Cada vez que se elabora una lista de los «mejores» guitarristas de todos los tiempos -o, en este caso, de los «más influyentes»-, las pasiones se encienden de un modo u otro.
Después de todo, cada uno de nosotros tiene sus propios favoritos, ya sea un intérprete, un estilo o una época en particular. Sin embargo, eso no significa que dicha lista no pueda basarse en algún elemento de razonamiento objetivo. Hasta cierto punto, la prueba está en todos nosotros: cualquiera que coja el instrumento toma prestadas al menos un puñado de técnicas y tendencias estilísticas que alguien más aportó. La clave está en determinar qué guitarristas han tenido más impacto entre el mayor número de intérpretes, es decir, quiénes han contribuido de forma más generalizada a la forma en que nos acercamos al instrumento.
Una cosa es segura: si los siguientes músicos no son los 12 guitarristas más influyentes de todos los tiempos, sin duda son 12 de los más influyentes.
Independientemente de sus respectivos estilos, todos son intérpretes que han excitado la imaginación y han encendido la llama para coger el instrumento en innumerables personas. Al destacarlos, honramos sus contribuciones y, al mismo tiempo, recordamos la gran música de guitarra que hemos atesorado.
ROBERT JOHNSON
Robert Johnson es el mejor guitarrista de blues de todos los tiempos y uno de los padres fundadores del rock de la época del Delta blues anterior a la Segunda Guerra Mundial. Aunque sus inquietantes y sugerentes letras han inspirado a cantantes de todos los géneros, es su virtuosa e innovadora forma de tocar la guitarra en solitario lo que le sitúa en esta lista.
Tres sesiones de grabación entre 1936 y 1937 produjeron 29 canciones, entre las que se encuentran los clásicos comprobables «(I Believe I’ll) Dust My Broom», «Sweet Home Chicago», «Walkin’ Blues», «Love in Vain» y «Crossroad Blues». Su popularización de los patrones de boogie presagió el blues eléctrico de Chicago y el rock and roll, mientras que sus licks de guitarra con trastes y slide son tan intemporales que siguen apareciendo en la música contemporánea.
El primer héroe de la guitarra, Johnson tenía la actitud que acompañaba a los chops. Su trágica muerte en 1938 a la edad de 27 años le ha convertido en un icono para los que también lloran a Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison.
Al estilo de Robert Johnson:
CHARLIE CHRISTIAN
Cuando Charlie Christian se subió al escenario con Benny Goodman en 1939, impulsó por sí solo la guitarra eléctrica. Aunque no fue el primer guitarrista que se conectó y tocó con electricidad, las actuaciones de Christian como solista en temas de Goodman como «Flying Home» y «Honeysuckle Rose» documentan los primeros casos en los que la guitarra eléctrica se utilizó eficazmente como instrumento principal en un entorno de Big Band.
El mayor volumen y sustain que ofrecía la amplificación puso a la guitarra en igualdad de condiciones con los instrumentos habituales para los solos, como la trompeta y el saxofón, y la participación de Christian en las primeras sesiones de improvisación de bebop junto a luminarias como Thelonius Monk y Dizzy Gillespie también le convierte en uno de los padres fundadores del género.
Por desgracia, Christian murió de tuberculosis a los 26 años. Su obra inspiró a una generación de gigantes de la guitarra de jazz, como Barney Kessel, Herb Ellis, Wes Montgomery, Tal Farlow y Jim Hall.
En el estilo de Charlie Christian:
B.B. KING
Todo guitarrista que dobla o hace vibrar una cuerda para hacerla cantar tiene una deuda con B.B. King. Con influencias tan diversas como T-Bone Walker, Charlie Christian y Django Reinhardt, el difunto guitarrista puso patas arriba el mundo del blues en 1952 con «3 O’Clock Blues». Casi de la noche a la mañana, la armónica fue suplantada como principal instrumento solista en el blues, ya que los guitarristas se apresuraron a imitar el estilo solista de B.B., especialmente en Chicago.
En 1970, B.B. se pasó al público blanco del rock con «The Thrill Is Gone». En 1988, prácticamente repitió el truco cuando grabó «When Love Comes to Town» con U2. Siempre humilde estudiante del instrumento, B.B. King se volvió más jazzista y mejor que nunca mientras su vida y su carrera continuaban hasta bien entrado el nuevo siglo. Su pérdida a principios de este año fue muy sentida por la comunidad musical y, en particular, por el guitarrista al que influyó.
En el estilo de B.B. King:
CHET ATKINS
Chet Atkins realizó innumerables grabaciones como músico de estudio y solista, a partir de los años cuarenta. De hecho, muchos de los trabajos de sesión que grabó y/o produjo en Nashville con artistas como Elvis Presley, Roy Orbison y los Everly Brothers sentaron las bases del primer rock and roll.
Aunque se sentía cómodo tocando muchos estilos, a Atkins se le asociaba más a menudo con la música country y la guitarra acústica. Utilizando una combinación de sus dedos y una púa para el pulgar, creó su característico sonido de «fingerpicking», un estilo inspirado en cierto modo por el también guitarrista Merle Travis. Atkins llegó a grabar un álbum a dúo con Travis, así como con otros respetados guitarristas como Doc Watson, Les Paul, Jerry Reed y Mark Knopfler.
Una leyenda de la guitarra, Atkins fue elegido para el Hal de la Fama de la Música Country en 1973. Sus contribuciones musicales inspiraron a artistas que van desde Eric Johnson hasta el difunto Lenny Breau. En prácticamente cualquier tienda de música de alta gama, todavía se pueden encontrar guitarras modelo Chet Atkins signature, que Gibson y Gretsch diseñaron según sus especificaciones.
Al estilo de Chet Atkins:
CHUCK BERRY
El primer intérprete popular que cantó, tocó y escribió su propio material, Chuck Berry irrumpió en el rock and roll en 1955 con los ritmos country de dos tiempos de «Maybellene» y reclamó el género para sí mismo. Sus influencias eran similares a las de B.B. King, pero también incluían el jump blues y la música country y occidental.
Fueron las canciones de Berry de finales de los cincuenta con patrones de boogie cortados -como «Roll Over Beethoven», «Johnny B. Goode» y «Carol»- las que hicieron realidad de forma eléctrica las ambiciones guitarrísticas soñadas por primera vez por Robert Johnson. El tono de Berry -cortesía de una Gibson de cuerpo hueco a través de un amplificador Fender de tweed- era crudo y fuerte. Esto, junto con su «duckwalk», sus dobles paradas sonoras y sus canciones sobre coches y chicas, atrajo al mercado juvenil. Alto y guapo, llevó la guitarra como instrumento «cool» a un público preparado a través de apariciones en la televisión y en el cine, de una manera que los Beatles repetirían a principios de los sesenta.
Al estilo de Chuck Berry:
WES MONTGOMERY
John Leslie «Wes» Montgomery cogió la guitarra por primera vez en 1943, a la edad relativamente tardía de 19 años. Perfeccionó su técnica emulando a su héroe, Charlie Christian, y consiguió su primera actuación remunerada tocando los solos de Christian nota por nota.
A diferencia de Christian, sin embargo, Montgomery utilizaba su pulgar en lugar de una púa para crear el tono percusivo y a la vez cálido asociado a su estilo. (Según las entrevistas, Wes aprendió a tocar con el pulgar porque creaba un sonido más suave, apaciguando a sus vecinos). Con su fenomenal oído, Wes superó rápidamente sus influencias y desarrolló un estilo propio. Su habilidad para la melodía, el uso innovador de las octavas en un contexto de solista y los intrincados solos de acordes -como se demostró en sus devastadoras interpretaciones de estándares como «Round Midnight» y «Days of Wine and Roses»- ampliaron la gama de la guitarra, empujando el instrumento a un territorio inexplorado.
Montgomery murió en 1968 en la cima de su carrera. su musicalidad ha inspirado a un amplio abanico de guitarristas de jazz, como George Benson, Joe Diorio y Pat Metheny.
En el estilo de Wes Montgomery:
ERIC CLAPTON
El azulado británico Eric Clapton ha sido un nombre muy conocido desde su debut discográfico con los Yardbirds en 1963. A mediados de los años sesenta, sus legendarias actuaciones con John Mayall’s Bluesbreakers y Cream le consagraron como pionero del blues eléctrico moderno y de la guitarra rockera.
En los años setenta, el trabajo de Clapton con Derek and the Dominos y sus primeros álbumes en solitario añadieron una serie de obras maestras como «Layla» y «Lay Down Sally» al repertorio del rock clásico. En los ochenta, la música de Clapton también apareció en películas (The Hit en 1984 y Lethal Weapon en 1987) y anuncios publicitarios («After Midnight» para Michelob en 1987), mientras que una serie de álbumes producidos por Phil Collins consolidaron a Clapton como un icono del pop/rock.
Después de defender el fenómeno «unplugged» a principios de los noventa con su concierto MTV Unplugged, Clapton volvió a sus raíces con From the Cradle. Desde entonces, ha contribuido a mantener vivo el blues con su festival anual Crossroads, de tres días de duración, en el que participan tanto Clapton como una serie de guitarristas de blues consagrados y emergentes.
Independientemente del formato musical, Eric Clapton siempre ha mantenido en primer plano su brillante forma de tocar la guitarra inspirada en el blues, influyendo en artistas de la talla de Eddie Van Halen, Steve Lukather, Joe Satriani, Jonny Lang y un sinfín de otros.
En el estilo de Eric Clapton:
JIMI HENDRIX
En sus inicios, Jimmy James, como se le conocía entonces, tocaba en secciones rítmicas, respaldando a artistas como Little Richard, B.B. King y Ike y Tina Turner. No fue hasta 1966, cuando se trasladó a Londres y formó la Experience, que Jimi Hendrix pudo soltarse y empezar a recibir la atención que merecía por su magnífico trabajo con la guitarra. Por desgracia, Hendrix era prácticamente desconocido en EE.UU. hasta que tocó en el Monterey Pop Festival en 1967, una actuación legendaria en la que roció su Fender Stratocaster con líquido para encendedores y le prendió fuego.
Aunque estaba influenciado por todos, desde B.B. King hasta Muddy Waters, pasando por Chuck Berry y Bob Dylan, la visión artística completa de Hendrix incluía elementos de blues, funk, rock, psicodelia y caos absoluto. Su uso frecuente de efectos como el wah y el pedal Octavia, los efectos de estudio pioneros como la guitarra «hacia atrás» y el flanging, y el uso de la retroalimentación controlada y la barra de trémolo añadieron otra dimensión a su música.
Hendrix también tenía un lado maravillosamente sutil, como se representa en temas como «Little Wing», «Bold As Love» y «Castles Made of Sand». Murió el 18 de septiembre de 1970. Durante su breve estancia en este planeta, tuvo un profundo impacto en músicos que van desde Miles Davis a Eric Johnson o Stevie Ray Vaughan.
Al estilo de Jimi Hendrix:
JIMMY PAGE
Jimmy Page es uno de los maestros de los riffs, orquestadores de guitarra y revolucionarios del estudio de la música rock. Su vasta obra con los Yardbirds y Led Zeppelin exhibe el tipo de abandono salvaje que a menudo se asocia con Jimi Hendrix, la pasión y la garra de un experimentado bluesman, y la sensibilidad de un músico folk.
Extremadamente ecléctico, Page tiene una diversa gama de influencias guitarrísticas, que incluye a los guitarristas de blues Otis Rush, Buddy Guy y Hubert Sumlin, así como a los primeros guitarristas de rockabilly Cliff Gallup y Scotty Moore. Combinó estas influencias con un fuerte interés por lo oculto y mucha de su propia experiencia en el estudio para pintar un paisaje musical dentro de cada canción de Led Zeppelin. El uso por parte de Page de efectos de eco en temas como «How Many More Times» y «You Shook Me», afinaciones extrañas en cortes como «Friends» y «Bron-Y-Aur Stomp», y excursiones con un arco de violín en canciones como «Dazed and Confused» dieron lugar a texturas que no tenían parangón en la época.
Aunque Led Zeppelin se disolvió en 1980 tras la muerte del baterista John Bonham, se han reunido en algunas ocasiones, la más reciente en 2007 para un concierto de homenaje en memoria de Ahmet Ertegun, que los había fichado para Atlantic y lanzó su carrera. Page sigue con fuerza. Tras reeditar el catálogo de la banda en 2014 y 2015, ha prometido un nuevo proyecto para 2016. No podemos estar más contentos, y con más ganas de escuchar lo que tiene.
Al estilo de Jimmy Page:
EDDIE VAN HALEN
Aunque no lo creas, Eddie Van Halen no había escuchado música rock hasta que él y su familia se mudaron de Holanda a Pasadena California en 1967. Después de escuchar a Cream, abandonó rápidamente el piano y la batería por la guitarra, aprendiendo el instrumento a partir de los discos de Eric Clapton, Led Zeppelin, Jimi Hendrix y Jeff Beck. Sin embargo, estas influencias no eran más que un trampolín. Eddie no tardó en poner su propia marca en todo lo que tocaba.
Hoy en día, Van Halen es uno de los innovadores más influyentes e imitados del rock. Tan imprevisible y extravagante como Hendrix, Van Halen ha tenido un impacto inconmensurable en la comunidad guitarrística. A mediados de los ochenta, su sonido autodenominado «marrón», sus técnicas exageradas (incluido el tapping a dos manos) y sus revolucionarios efectos de barra de temblor inspiraron a una generación de aspirantes a guitarristas que compraron las guitarras de estilo Strat con una sola pastilla y un solo mando de volumen, equipadas con Floyd Rose, que Van Halen hizo famosas.
Para ver a Ed en su momento más fumador, echa un vistazo a «Eruption», «Spanish Fly», «Cathedral» y las intros de «Mean Street» y «Little Guitars».»
Al estilo de Eddie Van Halen:
STEVIE RAY VAUGHAN
Stevie Ray Vaughan tocaba el blues como un poseso. Vaughan y su Fender Stratocaster del 59, una combinación perfecta de técnica, gusto, convicción, tono y espectáculo, expusieron a toda una nueva generación de oyentes al blues y, a su vez, a las propias influencias de Stevie: Albert King, Jimi Hendrix, B.B. King, Otis Rush y Buddy Guy.
Inicialmente inspirado por su hermano mayor Jimmie, Stevie cogió la guitarra a una edad temprana y ya tocaba en bandas a los 12 años. Cuando formó su legendario trío Double Trouble en 1980, Stevie Ray Vaughan ya era una leyenda en su ciudad natal adoptiva de Austin, Texas. Tras escuchar y ver a Vaughan tocando en el Festival de Jazz de Montreux, Suiza, el icono del pop David Bowie invitó a Stevie a tocar en su álbum Let’s Dance. Su primer álbum en solitario, Texas Flood, salió a la venta en 1983 y en él se incluían versiones de «Testify» y «Texas Flood», así como temas originales ya clásicos como «Pride and Joy» y «Lenny». Le siguieron otros álbumes en solitario de gran éxito. El 27 de agosto de 190, Vaughan pereció en un accidente de helicóptero cuando regresaba de un concierto que compartía con Eric Clapton, Buddy Guy, Jimmie Vaughan y Robert Cray.
Al estilo de Stevie Ray Vaughan:
YNGWIE J. MALMSTEEN
Importado de Suecia, Yngwie J. Malmsteen se especializa en lo que muchos consideran «Bach and Roll», o rock neoclásico, un estilo de música que presenta secuencias escalares y arpegiadas furiosamente rápidas que recuerdan las obras virtuosas para órgano y violín de Bach y Paganini escritas en el siglo XVIII.
Después de trasladarse a los Estados Unidos para hacer breves temporadas con el grupo Steeler y Alcatrazz, Malmsteen llevó a sus antiguos compañeros de banda suecos a los Estados Unidos y reformó Yngwie J. Malmsteen’s Rising Force, publicando el debut autotitulado de la banda en 1984.
El asombroso virtuosismo de Yngwie, ejemplificado en el tema «Far Beyond the Sun», inspiró a innumerables guitarristas a perfeccionar sus técnicas de alternancia y barrido. Algunos incluso llegaron a festonear sus diapasones, tallando la madera entre los trastes en forma de media luna, como hace Malmsteen, para facilitar la ejecución con un toque más ligero.
El atractivo masivo que Yngwie alcanzó entre los guitarristas de mediados y finales de los ochenta abrió el mercado a otros shredders ardientes como Vinnie Moore, Tony MacAlpine, Paul Gilbert y Jason Becker, entre otros.
Al estilo de Yngwie Malmsteen:
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