En 1951, Welk s’installe à Los Angeles. La même année, il commence à produire The Lawrence Welk Show sur KTLA à Los Angeles, où il est diffusé depuis l’Aragon Ballroom à Venice Beach. L’émission devient un succès local et est reprise par ABC en juin 1955.
Durant sa première année d’antenne, l’heure Welk a institué plusieurs rubriques régulières. Pour rendre visuel le slogan « Champagne Music » de Welk, l’équipe de production a conçu une « machine à bulles » qui faisait jaillir des flots de grosses bulles à travers le kiosque à musique. Bien que la machine à bulles ait été conçue à l’origine pour produire des bulles de savon, les membres de l’orchestre se plaignant de l’accumulation de savon sur leurs instruments, la machine a été retravaillée pour produire des bulles de glycérine. Chaque fois que l’orchestre jouait une polka ou une valse, Welk lui-même dansait avec la chanteuse du groupe, la « Champagne Lady ».
Sa première Champagne Lady était Jayne Walton Rosen (de son vrai nom : Dorothy Jayne Flanagan), qui a quitté le spectacle après son mariage. Après que Welk et son groupe soient passés à la télévision, elle est apparue comme invitée dans l’émission, où elle a chanté des chansons latino-américaines et des favoris qui étaient populaires lorsqu’elle voyageait avec le groupe Welk. Les numéros fantaisistes étaient généralement chantés par Rocky Rockwell (1923-2013), originaire de St. Joseph, Missouri. Welk se réservait également un numéro pour lui-même afin de faire un solo sur son accordéon.
Comme l’émission de Welk visait principalement les téléspectateurs âgés, elle jouait rarement de la musique récente avec laquelle le public pouvait ne pas être familier. Le 8 décembre 1956, deux exemples dans la même émission : « Nuttin’ for Christmas », qui devient un véhicule pour Rocky Rockwell habillé en enfant, et « Don’t Be Cruel » d’Elvis Presley, qui est chanté par le violoniste Bob Lido, portant de faux favoris à la Presley.
Dans un autre épisode, les Lennon Sisters et Norma Zimmer ont interprété le tube pop n°2 des Orlons, « The Wah-Watusi », avec le chanteur basse Larry Hooper portant une tenue de beatnik. Ceci était en comparaison avec l’American Bandstand contemporain, qui s’adressait à un public d’adolescents et présentait les derniers numéros. Dans un épisode de 1971, Welk a tristement annoncé le single de Brewer & Shipley, « One Toke Over the Line » (interprété en duo par Gail Farrell et Dick Dale), comme un « spiritual moderne » ; les conservateurs sociaux de l’époque le considéraient comme subversif. Plus tard dans les années 1970, cependant, les programmes de Welk comprenaient souvent des chansons actuelles pour adultes contemporaines interprétées par ses chanteurs, notamment « Feelings » et « Love Will Keep Us Together » (rendues célèbres par Morris Albert et Captain & Tennille, respectivement), et des chansons actuelles ont été incluses jusqu’en 1982, dernière année de production de l’émission.
Chaque fois qu’un air de Dixieland était programmé, il dirigeait le groupe avec enthousiasme. Conformément au public cible, le type de musique du Lawrence Welk Show était conservateur, se concentrant sur les standards de la musique populaire, les show tunes, les polkas et les chansons de fantaisie, délivrés dans un style lisse, calme, de bonne humeur, facile à écouter et « orienté famille ». Bien qu’elle ait été décrite par un critique, le journaliste canadien et éditeur de divertissement Frank Rasky, comme « la musique la plus carrée de ce côté d’Euclide », cette stratégie s’est avérée être un succès commercial, et l’émission est restée à l’antenne pendant 31 ans.
Les musiciens de Welk comprenaient l’accordéoniste Myron Floren, le violoniste de concert Dick Kesner, le guitariste Buddy Merrill, et le clarinettiste Dixieland de la Nouvelle-Orléans Pete Fountain. Bien que Welk ait parfois la réputation d’être à court d’argent, il payait les membres réguliers de son orchestre au prix fort – un très bon salaire pour un musicien qui travaille. Les longues durées de service étaient courantes parmi les membres réguliers. Par exemple, Floren a été le chef d’orchestre adjoint de l’orchestre pendant toute la durée de l’émission. Il était connu pour mettre en avant les membres individuels de son groupe.
Welk a eu un certain nombre de succès instrumentaux, y compris une reprise de la chanson « Yellow Bird ». Son disque le plus haut classé est « Calcutta », écrit par Heino Gaze, qui a atteint le statut de tube en 1961. Welk lui-même était indifférent à cet air, mais son directeur musical, George Cates, a déclaré que si Welk ne souhaitait pas enregistrer la chanson, il (Cates) le ferait. Welk répondit : « Eh bien, si c’est assez bon pour toi, George, je suppose que c’est assez bon pour moi ». Bien que l’explosion du rock-and-roll au milieu des années 1950 ait chassé la plupart des artistes plus âgés des hit-parades, « Calcutta » a atteint la première place des hit-parades pop américains entre le 13 et le 26 février 1961 ; elle a été enregistrée en une seule prise. La chanson a délogé « Will You Love Me Tomorrow » des Shirelles de la première place, et a empêché « Shop Around » des Miracles de devenir le premier succès du groupe, en maintenant leur enregistrement à la deuxième place. Il s’est vendu à plus d’un million d’exemplaires et a été récompensé par un disque d’or.
L’album Calcutta ! a également atteint la première place. Les albums Last Date, Yellow Bird, Moon River, Young World and Baby Elephant Walk et Theme from the Brothers Grimm, produits au début des années 60, figurent dans le top 10 du Billboard ; neuf autres albums produits entre 1956 et 1963 sont dans le top 20. Ses albums ont continué à figurer dans les classements jusqu’en 1973.
L’insistance de Welk sur le divertissement sain l’a conduit à être un maître d’œuvre quelque peu sévère à certains moments. Par exemple, il a renvoyé Alice Lon, à l’époque la « Champagne Lady » de l’émission, parce qu’il estimait qu’elle montrait trop de jambes. Welk a déclaré au public qu’il ne tolérerait pas de telles performances « cheesecake » dans son émission ; il a ensuite essayé sans succès de réembaucher la chanteuse après que le courrier des fans ait indiqué que les téléspectateurs s’opposaient massivement à son licenciement. Il a ensuite eu une série de « Champagne Ladies » de courte durée, avant que Norma Zimmer n’occupe cette place de manière permanente. Très impliqué dans la vie privée de ses stars, il arbitrait souvent leurs conflits conjugaux. Son conservatisme musical a également provoqué des controverses occasionnelles. Malgré l’authentique clarinette Dixieland de la Nouvelle-Orléans qui a fait de lui un membre populaire de la distribution, Pete Fountain a quitté l’orchestre lors d’une dispute avec Welk concernant l’ajout d’un solo de jazz à une chanson de Noël.
Reflétant les controverses sur la qualité de la musique de Welk parmi les cognoscenti, en 1956, le satiriste musical Stan Freberg, connu pour son amour du jazz, a écrit et enregistré une satire mordante de Welk, « Wunnerful ! Wunnerful ! » Freberg s’est fait passer pour Welk. Enregistré avec quelques-uns des meilleurs musiciens de jazz d’Hollywood, arrangé par Billy May pour ressembler à l’authentique Welk, le single se moquait du travail à l’accordéon de Welk, de son bavardage parfois trébuchant entre les chansons et de la musique des favoris de Welk, Rocky Rockwell (« Stony Stonedwell »), Champagne Lady Alice Lon (« Alice Lean ») et Larry Hooper (« Larry Looper »). Welk n’était pas amusé, et quand il a rencontré Freberg des années plus tard, il a affirmé qu’il n’avait jamais utilisé le terme « Wunnerful ! Wunnerful ! ». Ironiquement, il est devenu le titre de l’autobiographie de Welk en 1971.
Malgré sa réputation guindée, le Lawrence Welk Show a néanmoins suivi l’air du temps et ne s’est jamais limité strictement à la musique de l’ère des big-bands. Au cours des années 1960 et 1970, par exemple, l’émission a incorporé du matériel de sources contemporaines telles que les Beatles, Burt Bacharach et Hal David, Neil Sedaka, les Everly Brothers et Paul Williams (ainsi que, dans l’exemple le plus notoire, Brewer & Shipley), le tout arrangé dans un format facilement digeste pour les téléspectateurs plus âgés. Initialement produite en noir et blanc, en 1957, l’émission a commencé à être enregistrée sur bande vidéo, et elle est passée à la couleur pour la saison de l’automne 1965.
Lors de son passage sur le réseau, The Lawrence Welk Show a été diffusé sur ABC le samedi soir à 21 heures (heure de l’Est), passant d’une demi-heure à 20h30 à l’automne 1963. En fait, Welk a été la tête d’affiche de deux émissions hebdomadaires en prime-time sur ABC pendant trois ans. De 1956 à 1958, il a animé Top Tunes et New Talent, qui ont été diffusés le lundi soir. La série est passée au mercredi à l’automne 1958 et a été rebaptisée The Plymouth Show, qui a pris fin en mai 1959. À cette époque, l’émission du samedi était également connue sous le nom de The Dodge Dancing Party. À cette époque, les réseaux étaient en train d’éliminer les émissions considérées comme ayant un public trop âgé, ne plaisant pas aux citadins, ou les deux (ce qu’on appelait la purge rurale). Le Lawrence Welk Show entrant dans cette catégorie, ABC a mis fin à sa diffusion en 1971. Welk a remercié ABC et les sponsors à la fin de la dernière émission du réseau. Le Lawrence Welk Show a continué à être diffusé en première diffusion sur 250 stations à travers le pays jusqu’à ce que la dernière émission originale soit produite en 1982, lorsque Welk a décidé de prendre sa retraite. Alors que de nombreuses émissions de télévision de longue date ont subi une sérieuse baisse d’audience pendant le mouvement de contre-culture de la fin des années 1960, The Lawrence Welk Show a survécu en grande partie intact et a même connu une augmentation de l’audience pendant cette période.
Pendant toute la durée de l’émission, les numéros musicaux étaient répartis assez équitablement entre les performances préenregistrées synchronisées par les lèvres et les doigts et celles enregistrées en direct sur film ou bande. En général, les grands numéros de production présentant des performances de danse et de chant étaient enregistrés plus tôt dans la journée ou la veille, souvent dans de célèbres studios d’enregistrement à Hollywood et dans les environs, tandis que les numéros plus intimes étaient enregistrés en direct sur bande ou sur pellicule.
Il s’agissait d’une période de transition.