Giuseppe Verdi (1813-1901) es uno de los más grandes compositores de ópera, y posiblemente el más popular de todos. Su nombre es sinónimo de la historia de la música italiana de la segunda mitad del siglo XIX y su obra es fundamental en el repertorio de todos los teatros de ópera del mundo. A veces se le compara con Shakespeare, al que adoraba, aunque hablaba poco inglés y sólo conocía la obra del Bardo en traducción.
La música que puede reconocer
Verdi fue un destacado melodista, y algunas de sus arias y coros -como La Donna è Mobile de Rigoletto, Brindisi de La Traviata (la canción de la bebida) y el Coro del Yunque de Il Trovatore- son familiares para millones de personas. En Italia, el Coro de los esclavos hebreos de Nabucco se asocia desde hace tiempo con la unidad y la solidaridad nacionales. La Gran Marcha de Aida, por su parte, se ha convertido en un elemento básico del repertorio de las bandas de música y a veces se utiliza en las bodas, y la música de Verdi puede escucharse en las bandas sonoras de películas como 300 de Zack Snyder, Manon des Sources de Claude Berri o Senso de Luchino Visconti, y ha servido para anunciar la cerveza, los vaqueros y la salsa para la pasta. Incluso aparece en el videojuego Grand Theft Auto.
Su vida…
Hijo de un tabernero, Verdi nació en Le Roncole, cerca de Parma, y fue a la escuela en la cercana Busseto, donde Antonio Barezzi, un comerciante local, se fijó en su talento y supervisó su temprana educación musical. A los 18 años fue rechazado por el conservatorio de Milán, pero se quedó en la ciudad (a expensas de Barezzi) para estudiar en privado. Su primera ópera, Oberto, fue bien recibida en su estreno en La Scala en 1839, y el director del teatro, Bartolomeo Merelli, quería más. Sin embargo, Un Giorno di Regno fue un fiasco al año siguiente. El desánimo de Verdi, unido a la depresión por la muerte de su primera esposa, estuvo a punto de hacerle abandonar la composición, aunque su tercera ópera, Nabucco, emprendida ante la insistencia de Merelli, le hizo famoso de la noche a la mañana.
El periodo que siguió lo llamó sus «años de galera», durante los cuales compuso una ópera aproximadamente cada ocho meses, y las mejores de sus primeras obras tienen una clamorosa vitalidad que sigue entusiasmando. Ernani (1844) es un thriller trepidante. Macbeth (1847, revisada en 1861) fue la primera de sus óperas shakesperianas. En 1847, se había hecho tan conocido internacionalmente que hubo estrenos en Londres (I Masnadieri) y París (Jérusalem, una reelaboración de la anterior I Lombardi).
Entre 1851 y 1853 compuso tres obras maestras, Rigoletto, Il Trovatore y La Traviata, que siguen estando entre sus óperas más populares. Sin embargo, no estuvieron exentas de polémica en su época. Verdi pasó gran parte de su carrera luchando para que sus obras pasaran la censura, que a menudo planteaba objeciones por motivos políticos o morales, y tuvo que hacer cambios sustanciales en el texto de Rigoletto, basado en una obra de Victor Hugo, prohibida por ser incendiaria y obscena, antes de que se permitiera su puesta en escena. El realismo de La Traviata, con su heroína cortesana y su ambientación contemporánea, causó consternación, y durante toda la vida de Verdi la ópera solía representarse ambientada en el siglo XVIII.
Busseto y sus alrededores siguieron siendo su hogar durante gran parte de su vida. Con el éxito llegó la riqueza, y en 1851 se trasladó con su pareja, la soprano Giuseppina Strepponi, a una nueva villa donde vivió hasta el final de su vida. Él y Giuseppina, aunque mantenían una relación desde 1847, no se casaron hasta 1859. La oposición local a su condición de solteros colorea la representación de Verdi de la desaprobación de Giorgio Germont del romance de su hijo con Violetta en La Traviata.
… y tiempos
Cuando nació Verdi, Italia era una nación dividida, formada por pequeños estados individuales bajo ocupación austriaca o francesa. Las opiniones difieren en cuanto a la intención de sus primeras obras como una demanda de liberación y unificación, pero, a partir de Nabucco, con su coro de esclavos hebreos llorando la pérdida de su país, sus óperas se convirtieron en el centro de las aspiraciones nacionalistas del Risorgimento. En 1859, dos años antes de la proclamación del Reino de Italia, «Viva Verdi» se convirtió en un acrónimo de «Viva Vittorio Emmanuele, Re D’Italia», y en 1861, el compositor ocupó brevemente un puesto en el recién creado parlamento italiano.
Aunque era un hombre de teatro, vivió en una época de grandes novelistas y su profundidad de caracterización y las preocupaciones sociales de muchas de sus óperas encuentran paralelos en las obras de Dickens, Balzac, George Eliot y Flaubert, entre otros. Marcel Proust admiraba enormemente La Traviata, y escribió que Verdi había transformado lo que consideraba un material de origen indiferente, la novela y la obra de teatro La Dame aux Camélias de Alexandre Dumas hijo, en un arte verdaderamente grande.
Por qué su música sigue siendo importante
Después de La Traviata, la producción de Verdi se ralentizó y sus óperas se hicieron más grandes. Sus óperas, desde Simon Boccanegra (1857) hasta Aida (1871), tratan sobre el poder, la religión organizada y la libertad. La mezcla de comedia y tragedia de Un Ballo in Maschera (1859) y el fatalismo y el humor de La Forza del Destino (1862) revelan una deuda con la dramaturgia de Shakespeare. Don Carlos (escrito en francés para París en 1867, luego revisado en italiano como Don Carlo) constituye su análisis más profundo de cómo los poderes de la iglesia y el estado conspiran para destruir al individuo, mientras que detrás del orientalismo de Aida se esconde una representación de la vida en una teocracia en pie de guerra. La ambivalencia de Verdi con respecto a la religión es muy profunda, y da forma a las ambigüedades de su Réquiem, escrito en 1873 como homenaje al escritor del Risorgimento Alessandro Manzoni. Evocando la respuesta de la humanidad a la aterradora majestuosidad de Dios, termina en un vacío adormecido con la interminable reiteración de las palabras Libera Me («Libérame»).
Después del Réquiem, Verdi se retiró ostensiblemente de la vida pública, aunque no fue en absoluto el final de su carrera. Su editor, Giulio Ricordi, ideó una colaboración con el escritor-compositor Arrigo Boito, que se tradujo primero en una importante revisión de Simon Boccanegra, que no tuvo éxito en su primera representación, y luego en Otello y Falstaff, estrenados en 1887 y 1893 respectivamente. Otello, una partitura de notable potencia, es para muchos la mejor de todas las adaptaciones operísticas de la tragedia shakespeariana. Falstaff, basada en Las alegres comadres de Windsor y Enrique IV, está considerada como la despedida de Verdi de los escenarios, una comedia agridulce que mira hacia atrás con humor y tristeza, antes de resolver sus tensiones en una fuga que afirma que «Todo en el mundo es una broma».
Verdi fue un innovador constante y hay una inmensa diferencia estilística entre Falstaff y sus primeras obras. En efecto, reescribió la historia de la ópera italiana al perfeccionar primero y desmantelar después las tradiciones belcantistas que heredó de sus predecesores Bellini y Donizetti, es decir, los patrones formales que subdividían las arias y las escenas en secciones lentas y rápidas, separadas por recitativos o pasajes de enlace.
Las estructuras tradicionales aún subyacen en las grandes óperas de principios de la década de 1850. A partir de Simon Boccanegra, Verdi empuja cada vez más los límites de la forma en una búsqueda de la intensidad dramática y la veracidad psicológica, aunque seguimos siendo conscientes de las demarcaciones estructurales entre arias, coros y conjuntos. Pero en Otello y Falstaff, los límites formales tradicionales se disuelven. Los recitativos, las arias y los conjuntos fluyen unos dentro de otros, cada acto se desarrolla en un solo tramo musical ininterrumpido. Se han hecho (y se siguen haciendo) comparaciones con la metodología de Wagner de componer cada acto, aunque Verdi desconfía profundamente del método sinfónico de Wagner con su incesante elaboración temática.
Pero la razón por la que Verdi es importante en última instancia se encuentra, quizás, más allá de las consideraciones musicológicas y se puede encontrar, sospecho, en su profunda afirmación de nuestra humanidad común, capturada y expresada en la emoción visceral de la voz cantada en pleno desarrollo. A partir de Rigoletto no hay héroes ni villanos estereotipados en sus óperas, sino personas, retratadas con todas sus fortalezas y falibilidades, y su potencial tanto de grandeza como de maldad. De nuevo es un punto de vista que le sitúa en oposición a Wagner, su exacto contemporáneo (nacieron el mismo año), el gran creador de mitos, que crea, destruye y redime mundos, donde Verdi celebra la existencia aceptando y explorando compasivamente la vida en toda su variedad.
Grandes intérpretes
Los cantantes y directores de orquesta se sienten atraídos por Verdi desde hace mucho tiempo. Todas sus óperas han sido grabadas, muchas de ellas múltiples veces, a veces desplegando diferentes ediciones que Verdi preparó en vida, o haciendo cortes teatrales estándar. En cuanto a los directores de orquesta, Toscanini, Claudio Abbado y Herbert von Karajan son por turnos emocionantes y apasionados, aunque se necesita a Victor de Sabata o Carlo Maria Giulini para el Réquiem, y a Don Carlos probablemente le sirva mejor Antonio Pappano en francés y Georg Solti en italiano. Para muchos, Leontyne Price es la más grande de todas las sopranos de Verdi, y es ineludible en todas sus grabaciones de su música. Los principales intérpretes de su obra, son casi demasiados para enumerarlos, pero entre ellos quizás habría que mencionar a Maria Callas, Renata Tebaldi, Grace Bumbry, Carlo Bergonzi, Franco Corelli, Ettore Bastianini, Tito Gobbi y Nicolai Ghiaurov.
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