Si l’on devait nommer le compositeur qui suture la couture entre la Renaissance et le Baroque, ce serait probablement Claudio Monteverdi — le même compositeur qui est largement et fréquemment crédité d’avoir fait la coupure en premier lieu. Le chemin parcouru depuis ses premières canzonettas et madrigaux jusqu’à sa dernière œuvre lyrique illustre les changements dans la pensée musicale qui ont eu lieu dans les dernières décennies du XVIe siècle et les premières du XVIIe.
Monteverdi est né à Crémone, en Italie, le 15 mai 1567. Dans sa jeunesse, son talent musical était déjà évident : sa première publication a été publiée par une importante maison d’édition vénitienne alors qu’il avait 15 ans, et à l’âge de 20 ans, une variété de ses œuvres avaient été imprimées. Son premier livre de madrigaux à cinq voix, tout en portant une dédicace à son mentor crémonais Ingegnieri, a réussi à établir sa réputation en dehors de sa ville natale provinciale, et l’a aidé à trouver du travail à la cour du duc Gonzague de Mantoue. Ses compositions de la période mantouane trahissent l’influence de Giaches de Wert, à qui Monteverdi finit par succéder comme maestro di cappella. C’est à cette époque que le nom de Monteverdi devient très connu, en grande partie à cause des critiques que lui adresse G.M. Artusi dans son célèbre traité de 1600 « sur l’imperfection de la musique moderne ». Artusi jugeait inacceptables les non-orthodoxies contrapuntiques de Monteverdi et citait plusieurs extraits de ses madrigaux comme des exemples de décadence musicale moderne. Dans la réponse qui figure dans la préface du cinquième livre de madrigaux de Monteverdi, le compositeur invente une paire de termes inextricablement liés à la diversité des goûts musicaux qui caractérise l’époque. Il appelait prima prattica le style de composition le plus ancien, dans lequel les règles traditionnelles du contrepoint l’emportaient sur les considérations expressives. La seconda prattica, caractérisée par des œuvres telles que Crudi Amarilli, cherchait à mettre la musique à la servitude du texte par tous les moyens nécessaires – y compris le contrepoint » incorrect » – pour exprimer le texte de manière vivante.
En 1607, le premier opéra de Monteverdi (et le plus ancien à honorer les scènes modernes avec une certaine fréquence) L’Orfeo, est représenté à Mantoue. Il est suivi en 1608 par L’Arianna, qui, malgré sa popularité à l’époque, ne subsiste plus que dans les livrets, et dans la célèbre complainte du personnage-titre, dont un arrangement polyphonique figure dans son sixième livre de madrigaux (1614). Des désaccords avec la cour des Gonzague le poussent à chercher du travail ailleurs, et finalement, en 1612, il est nommé maestro di cappella à la cathédrale Saint-Marc de Venise.
Ses premières années à Venise furent une période de reconstruction pour la cappella, et il fallut un certain temps avant que Monteverdi soit libre d’accepter des commandes en dehors de ses fonctions à la cathédrale. En 1616, il composa le ballet Tirsi i Clori pour Ferdinand de Mantoue, le frère le plus favorisé de son ex-employeur décédé et détesté. Les années suivantes voient quelques entreprises lyriques abandonnées, l’opéra La finta pazza Licori, aujourd’hui disparu, et le dialogue dramatique Combattimento di Tancredi e Clorinda.
Les années 1630 sont des années musicales maigres pour Monteverdi. Des batailles politiques et une épidémie de peste le laissèrent sans commandes ni de Mantoue ni de Venise. Cependant, avec l’ouverture des opéras vénitiens en 1637, la carrière lyrique de Monteverdi est relancée. Une nouvelle production de L’Arianna fut mise en scène en 1640, et trois nouveaux opéras apparurent en deux ans : Il ritorno d’Ulisse in patria, Le nozze d’Enea con Lavinia (également perdu), et L’incoronazione di Poppea. Cette résurgence précède sa mort de quelques années seulement : il s’éteint à Venise en 1643.