Vous êtes-vous déjà demandé « ma chanson est si bonne, mais pourquoi je n’arrive pas à la rendre plus forte ? ! »
L’une des plus grandes questions de mixage que l’on nous pose ici à Cymatics est « comment rendre mon morceau plus fort ».
Vous pouvez penser que c’est un problème de mastering, mais c’est en fait le mixage.
Avant qu’un master puisse vraiment polir et améliorer votre chanson, vous avez besoin d’un mixage qui fonctionnera bien en étant masterisé.
Mais en réalité, si vous y pensez, toutes les pistes lorsqu’elles sont masterisées ont le même volume, même la vôtre.
En général, une chanson frappe un limiteur avec un plafond de 0.
Donc en réalité, cela signifie que les autres chansons sont juste « perceptivement plus fortes ».
Mais cette intensité sonore perceptive peut être expliquée avec un autre dicton connu sous le nom de « volume maximum, tension minimum ».
Essentiellement, cela signifie que vous voulez que les éléments de votre piste soient perceptivement forts, tout en utilisant le moins de volume réel.
Cela peut se produire pour une multitude de raisons différentes.
Un son avec beaucoup de contenu harmonique peut être perceptiblement plus fort par exemple.
Un autre pourrait être un son fortement compressé avec une gamme dynamique constante.
Vous trouverez ci-dessous 5 techniques que vous pouvez mettre en œuvre dans vos mixages pour rendre votre musique perceptiblement plus forte.
Technique de sonorité n°1 : le slotting
Lorsque vous apprenez à mixer, l’une des premières compétences que vous voulez maîtriser est le « slotting ».
Slotting est le concept est de placer chaque élément de votre piste dans leur propre espace unique dans les dimensions de « hauteur », « profondeur », et « largeur ».
Cette technique permettra à chaque élément de briller en prenant son propre espace, permettant un volume perceptif maximal.
Imaginez que votre chanson existe en fait dans un espace 3D massif.
Chaque élément peut exister quelque part dans l’espace, généralement avec vos éléments principaux près de l’avant et du centre, et vos éléments moins importants placés ailleurs.
Maintenant, parlons de la façon de placer les éléments dans ces trois dimensions.
Hauteur:
Lorsque l’on écoute des sons, les gammes de basses fréquences sont perceptiblement plus basses par rapport au sol, et plus la fréquence est élevée, plus elle est perçue en hauteur.
Par conséquent, en donnant à chaque élément son propre espace dans le spectre de fréquences, vous remplissez également votre chanson dans la dimension de la « hauteur ».
L’outil évident pour aborder cela avec est l’égaliseur, mais cela devrait également être appliqué dans le processus d’écriture.
Vous voulez limiter le nombre de sons existant dans certaines plages de fréquences pour laisser chacun d’eux briller individuellement.
Donc, lors de l’écriture, soyez très sélectif quant aux sons qui s’installent où.
Par exemple, peut-être que j’aurais une sous-basse dans les fréquences les plus basses, une basse moyenne basse prenant les médiums (saignant légèrement dans les aigus), un lead prenant les médiums aigus, et des cymbales et des fx prenant les aigus.
Maintenant, ce n’est qu’un exemple, mais j’espère que cela vous fait réfléchir.
Une chose à laquelle il faut faire attention cependant, c’est de trop slotter.
Les sons ont tendance à sonner de manière non naturelle si vous les limitez à une certaine gamme de fréquences.
Par exemple, prendre une basse, enlever tous les sous-médiums, et enlever tous les aigus.
Cela sonnerait probablement bizarrement, donc lorsque vous slottez, essayez d’utiliser des tablettes plus que des coupures dures.
C’est plus naturel lorsque les éléments couvrent encore tout le spectre de fréquence, juste moins dans certaines zones.
Profondeur :
La « profondeur » de votre piste est le plus souvent créée avec des FX basés sur le temps tels que les délais et les réverbérations.
En maîtrisant ces outils, vous pouvez placer vos sons plus loin, ou, alternativement avec peu ou pas de délai ou de réverbération, vous pouvez placer votre son en avant dans le mix.
Dans sa forme la plus basique, plus la réverbération et le délai d’un son sont longs, plus il est distant perceptiblement. Voici un schéma de base pour illustrer ce concept:
La largeur:
En dernier lieu, la largeur de votre piste est l’endroit où vous placez vos sons dans le champ stéréo.
Ceci traite généralement de deux concepts différents.
Le premier étant la « largeur » du son réel, et le second étant la distance du panoramique à gauche ou à droite de votre son.
Le panoramique est un concept assez direct et évident, où est le son par rapport à la gauche ou à la droite.
Là où les choses se compliquent cependant, c’est la largeur de ce son dans le champ gauche et droit.
Dans le diagramme ci-dessus, le spectre gauche-droite du son est décomposé en 6 sections.
Imaginez qu’un son n’occupait que la section centrale gauche en le panoramisant à cet endroit.
Maintenant cependant, imaginez si ce son nous étions en fait plus large que cela, et commençait à prendre des parties des deux sections adjacentes.
Essayez de penser à tous vos sons dans ce sens. Est-il complètement au centre ? Ou est-il au centre mort, mais aussi large ?
Maintenant, la vraie question est de savoir comment rendre un son plus large ou moins large.
Dans son résumé le plus basique, nous percevons les sons comme étant « plus larges » lorsqu’il y a des différences dans le son entre le haut-parleur gauche et le haut-parleur droit, ou à l’opposé de cela, quelque chose est perceptiblement « mono » lorsqu’il n’y a pas de différences dans le son sortant du haut-parleur gauche ou droit.
Disons par exemple que vous avez enregistré votre voix avec un seul microphone.
Vos haut-parleurs reproduiraient cette voix avec des informations identiques dans chaque oreille pour créer un « centre fantôme », un centre perceptif pour le son.
Si toutefois un des côtés de votre voix était désaccordé de quelques centimes par exemple, votre oreille percevrait ces différences et votre esprit commencerait à entendre le son comme étant plus large.
Il y a beaucoup de choses que vous pourriez faire pour ensuite rendre un son large en vous basant sur cette connaissance. Vous pourriez désaccorder un côté, le retarder légèrement dans le temps, l’égaliser différemment, etc….
Avec cette connaissance, vous pouvez maintenant placer les sons les uns autour des autres dans le champ stéréo.
Certains sons au centre mort, d’autres larges s’étendant sur tout le mixage, d’autres très proches du mono sur le côté.
Pour terminer cette section, jetez un coup d’œil au diagramme d’un orchestre réel ci-dessous.
Vous pouvez voir comment cela est fait dans la vraie vie, alors pourquoi ne pas appliquer cela à vos sons synthétiques.
Prenez une étape de plus, et essayez de dessiner votre mixage avant de commencer, afin que vous sachiez exactement où vous allez placer vos sons.
Maintenant avec tout cela en tête, vous pouvez commencer à imaginer votre mixage comme l’ajustement des sons dans un espace en 3 dimensions.
En plaçant intelligemment les sons dans leur propre espace unique, vous pouvez faire entrer plus de sons dans l’ensemble, ce qui donne à votre mixage un plus grand volume perceptif et une clarté maximale.
Technique de sonorité #2 : l’arrangement
C’est quelque chose que j’ai brièvement mentionné au sujet du slotting de fréquence, mais que je veux mentionner un peu plus en profondeur.
Lorsque vous écrivez une chanson, vous voulez arranger vos sons de façon à ce qu’ils occupent différentes plages de fréquences ou, plus facile à suivre, la plage d’octave.
Si lors de l’écriture et de la superposition de vos sons, chacun d’entre eux a une plage d’octave unique, vous obtiendrez alors les meilleurs résultats.
Disons par exemple que vous nous écrivons une chanson en Mi, et que pour garder les choses simples, votre ligne de basse ne frappe qu’un Mi grave à 41,2 Hz. Eh bien alors vous auriez maintenant la place de jouer votre mid bass une octave au-dessus de cela avec une racine de 87,31 Hz.
Puis potentiellement la racine de votre kick pourrait être une octave au-dessus de cela à 164 Hz.
Puis vous pouvez continuer à partir de là, l’octave suivante la racine de votre snare, l’octave suivante est la gamme de votre lead, l’octave suivante est la gamme de vos arps.
Now this is a mathematical way of looking at it, but this has been common in music for ages.
Un quatuor à cordes par exemple est composé d’une contrebasse, d’un violoncelle, d’un alto et d’un violon, chacun jouant dans sa propre gamme d’octaves.
La contrebasse dans les octaves basses créant des sons profonds de type sub, tandis que le violon joue certaines des notes les plus hautes.
Pensez à cela lorsque vous écrivez. Si votre musique avait une contrebasse mais ensuite 3 violoncelles, aucun des violoncelles ne se démarquerait, et ils se masqueraient tous les uns les autres.
Vous trouverez ci-dessous un tableau sur les plages de fréquences que jouent les sons, et les octaves dans lesquelles ils peuvent naturellement jouer également.
Considérez cela lorsque vous choisissez les éléments de votre chanson, et limitez leurs plages pour serrer les éléments au bon endroit.
Technique de loudness #3 : la compression
L’une des premières choses qui vient à l’esprit quand on maximise le volume de quelque chose est la compression.
La compression, lorsqu’elle est utilisée correctement, est un excellent moyen de rendre quelque chose perceptiblement plus fort.
En diminuant les pics les plus forts, mais en compensant ensuite en augmentant l’ensemble du son, quelque chose sera perceptiblement plus fort en raison de sa gamme dynamique plus petite.
Le gros problème que je vois, ce sont les producteurs qui soit compressent incorrectement les sons, soit hyper compressent les sons, soit compressent trop de sons dans le mixage.
Avoir un équilibre entre les sons compressés et les sons dynamiques permettra aux bons sons de ressortir au bon moment.
Entre dans d’immenses détails sur la compression de mastering peut prendre un certain temps, mais ce que je veux vous enseigner, c’est comment mettre juste une touche de la « bonne » compression de son sur tout.
La première étape est de mettre un compresseur sur un son et de resserrer les paramètres.
Porter le seuil assez loin vers le bas, le ratio assez élevé, l’attaque très rapide, et le relâchement assez serré aussi.
Maintenant, tout ce que nous allons faire après cela est basé sur le « feeling ». D’abord, réduisez l’attaque, en écoutant seulement l’avant du son, et en écoutant pour la « sensation » parfaite pour l’avant de ce son.
Ne faites jamais la même chose avec le relâchement.
Après cela, réduisez le ratio, en vous concentrant toujours sur juste la « sensation » du son.
Puis, réduisez le seuil pour que le son ne le touche que de temps en temps.
Après cela, réduisez le dry/wet selon vos goûts.
C’est la façon la plus transparente d’appliquer la compression tout en ayant le meilleur effet basé sur la « sensation ».
Cette légère limitation de la gamme dynamique donnera à votre son ce coup de pouce supplémentaire de volume perceptif.
Technique d’assourdissement #4 : Less Is More
C’est assez simple, le concept de moins est plus.
Lorsque j’étais un nouveau producteur, j’avais l’habitude de remplir mes chansons à ras bord ; d’énormes batteries, des couches et des couches de synthés et de basses.
J’avais l’habitude de penser que cette plénitude donnerait à ma chanson une impression d’énormité, mais en raison de la grande quantité d’éléments, elle ne toucherait pas le mastering aussi fort, et sonnerait donc faible par rapport à certaines des pistes les plus minimales.
C’est simplement parce que chaque élément prend tellement de headroom.
Parfois, le bon mouvement est en fait d’avoir MOINS d’éléments dans votre chanson pour la rendre perceptiblement plus grande.
Si par exemple vous aviez un kick, une 808, quelques cymbales et un lead de trap VRAIMENT accrocheur, votre chanson aurait un son ÉNORME quand elle atteindrait le mastering parce que chaque élément serait clair comme le jour.
Technique d’assourdissement #5 : la distorsion
La dernière et dernière façon de maximiser votre headroom dans votre chanson est d’utiliser la » distorsion « .
Maintenant, quand vous pensez à la distorsion, vous pouvez penser à rendre un son excessivement crunchy, semblable à un son de guitare.
Ceci cependant n’est qu’un type de distorsion et pas nécessairement la technique que nous recherchons, du moins pas de manière aussi évidente.
En déformant légèrement les éléments de votre chanson, vous introduisez un nouveau contenu harmonique dans votre son.
Ce contenu harmonique supplémentaire rendra votre son perceptiblement plus fort.
Vous n’avez même pas besoin de beaucoup de distorsion, même en déformant à peine tous vos sons, vous lui donnerez ce petit peu de contenu supplémentaire pour le faire ressortir et vraiment maximiser son volume tout en utilisant moins d’énergie.
Conclusion
Voilà, c’étaient 5 façons potentielles d’augmenter le volume perceptif de votre son en créant ce mixage et ce master » fort » que vous entendez toujours chez les pros.
Utilisez ces techniques en combinaison pour montrer votre véritable maîtrise.