25 termes d’histoire de l’art pour vous aider à décrire habilement une œuvre d’art

Comme tout domaine créatif, l’histoire de l’art a son propre langage. Bien que cette réalité puisse être accablante pour les historiens de l’art en herbe, disposer d’un glossaire pratique des termes de l’art peut rendre l’analyse d’une œuvre d’art beaucoup moins intimidante.

Dans cette liste, vous trouverez 25 mots qui vous aideront à discuter de l’art avec facilité. Allant de concepts généraux, comme le travail au pinceau et la composition, à des techniques spécifiques, notamment le clair-obscur et le trompe-l’œil, cet arsenal de termes artistiques offre tout ce dont vous avez besoin pour tirer le meilleur parti de votre prochaine visite au musée.

Analysez l’art comme un professionnel avec ce glossaire d’histoire de l’art.

Abstrait

S’éloignant de la représentation figurative des objets, l’art abstrait réimagine l’imagerie comme une étude de la relation entre la forme, la couleur et la ligne. L’abstraction se produit sur un continuum, y compris les formes fracturées mais reconnaissables du cubisme et la nature totalement non picturale de l’expressionnisme abstrait.

Assemblage

Cette forme artistique ou ce médium utilise un mélange de matériaux qui créent des couches tridimensionnelles à partir d’une base fixe. L’utilisation de différents matériaux le rend similaire au collage, mais sous une forme tridimensionnelle. L’assemblage trouve ses origines dans le cubisme et le travail d’artistes comme Man Ray et Vladimir Tatlin, qui utilisaient souvent des objets trouvés dans leurs œuvres.

Avant-garde

Le terme français avant-garde se traduit littéralement par  » avant-garde « , mais il est utilisé pour décrire des œuvres d’art, des mouvements ou des artistes qui sont expérimentaux et avant-gardistes.

Brushwork

Brushwork fait référence à la façon dont un peintre applique la peinture sur une surface. Il est généralement caractérisé par la taille, la texture et la précision des coups de pinceau. Par exemple, les coups de pinceau peuvent être décrits comme « serrés » ou « lâches » en fonction de leur visibilité à l’œil nu.

Chiaroscuro

Italien pour « clair-obscur », le clair-obscur est l’utilisation de forts contrastes entre la luminosité et l’ombre pour obtenir une sensation de volume et de dimensionnalité. Cette technique unique a été développée à la Renaissance italienne par Léonard de Vinci, à l’époque baroque par le Caravage et au Siècle d’or hollandais par Rembrandt.

Composition

La composition d’une œuvre d’art est la manière dont ses éléments visuels sont disposés, notamment en relation les uns avec les autres.

Conceptuel

Cette forme d’art du XXe siècle s’est développée dans les années 1960, lorsque les artistes ont commencé à mettre l’accent sur les idées et les concepts plutôt que sur le produit fini. L’art qui est conceptuel s’affranchit de toutes les règles standard et peut prendre n’importe quelle forme, de la sculpture et de la peinture aux happenings et aux performances.

Contour

Comme le contour de quelque chose, le contour est l’un des éléments constitutifs du dessin. L’utilisation de différentes lignes de contour peut changer radicalement la façon dont une œuvre d’art apparaît et est plus évidente dans l’art linéaire. La Danse d’Henri Matisse n’est qu’un exemple d’œuvre d’art connue pour ses contours distincts.

Contrapposto

En sculpture, le contrapposto ( » contreposition  » en italien) est une posture asymétrique dans laquelle la majeure partie du poids d’une figure est répartie sur un pied. Il en résulte une posture réaliste, comme le montre la statue de David de Michel-Ange.

Figuratif

Une œuvre d’art est considérée comme figurative lorsque son sujet est représentatif.

Avant-plan

L’avant-plan d’une œuvre d’art est la partie de la composition la plus proche du spectateur. Il est typiquement discernable de l’arrière-plan, qui semble plus éloigné.

Le raccourcissement du premier plan

Le raccourcissement du premier plan est une technique dans laquelle un artiste déforme la perspective pour évoquer une illusion de profondeur. Les sujets raccourcis semblent souvent s’éloigner dans le plan de l’image.

Genre

Un genre fait référence à un type d’art (généralement la peinture). Des exemples de genres comprennent le paysage et la nature morte.

Iconographie

L’iconographie fait référence au sujet, ou aux images, utilisé pour transmettre un sens ou communiquer un message dans une œuvre d’art.

Impasto

Ce mot italien signifiant  » mélange  » fait référence à d’épaisses couches de peinture utilisées pour créer une texture. S’il a d’abord été utilisé par les peintres vénitiens pendant la Renaissance italienne, il s’est réellement imposé au XIXe siècle. Le célèbre peintre paysagiste J.M.W. Turner a utilisé l’empâtement pour créer des couches de couleurs et des effets dramatiques dans ses œuvres. Les peintres utilisent souvent des couteaux à palette pour cette technique, qui vise à souligner leur talent à manipuler le médium qu’ils ont choisi.

Médium

Un médium est le matériau utilisé pour créer l’art. Des exemples de médiums sont la peinture aquarelle, l’huile, le pastel, le marbre et le charbon de bois.

Moderne

En tant que mouvement, le terme « moderne » désigne l’art créé entre le début de l’impressionnisme et le Pop Art, qui a inauguré l’art contemporain. À une échelle plus générale, cependant, « moderne » peut signifier actuel ou avant-gardiste.

Motif

Dans les arts visuels, un motif est un élément de l’iconographie. En peinture, un motif peut désigner tout élément pictural de la composition. Dans les arts décoratifs et l’architecture, il désigne souvent un symbole reconnaissable qui se répète.

Narrative

La narration, en termes d’histoire de l’art, est le récit visuel qui se produit dans une œuvre d’art. Alors que toutes les œuvres d’art n’auront pas une histoire claire, l’art narratif demande aux peintres et aux sculpteurs d’utiliser des repères visuels afin de conduire les spectateurs à travers une série d’événements.

Pentimento

Pentimento (« repentir » en italien) fait référence à la présence de preuves qu’un artiste a peint sur un sujet précédemment rendu. Dans Le Vieux Guitariste de Pablo Picasso, par exemple, le vague contour du visage d’une femme est apparent sous les derniers coups de pinceau.

Perspective

La perspective est la représentation de la profondeur et de l’espace en 3 dimensions sur une surface plane. Il existe deux principaux types de perspective : linéaire et atmosphérique. La perspective linéaire utilise des lignes qui se croisent et des points de fuite pour faire apparaître des objets lointains. Selon Léonard de Vinci dans Un traité de peinture, la perspective atmosphérique, en revanche, illustre l’idée que  » les couleurs s’affaiblissent proportionnellement à leur distance par rapport à la personne qui les regarde  » par le biais de changements de tonalité.

Échelle

L’échelle fait référence à la taille d’un objet par rapport à un autre. Souvent, comme dans le cas des peintures à grande échelle, cette comparaison est basée sur la taille réelle de l’objet représenté.

Sfumato

Prédominamment associé aux peintures de Léonard de Vinci, le sfumato (dérivé de fumo ou  » fumée  » en italien) est une méthode d’ombrage et de mélange des couleurs qui évoque une brume douce et  » enfumée « . Cette technique est apparente dans l’arrière-plan flou et les traits du visage doucement définis de la Joconde.

Style

Le style d’une œuvre d’art est une classification de son apparence visuelle. Souvent, le style est caractérisé selon l’approche esthétique distinctive d’un artiste, d’un mouvement artistique, d’une période ou d’une culture.

Ton

Le ton fait référence à la clarté ou à l’obscurité d’une couleur particulière.

Trompe l’œil

En français, trompe l’œil signifie « tromper l’œil ». Il s’agit d’une technique qui crée des illusions optiques de tridimensionnalité en employant des images réalistes accrocheuses.

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