Bien que l’âge d’or de la musique de big band soit associé aux années 30, il est né une décennie plus tôt, à l’âge du jazz, lorsque les chefs d’orchestre de jazz ont commencé à diriger des groupes issus de petits combos de jazz, gonflant en taille et en ambition musicale. Dans les années folles, l’industrie du disque en plein essor attirait les musiciens dans les grandes villes américaines, et les nouveaux groupes tels que les Cotton Pickers de McKinney pouvaient avoir des chaînes de succès à succès.
Fletcher Henderson était une force majeure dans l’établissement de la musique de big band, avec des ensembles accomplis qui comprenaient des musiciens de la qualité de Louis Armstrong, des saxophonistes Coleman Hawkins et Benny Carter, et du clarinettiste Buster Bailey. La musique d’Henderson est à l’origine du « swing », et ce n’est pas une coïncidence s’il a travaillé plus tard comme arrangeur pour le King Of Swing, Benny Goodman. Les groupes de Henderson ont été des pionniers dans l’utilisation d’arrangements harmonisés pour de grands groupes de musiciens. Même Armstrong, dont le travail avec ses groupes Hot Five et Hot Seven avait été si innovant dans les années 20, a commencé à travailler avec un orchestre, produisant sa propre merveilleuse musique de big band.
Au lendemain du crash de Wall Street en 1929, les big bands ont ressenti les effets de la Grande Dépression, avec même Henderson contraint de se dissoudre temporairement. Les danseurs de salon s’étaient également lassés des rigueurs de la danse jazz frénétique et en venaient à préférer la musique plus sentimentale chantée dans les émissions de radio par des crooners comme Bing Crosby. Même de superbes musiciens comme Benny Carter et Hawkins sont partis en Europe pour trouver du travail dans des orchestres de radio.
Mais alors que l’Amérique sortait de la Dépression, le public voulait du divertissement musical ; l’ère des big bands allait commencer. Cela coïncide avec le sentiment, dans les cercles de jazz, que plus c’est gros, mieux c’est. L’apogée de l’ère du swing se situe entre les années 1935 et 1940, et de nombreux chefs d’orchestre de jazz connaissent un énorme succès – aucun plus que Goodman, un clarinettiste éblouissant.
C’était aussi une époque où les audiences radio étaient à leur apogée et où les stations avaient besoin de musique fraîche pour remplir leurs grilles. Goodman ne se fait pas prier : ses émissions sur Camel Caravan, un programme sponsorisé par une compagnie de tabac, lui apportent des légions de nouveaux fans – dont beaucoup le voient en concert. À un moment donné, Goodman jouait cinq spectacles chaque soir, devant 21 000 personnes par soir, et son groupe ne rivalisait en popularité qu’avec le clarinettiste Artie Shaw, qui a obtenu un tel succès avec » Begin The Beguine « . »
Goodman a également réalisé qu’il aurait besoin d’arrangements passionnants et suffisamment stimulants pour que ses bons musiciens restent stimulés, et le chef d’orchestre était également en avance sur son temps en matière de relations raciales, faisant entrer dans son groupe des musiciens noirs tels que le maestro du piano Teddy Wilson.
Rois du swing
Le phénomène des big bands a également fait entrer le jazz dans de nouveaux lieux, comme le Carnegie Hall, jusque-là réservé à la musique classique. Et les salles de bal à travers l’Amérique étaient les foyers de nouvelles folies de danse telles que le jitterbug et le jive. Les orchestres de swing étaient un gros business, et si vous trouviez la bonne chanson, vous pouviez avoir un million de ventes sur les bras. Tommy Dorsey (trombone et trompette) a enchaîné les succès, dont « Marie » en 1937, tandis que son frère Jimmy (trompette et clarinette) a eu ses propres succès à la pelle, dont « Amapola ».
Le succès de Goodman a également inspiré nombre de ses sidemen – dont le batteur Gene Krupa, les trompettistes Harry James et Bunny Berigan, le talentueux multi-instrumentiste Lionel Hampton et l’anche Woody Herman – à créer leurs propres big bands. Cependant, Berigan, qui a un problème d’alcoolisme, a moins de succès que James. Pour James, c’était de grandes salles de concert et des succès qui se vendaient par millions, comme « You Made Me Love You ». Pour Berigan, ce fut la faillite.
Diriger un big band était un exercice délicat d’astuce et de gestion financière, ainsi qu’un test de prouesses musicales. Le chef d’orchestre devait payer les arrangements, le bus de l’orchestre, les uniformes, les frais d’agence et les coûts de publicité. Et les groupes n’étaient pas toujours harmonieux en dehors de la scène. Le compositeur et chef d’orchestre Hoagy Carmichael a un jour décrit la vie dans un big band comme étant « comme un détenu dans un zoo itinérant. »
A côté des chefs d’orchestre blancs comme Goodman et Krupa, les années 30 ont vu l’essor de chefs d’orchestre noirs, dont Chick Webb, dont le groupe jouait régulièrement en résidence au Savoy Ballroom de Harlem, avec une jeune Ella Fitzgerald. Cette collaboration a donné lieu à l’énorme succès « A-Tisket, A-Tisket. »
Il y avait aussi des groupes notables dirigés par Earl Hines et Cab Calloway. Cependant, les groupes noirs les plus importants à émerger étaient ceux de William « Count » Basie et les merveilleux orchestres de Duke Ellington. Basie avait d’excellents musiciens dans son orchestre, originaire du Kansas, dont le bassiste Walter Page et le saxophoniste ténor Lester Young, et il a fait appel à des chanteurs de haut niveau, dont Jimmy Rushing et Billie Holiday. Ellington, l’homme qui avait composé « It Don’t Mean A Thing If It Ain’t Got That Swing » en 1932, avait également de merveilleux sidemen, comme le bassiste Jimmy Blanton.
Dirigés par deux des chefs d’orchestre de jazz les plus charismatiques, les groupes de Basie et d’Ellington ont produit certains des meilleurs et des plus excitants jazz qui aient jamais été faits, et la superbe section rythmique motrice de Basie semblait avoir une compréhension presque télépathique, improvisant sur des airs qui n’avaient pas toujours d’arrangements écrits.
Même au sein des big bands, cependant, des individus pouvaient imposer leur propre brillance créative en tant que soliste, comme Coleman Hawkins l’a fait avec son enregistrement de 1939 pour Victor Records, « Body And Soul ». Ce succès était arrangé pour un orchestre mais constituait essentiellement le propre tour de force majestueux de Hawkins.
La musique des big bands a continué à dominer les ondes pendant les années de la Seconde Guerre mondiale, lorsque la musique de Glenn Miller a captivé le public. Bien que n’étant pas un improvisateur remarqué, Miller était un excellent tromboniste et un superbe arrangeur. En adoucissant le son du big band et en adaptant les chansons aux rythmes de danse populaires, il s’est fait un nom parmi les chefs d’orchestre de jazz avec des airs tels que « In The Mood » et « Moonlight Serenade ».
Entrez dans le bebop
À la fin de la guerre, le jazz évolue vers de nouvelles voies expérimentales. Le trompettiste Dizzy Gillespie a eu son propre groupe de 15 musiciens pendant un certain temps, mais il a abandonné le format big band, estimant qu’il ne convenait pas à l’orientation future de sa créativité. Il est l’un des nombreux musiciens qui ont mené la vague du bebop dans les années 50. Sentant peut-être une menace, certains des anciens chefs de big band, en particulier Goodman et Tommy Dorsey, ont critiqué ce nouveau style de jazz.
Certains chefs d’orchestre de jazz ont essayé d’être plus avant-gardistes. Woody Herman a continué à diriger des big bands dans les années 50, mais il a employé de jeunes musiciens talentueux comme Stan Getz et Zoot Sims, et leur a permis d’exprimer les nouveaux sons dans leurs solos. Claude Thornhill a commencé à utiliser les arrangements « modernes » écrits par Gil Evans pour un big band réinventé qui comprenait des musiciens bop comme le saxophoniste alto Lee Konitz.
De la même manière, le groupe de Billy Eckstine employait Miles Davis et Charlie Parker. Il y avait aussi des mouvements pour utiliser des chanteurs avec les big bands, comme Eckstone l’a fait avec la voix de miel Sarah Vaughan, une chanteuse qui avait appris son métier avec des chefs d’orchestre comme Earl Hines. Un chanteur célèbre qui a également gagné ses galons avec des big bands est Frank Sinatra, qui a admis que son chemin vers le succès en solo a été énormément aidé par le temps passé à chanter avec les swing bands de Harry James et Tommy Dorsey au début des années 40.
Une autre chanteuse qui s’est fait les dents avec des big bands est Peggy Lee. Née Norma Delores Egstrom, elle a commencé avec les groupes de swing de Jack Wardlaw et Will Osborne, et a obtenu sa véritable percée en 1941 lorsqu’elle a remplacé Helen Forrest comme chanteuse de Benny Goodman. Sous l’œil attentif de ce dernier, elle affine sa technique. À l’époque des microphones électriques, Lee était capable de commander même un big band déchaîné avec des inflexions délicates. Comme Sinatra, elle a ensuite mené une carrière solo éblouissante, même si l’attrait des big bands s’est estompé et que le rock et la musique pop ont pris le dessus.
Alors que le rock’n’roll engloutissait tout dans les années 60, les chefs d’orchestre de jazz Stan Kenton, Woody Herman, Count Basie et Duke Ellington étaient pratiquement les seuls d’une époque révolue à continuer à prospérer, se maintenant souvent à flot grâce à des tournées mondiales lucratives. Mais même les titans ont eu des difficultés. Basie a commencé à travailler avec un sextet et Ellington a dû utiliser les royalties de ses compositions pour financer son travail en big band. Comme le disait Ellington en plaisantant : « Il n’y a rien à faire pour maintenir un groupe ensemble. Il faut simplement avoir un gadget, et le gadget que j’utilise est de leur verser de l’argent. »
Survivre à l’ère moderne
Le dernier demi-siècle a vu les big bands endurer des hauts et des bas. Celui formé par l’ex-trompettiste et chef d’orchestre basque Thad Jones et le batteur Mel Lewis a fait un tabac et a continué à établir la norme dans les années 60 et 70, lorsque des musiciens comme Walter Ferguson ont également porté le drapeau du format.
Le jazz lisse a dominé les années 80, mais il y avait encore de la bonne et audacieuse musique de big band enregistrée dans les années 90, notamment l’album live de 1993 Dave Grusin Presents GRP All-Star Big Band Live ! par le cofondateur de GRP Records, Dave Grusin. Le terme « New Big Band » a été inventé pour désigner les groupes qui fusionnent des éléments du swing classique avec des artistes de bop. Parmi ceux qui ont eu le plus de succès, on trouve Christian McBride, qui a remporté un Grammy en 2012 pour le meilleur enregistrement d’un grand ensemble de jazz. Cela s’est produit juste un an après que Bob Curnow, un compositeur et producteur respecté, ait sorti le deuxième volume de ses arrangements pour big band de la musique de Pat Metheny. La suite de The Music Of Pat Metheny And Lyle Mays, paru en 1994, présentait le meilleur de l’écriture contemporaine pour big band.
La musique de big band et de swing trouvera toujours un public (demandez à Robbie Williams, dont les deux albums hommage au swing de ce siècle se sont vendus à plus de 10 millions d’exemplaires) car les mélomanes reviennent aux grands, comme les chefs d’orchestre de jazz Basie et Ellington, qui ont créé certaines des musiques les plus entraînantes des temps modernes.
Suivez la playlist Jazz Giants pour découvrir d’autres classiques essentiels des chefs d’orchestre de jazz d’hier et d’aujourd’hui.
.