistica tra Falstaff e le sue prime opere. Egli ha effettivamente riscritto la storia dell’opera italiana perfezionando prima e smantellando poi le tradizioni del bel canto ereditate dai suoi predecessori Bellini e Donizetti – gli schemi formali che suddividevano arie e scene in sezioni lente e veloci, separate da recitativi o passaggi di collegamento.

Le strutture tradizionali sono ancora alla base delle grandi opere dei primi anni 1850. Dal Simon Boccanegra in poi, Verdi si spinge sempre più ai limiti della forma in una ricerca di intensità drammatica e veridicità psicologica, anche se siamo ancora consapevoli delle demarcazioni strutturali tra arie, cori e complessi. Ma in Otello e Falstaff, i tradizionali confini formali sono dissolti. Recitativi, arie e ensemble fluiscono l’uno nell’altro senza soluzione di continuità, ogni atto si svolge in un unico arco musicale ininterrotto. I paragoni sono stati (e sono tuttora) fatti con la metodologia wagneriana di composizione integrale di ogni atto, anche se Verdi diffidava profondamente del metodo sinfonico di Wagner con la sua incessante elaborazione tematica.

Ma la ragione per cui Verdi è importante va forse al di là delle considerazioni musicologiche e può essere trovata, sospetto, nella sua profonda affermazione della nostra comune umanità, catturata ed espressa nel brivido viscerale della voce che canta in piena attività. Da Rigoletto in poi non ci sono eroi e cattivi stereotipati nelle sue opere, solo persone, ritratte con tutte le loro forze e fallibilità, e il loro potenziale sia per la grandezza che per il male. Ancora una volta è un punto di vista che lo contrappone a Wagner, suo contemporaneo (sono nati lo stesso anno), il grande creatore di miti, che crea, distrugge e redime mondi, mentre Verdi celebra l’esistenza accettando ed esplorando compassionevolmente la vita in tutta la sua varietà.

Grandi interpreti

Cantanti e direttori sono stati a lungo attratti da Verdi. Tutte le sue opere sono state registrate, molte di esse più volte, a volte utilizzando diverse edizioni che Verdi ha preparato durante la sua vita, o facendo tagli teatrali standard. Per quanto riguarda i direttori d’orchestra, Toscanini, Claudio Abbado e Herbert von Karajan sono a turno entusiasmanti e appassionati, anche se c’è bisogno di Victor de Sabata o Carlo Maria Giulini per il Requiem, e Don Carlos è probabilmente servito meglio da Antonio Pappano in francese e Georg Solti in italiano. Per molti, Leontyne Price è il più grande di tutti i soprani verdiani, ed è imperdibile in tutte le sue registrazioni della sua musica. I maggiori interpreti della sua opera sono quasi troppi da elencare, ma tra loro vanno forse citati Maria Callas, Renata Tebaldi, Grace Bumbry, Carlo Bergonzi, Franco Corelli, Ettore Bastianini, Tito Gobbi e Nicolai Ghiaurov.