Reggae, style de musique populaire qui a vu le jour en Jamaïque à la fin des années 1960 et s’est rapidement imposé comme la musique dominante du pays. Dans les années 1970, il était devenu un style international particulièrement populaire en Grande-Bretagne, aux États-Unis et en Afrique. Il était largement perçu comme la voix des opprimés.
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Selon une définition ancienne du Dictionnaire de l’anglais jamaïcain (1980), le reggae est basé sur le ska, une forme antérieure de musique populaire jamaïcaine, et emploie un rythme lourd à quatre temps entraîné par la batterie, la guitare basse, la guitare électrique et le « scraper », un bâton ondulé que l’on frotte avec un bâton uni. (La batterie et la basse sont devenues les fondements d’une nouvelle musique instrumentale, le dub.) Le dictionnaire indique également que le son de la guitare rythmique qui vient à la fin des mesures sert d' »accompagnement à des chansons émotionnelles exprimant souvent le rejet de la culture établie de l’homme blanc ». Un autre terme pour désigner cet effet distinctif de la guitare, skengay, est identifié au son des coups de feu qui ricochent dans les rues des ghettos de Kingston ; de manière révélatrice, skeng est défini comme « pistolet » ou « couteau à cliquet ». Ainsi, le reggae exprimait les sons et les pressions de la vie dans les ghettos. C’était la musique de la culture émergente des « rude boys » (futurs gangsters).
Au milieu des années 1960, sous la direction de producteurs tels que Duke Reid et Coxsone Dodd, les musiciens jamaïcains ont considérablement ralenti le tempo du ska, dont les rythmes énergiques reflétaient l’optimisme qui avait annoncé l’indépendance de la Jamaïque vis-à-vis de la Grande-Bretagne en 1962. Le style musical qui en a résulté, le rock steady, a été éphémère mais a apporté la célébrité à des interprètes comme les Heptones et Alton Ellis.
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Le reggae a évolué à partir de ces racines et a supporté le poids de paroles de plus en plus politisées qui abordaient l’injustice sociale et économique. Parmi les pionniers du nouveau son reggae, avec son rythme plus rapide mené par la basse, on trouve Toots and the Maytals, qui ont connu leur premier grand succès avec « 54-46 (That’s My Number) » (1968), et les Wailers-Bunny Wailer, Peter Tosh et la plus grande star du reggae, Bob Marley-qui ont enregistré des succès au Studio One de Dodd et ont ensuite travaillé avec le producteur Lee (« Scratch ») Perry. Une autre superstar du reggae, Jimmy Cliff, a acquis une renommée internationale en tant que vedette du film The Harder They Come (1972). Force culturelle majeure dans la diffusion mondiale du reggae, ce film réalisé en Jamaïque a montré comment la musique est devenue la voix des pauvres et des déshérités. Sa bande-son était une célébration de l’esprit humain défiant qui refuse d’être supprimé.
Pendant cette période de développement du reggae, une connexion s’est développée entre la musique et le mouvement rastafari, qui encourage la relocalisation de la diaspora africaine en Afrique, déifie l’empereur éthiopien Haïlé Sélassié Ier (dont le nom de précoronation était Ras Tafari) et approuve l’utilisation sacramentelle de la ganja (marijuana). Le rastafari (rastafarisme) prône l’égalité des droits et la justice et s’inspire de la conscience mystique du kumina, une ancienne tradition religieuse jamaïcaine qui ritualisait la communication avec les ancêtres. Outre Marley et les Wailers, les groupes qui ont popularisé la fusion du rastafari et du reggae sont Big Youth, Black Uhuru, Burning Spear (principalement Winston Rodney) et Culture. « Lover’s rock », un style de reggae qui célébrait l’amour érotique, est devenu populaire grâce aux œuvres d’artistes tels que Dennis Brown, Gregory Issacs et le Britannique Maxi Priest.
Dans les années 1970, le reggae, comme le ska avant lui, s’est répandu au Royaume-Uni, où un mélange d’immigrants jamaïcains et de Britanniques de naissance a forgé un mouvement reggae qui a produit des artistes comme Aswad, Steel Pulse, UB40 et le poète de la performance Linton Kwesi Johnson. Le reggae a été adopté aux États-Unis en grande partie grâce à l’œuvre de Marley, à la fois directement et indirectement (à la suite de la reprise populaire de la chanson « I Shot the Sheriff » de Marley par Eric Clapton en 1974). La carrière de Marley illustre la façon dont le reggae a été reconditionné pour convenir à un marché rock dont les clients avaient consommé de la marijuana et étaient curieux de la musique qui la sanctifiait. La fusion avec d’autres genres était une conséquence inévitable de la mondialisation de la musique et de son incorporation dans l’industrie multinationale du divertissement.
Les deejays dancehall des années 1980 et 1990 qui ont affiné la pratique du « toasting » (rapper sur des morceaux instrumentaux) étaient les héritiers de la politisation de la musique par le reggae. Ces deejays ont influencé l’émergence de la musique hip-hop aux États-Unis et ont étendu le marché du reggae à la communauté afro-américaine. Au début du XXIe siècle, le reggae reste l’une des armes de prédilection des pauvres urbains, dont le « pistolet lyrique », selon les termes de l’interprète Shabba Ranks, leur vaut une certaine respectabilité.