Chaque fois que vous dressez une liste des « plus grands » guitaristes de tous les temps – ou dans ce cas « les plus influents » – les passions s’enflamment forcément d’une manière ou d’une autre.
Après tout, nous avons chacun nos propres favoris, qu’il s’agisse d’un joueur, d’un style ou d’une époque en particulier. Cependant, cela ne signifie pas qu’une telle liste ne peut pas être basée sur un certain élément de raisonnement objectif. Dans une certaine mesure, la preuve est en nous tous : quiconque se met à la guitare emprunte au moins une poignée de techniques et de tendances stylistiques que quelqu’un d’autre a apportées à la table. La clé consiste à déterminer quels guitaristes ont eu le plus d’impact parmi le plus grand nombre de joueurs – en d’autres termes, qui a le plus contribué, de manière transversale, à la façon dont nous abordons l’instrument.
Une chose est sûre : si les musiciens suivants ne sont pas les 12 guitaristes les plus influents de tous les temps, ils sont certainement 12 des plus influents.
Sans tenir compte de leurs styles respectifs, tous sont des joueurs qui ont excité l’imagination et allumé la flamme de prendre l’instrument chez d’innombrables individus. En les distinguant, nous honorons leurs contributions et, en même temps, nous évoquons de grandes musiques de guitare que nous avons chéries.
ROBERT JOHNSON
Robert Johnson est le plus grand guitariste de blues de tous les temps et l’un des pères fondateurs du rock de l’ère du Delta blues d’avant la Seconde Guerre mondiale. Si ses paroles obsédantes et suggestives ont inspiré des chanteurs de tous les genres, c’est son jeu de guitare solo virtuose et innovant qui le place sur cette liste.
Trois sessions d’enregistrement entre 1936 et 1937 ont produit 29 chansons, dont les classiques vérifiables « (I Believe I’ll) Dust My Broom, » « Sweet Home Chicago,' » « Walkin’ Blues, » « Love in Vain » et « Crossroad Blues ». Sa popularisation des motifs de boogie coupé a présidé au blues électrique de Chicago et au rock and roll, tandis que ses licks de guitare frettée et slide sont si intemporels qu’on les retrouve encore dans la musique contemporaine.
Le premier guitar hero, Johnson avait l’attitude pour aller avec les chops. Sa mort tragique en 1938 à l’âge de 27 ans en a fait une icône pour ceux qui pleurent aussi Jimi Hendrix, Janis Joplin et Jim Morrison.
Dans le style de Robert Johnson:
CHARLIE CHRISTIAN
Quand Charlie Christian est monté sur le kiosque à musique avec Benny Goodman en 1939, il a propulsé à lui seul la guitare électrique dans le grand public. Bien qu’il n’ait pas été le premier guitariste à se brancher et à jouer électrifié, les performances de Christian en tant que soliste sur des morceaux de Goodman comme « Flying Home » et « Honeysuckle Rose » documentent les premiers cas où la guitare électrique a été utilisée efficacement comme instrument principal dans le cadre d’un Big Band.
L’augmentation du volume et du sustain que l’amplification offrait mettait la guitare sur un pied d’égalité avec les instruments solistes habituels comme la trompette et le saxophone, et la participation de Christian aux premières sessions de jam bebop aux côtés de sommités comme Thelonius Monk et Dizzy Gillespie en fait également l’un des pères fondateurs du genre.
Malheureusement, Christian est mort de la tuberculose à 26 ans. L’ensemble de son œuvre a inspiré une génération de géants de la guitare jazz, notamment Barney Kessel, Herb Ellis, Wes Montgomery, Tal Farlow et Jim Hall.
Dans le style de Charlie Christian:
B.B. KING
Chaque guitariste qui plie ou fait vibrer une corde pour la faire chanter a une dette envers B.B. King. Avec des influences aussi diverses que T-Bone Walker, Charlie Christian et Django Reinhardt, le regretté guitariste a bouleversé le monde du blues en 1952 avec « 3 O’Clock Blues ». Presque du jour au lendemain, l’harmonica a été supplanté comme principal instrument solo dans le blues, les guitaristes se bousculant pour imiter le style de solo de B.B., surtout à Chicago.
En 1970, B.B. est passé au public rock blanc avec « The Thrill Is Gone ». En 1988, il réitère pratiquement le coup en enregistrant « When Love Comes to Town » avec U2. Toujours humble étudiant de l’instrument, B.B. King est devenu plus jazzé et meilleur que jamais alors que sa vie et sa carrière se poursuivaient jusque dans le nouveau siècle. Sa perte au début de cette année a été profondément ressentie par la communauté musicale et, en particulier, par le guitariste qu’il a influencé.
Dans le style de B.B. King:
CHET ATKINS
Chet Atkins a réalisé d’innombrables enregistrements en tant que musicien de studio et artiste solo, à partir des années 40. En fait, une grande partie du travail de session qu’il a enregistré et/ou produit à Nashville avec des artistes comme Elvis Presley, Roy Orbison et les Everly Brothers a jeté les bases des débuts du rock and roll.
Bien qu’à l’aise dans de nombreux styles, Atkins était le plus souvent associé à la musique country et à la guitare acoustique. En utilisant une combinaison de ses doigts et d’un médiator au pouce, il créait son son « fingerpicking » caractéristique – un style quelque peu inspiré par son collègue guitariste Merle Travis. Atkins a même enregistré un album en duo avec Travis, ainsi qu’avec d’autres guitaristes respectés comme Doc Watson, Les Paul, Jerry Reed et Mark Knopfler.
Légende de la guitare, Atkins a été élu au Country Music Hal of Fame en 1973. Ses contributions musicales ont inspiré des artistes allant d’Eric Johnson à feu Lenny Breau. Dans pratiquement tous les magasins de musique haut de gamme, vous pouvez encore trouver des guitares modèle signature de Chet Atkins, que Gibson et Gretsch ont conçues selon ses spécifications.
Dans le style de Chet Atkins:
CHUCK BERRY
Le premier artiste populaire à chanter, jouer et écrire ses propres morceaux, Chuck Berry a fait irruption dans le rock and roll en 1955 avec les rythmes country à deux temps de « Maybellene » et s’est approprié le genre. Ses influences étaient similaires à celles de B.B. King, mais comprenaient également le jump blues et la musique country-and-western.
Ce sont les chansons de Berry de la fin des années 50 avec des motifs de boogie coupés-comme « Roll Over Beethoven », « Johnny B. Goode » et « Carol »-qui ont réalisé électriquement les ambitions de guitare rêvées d’abord par Robert Johnson. Le son de Berry – grâce à une Gibson à corps creux et un ampli Fender tweed – était brut et fort. Cette sonorité, ainsi que sa démarche de canard, ses doubles cordes sonnantes et ses chansons sur les voitures et les filles, ont attiré le marché des jeunes. Grand et beau, il a apporté la guitare comme les instruments « cool » à un public prêt via des apparitions à la télévision et dans des films, d’une manière que les Beatles répéteront au début des années 60.
Dans le style de Chuck Berry:
WES MONTGOMERY
John Leslie « Wes » Montgomery a pris la guitare pour la première fois en 1943, à l’âge relativement tardif de 19 ans. Il a affiné ses côtelettes en imitant son héros, Charlie Christian, et a obtenu son premier concert payant en jouant les solos de Christian note pour note.
Contrairement à Christian, cependant, Montgomery utilisait son pouce au lieu d’un médiator pour créer le ton percussif et pourtant chaud associé à son style. (Selon les interviews, Wes a appris à jouer avec son pouce parce que cela créait un son plus doux, apaisant ses voisins). Grâce à son oreille phénoménale, Wes a rapidement dépassé ses influences et développé un style bien à lui. Son don pour la mélodie, son utilisation révolutionnaire des octaves dans un contexte de solo et ses solos d’accords complexes – comme en témoignent ses interprétations dévastatrices de standards comme « Round Midnight » et « Days of Wine and Roses » – ont élargi la gamme de la guitare, poussant l’instrument vers des territoires inexplorés.
Montgomery est mort en 1968 au sommet de sa carrière. Sa musicalité a inspiré un large éventail de guitaristes de jazz, notamment George Benson, Joe Diorio et Pat Metheny.
Dans le style de Wes Montgomery:
ERIC CLAPTON
Le bluesy British bloke Eric Clapton est un nom connu depuis ses débuts discographiques avec les Yardbirds en 1963. Au milieu des années 60, ses performances légendaires avec les Bluesbreakers de John Mayall et Cream l’ont établi comme un pionnier du blues électrique moderne et de la guitare rock.
Dans les années 70, le travail de Clapton avec Derek and the Dominos et ses premiers albums solo ont ajouté une flopée de chefs-d’œuvre comme « Layla » et « Lay Down Sally » au répertoire du rock classique. Les années 80 ont également vu la musique de Clapton figurer dans des films (The Hit en 1984 et Lethal Weapon en 1987) et des publicités (« After Midnight » pour Michelob en 1987), tandis qu’une série d’albums produits par Phil Collins a établi Clapton comme une icône pop/rock.
Après avoir été le champion du phénomène « unplugged » au début des années 90 avec son concert MTV Unplugged, Clapton est revenu à ses racines avec From the Cradle. Depuis, il a contribué à maintenir le blues en vie avec son festival annuel Crossroads de trois jours, qui présente à la fois Clapton et une foule de guitaristes de blues établis et à venir.
Quel que soit le format musical, Eric Clapton a toujours gardé son brillant jeu de guitare inspiré du blues au premier plan, influençant des artistes comme Eddie Van Halen, Steve Lukather, Joe Satriani, Jonny Lang et d’innombrables autres.
Dans le style d’Eric Clapton:
JIMI HENDRIX
À ses débuts, Jimmy James, comme on l’appelait alors, jouait dans des sections rythmiques, accompagnant des artistes comme Little Richard, B.B. King et Ike et Tina Turner. Ce n’est qu’en 1966, lorsqu’il déménage à Londres et forme The Experience, que Jimi Hendrix peut se lâcher et commencer à recevoir l’attention qu’il mérite pour son magnifique travail à la guitare. De façon alarmante, Hendrix était pratiquement inconnu aux États-Unis jusqu’à ce qu’il joue au Monterey Pop Festival en 1967 – la performance légendaire au cours de laquelle il a arrosé sa Fender Stratocaster d’essence à briquet et l’a incendiée.
Bien qu’il ait été influencé par tout le monde, de B.B. King à Muddy Waters en passant par Chuck Berry et Bob Dylan, la vision artistique complète de Hendrix comprenait des éléments de blues, de funk, de rock, de psychédélisme et de chaos total. Son utilisation fréquente d’effets comme la pédale wah et Octavia, d’effets de studio pionniers comme la guitare « backward » et le flanging, et l’utilisation du feedback contrôlé et de la barre tremolo ajoutaient une autre dimension à sa musique.
Hendrix avait aussi un côté magnifiquement subtil, comme le dépeignent des morceaux comme « Little Wing », « Bold As Love » et « Castles Made of Sand ». Il est décédé le 18 septembre 1970. Durant son bref séjour sur cette planète, il a profondément marqué les musiciens, de Miles Davis à Eric Johnson en passant par Stevie Ray Vaughan.
Dans le style de Jimi Hendrix:
JIMMY PAGE
Jimmy Page est l’un des maîtres ultimes du riff, orchestrateurs de guitare et révolutionnaires de studio de la musique rock. Son vaste corpus d’œuvres avec les Yardbirds et Led Zeppelin présente le type d’abandon sauvage souvent associé à Jimi Hendrix, la passion et le cran d’un bluesman chevronné, et la sensibilité d’un musicien folk.
Extrêmement éclectique, Page a un éventail diversifié d’influences guitaristiques, qui comprend les guitaristes de blues Otis Rush, Buddy Guy et Hubert Sumlin, ainsi que les premiers guitaristes de rockabilly Cliff Gallup et Scotty Moore. Il a combiné ces influences avec un fort intérêt pour l’occulte et beaucoup de son propre savoir-faire en studio pour peindre un paysage musical dans chaque chanson de Led Zeppelin. L’utilisation historique par Page d’effets d’écho dans des morceaux comme « How Many More Times » et « You Shook Me », d’accords bizarres dans des morceaux comme « Friends » et « Bron-Y-Aur Stomp », et d’excursions avec un archet de violon dans des chansons comme « Dazed and Confused » a donné des textures sans équivalent à l’époque.
Bien que Led Zeppelin se soit dissous en 1980 après la mort du batteur John Bonham, ils se sont réunis à quelques occasions, la dernière fois en 2007 pour un concert hommage à la mémoire d’Ahmet Ertegun, qui les avait signés chez Atlantic et avait lancé leur carrière. Page continue d’aller de l’avant. Après avoir réédité le catalogue du groupe en 2014 et 2015, il a promis un nouveau projet à venir en 2016. Nous ne pourrions pas être plus heureux, et plus impatients d’entendre ce qu’il a.
Dans le style de Jimmy Page:
EDDIE VAN HALEN
Croyez-le ou non, Eddie Van Halen n’avait même pas entendu de musique rock avant que lui et sa famille ne quittent les Pays-Bas pour s’installer à Pasadena en Californie en 1967. Après avoir entendu Cream, il abandonne rapidement le piano et la batterie pour la guitare, apprenant l’instrument en piochant dans les disques d’Eric Clapton, Led Zeppelin, Jimi Hendrix et Jeff Beck. Ces influences n’étaient cependant qu’un tremplin. Eddie était rapidement capable de mettre sa propre marque sur tout ce qu’il jouait.
Aujourd’hui, Van Halen est l’un des innovateurs les plus influents et les plus imités du rock. Aussi imprévisible et flamboyant que Hendrix, Van Halen a eu un impact incommensurable sur la communauté des guitaristes. Au milieu des années 80, le son « brun » qu’il se décrivait lui-même, ses techniques exagérées (y compris le tapping à deux mains) et ses effets de trémolo révolutionnaires ont inspiré une génération d’aspirants guitaristes qui ont acheté les guitares de style Strat équipées de Floyd Rose, à un seul micro et à un seul bouton de volume, que Van Halen a rendues célèbres.
Pour un avant-goût d’Ed sous son aspect le plus fumant, écoutez « Eruption », « Spanish Fly », « Cathedral » et les intros de « Mean Street » et « Little Guitars ». »
Dans le style d’Eddie Van Halen:
STEVIE RAY VAUGHAN
Stevie Ray Vaughan jouait du blues comme un homme possédé. Combinaison parfaite de cordes, de goût, de conviction, de tonalité et de sens du spectacle, Vaughan et sa Fender Stratocaster 59 ont exposé une toute nouvelle génération d’auditeurs au blues et, en retour, aux propres influences de Stevie : Albert King, Jimi Hendrix, B.B. King, Otis Rush et Buddy Guy.
Inspiré au départ par son frère aîné Jimmie, Stevie prend la guitare très tôt et joue dans des groupes dès l’âge de 12 ans. Au moment où il forme son légendaire trio Double Trouble en 1980, Stevie Ray Vaughan est déjà une légende dans sa ville d’adoption, Austin, au Texas. Après avoir entendu et vu Vaughan jouer au festival de jazz de Montreux, en Suisse, l’icône pop David Bowie a invité Stevie à jouer sur son album Let’s Dance. La carrière de Vaughan a décollé à partir de là.
Son premier album solo, Texas Flood, est sorti en 1983 et comprenait des interprétations foudroyantes de « Testify » et « Texas Flood » ainsi que des originaux désormais classiques comme « Pride and Joy » et « Lenny ». Plusieurs autres albums solo à succès suivront. Le 27 août 190, Vaughan périt dans un accident d’hélicoptère alors qu’il revenait d’un concert qu’il partageait avec Eric Clapton, Buddy Guy, Jimmie Vaughan et Robert Cray.
Dans le style de Stevie Ray Vaughan:
YNGWIE J. MALMSTEEN
Importé de Suède, Yngwie J. Malmsteen se spécialise dans ce que beaucoup considèrent comme du « Bach and Roll », ou du rock néoclassique – un style de musique qui comporte des séquences scalaires et arpégées furieusement rapides rappelant les œuvres virtuoses pour orgue et violon de Bach et Paganini écrites au 18e siècle.
Après s’être installé aux États-Unis pour de brefs passages avec les groupes Steeler et Alcatrazz, Malmsteen a fait venir par avion ses anciens camarades suédois et a reformé Yngwie J. Malmsteen’s Rising Force, publiant le premier album éponyme du groupe en 1984.
La virtuosité stupéfiante d’Yngwie, illustrée sur le morceau « Far Beyond the Sun », a inspiré d’innombrables guitaristes à affiner leurs pics alternatifs et leurs sweep-picking. Certains sont même allés jusqu’à festonner leurs frettes, en sculptant le bois entre les frettes en croissant, comme le fait Malmsteen, pour faciliter le jeu avec un toucher plus léger.
L’attrait de masse qu’Yngwie a atteint parmi les guitaristes au milieu et à la fin des années 80 a ouvert le marché à d’autres shredders brûlants comme Vinnie Moore, Tony MacAlpine, Paul Gilbert et Jason Becker, entre autres.
Dans le style d’Yngwie Malmsteen:
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