1953-1961: The Famous FlamesEditar
Brown acabó uniéndose al grupo de Byrd en 1954. El grupo había evolucionado de los Gospel Starlighters, un grupo de gospel a capela, a un grupo de R&B con el nombre de los Avons. Al parecer, se unió a la banda después de que uno de sus miembros, Troy Collins, muriera en un accidente de coche. Junto con Brown y Byrd, el grupo estaba formado por Sylvester Keels, Doyle Oglesby, Fred Pulliam, Nash Knox y Nafloyd Scott. Influenciados por grupos de R&B como Hank Ballard and the Midnighters, los Orioles y Billy Ward and his Dominoes, el grupo cambió su nombre, primero a Toccoa Band y luego a los Flames. El hermano de Nafloyd, Baroy, se unió más tarde al grupo como bajista, y Brown, Byrd y Keels cambiaron de posición e instrumentos, a menudo tocando la batería y el piano. Más tarde se unió Johnny Terry, para entonces Pulliam y Oglesby hacía tiempo que se habían marchado.
Berry Trimier se convirtió en el primer mánager del grupo, contratándolos en fiestas cerca de los campus universitarios de Georgia y Carolina del Sur. El grupo ya se había ganado una reputación como buen acto en vivo cuando se rebautizaron como los Famous Flames. En 1955, el grupo se puso en contacto con Little Richard mientras actuaba en Macon. Richard convenció al grupo para que se pusiera en contacto con su representante de entonces, Clint Brantley, en su club nocturno. Brantley aceptó dirigirlos después de ver la audición del grupo. Entonces les envió a una emisora de radio local para grabar una sesión de demostración, en la que interpretaron su propia composición «Please, Please, Please», que se inspiró cuando Little Richard escribió la letra del título en una servilleta y Brown se empeñó en hacer una canción con ella. Los Famous Flames acabaron firmando con la filial Federal de King Records en Cincinnati, Ohio, y publicaron una versión regrabada de «Please, Please, Please» en marzo de 1956. La canción se convirtió en el primer éxito R&B del grupo, vendiendo más de un millón de copias. Ninguna de sus canciones posteriores obtuvo un éxito similar. En 1957, Brown había sustituido a Clint Brantley como mánager y contrató a Ben Bart, jefe de la agencia Universal Attractions. Ese año los Flames originales se separaron, después de que Bart cambiara el nombre del grupo a «James Brown and The Famous Flames».
En octubre de 1958, Brown lanzó la balada «Try Me», que alcanzó el número uno en la lista de R&B a principios de 1959, convirtiéndose en el primero de los diecisiete éxitos de R&B. Poco después, reclutó a su primera banda, dirigida por J. C. Davis, y se reunió con Bobby Byrd, que se unió a una alineación revivida de Famous Flames que incluía a Eugene «Baby» Lloyd Stallworth y Bobby Bennett, con Johnny Terry entrando a veces como la «quinta Llama». Brown, los Flames y toda su banda debutaron en el Apollo Theater el 24 de abril de 1959, abriendo para el ídolo de Brown, Little Willie John. Federal Records publicó dos álbumes acreditados a Brown y a los Famous Flames (ambos contenían singles previamente publicados). En 1960, Brown comenzó a realizar varias tareas en el estudio de grabación, involucrándose él mismo, su grupo de canto, los Famous Flames, y su banda, una entidad separada de The Flames, a veces llamada James Brown Orchestra o James Brown Band. Ese año la banda lanzó el éxito R&B «(Do the) Mashed Potatoes» en Dade Records, propiedad de Henry Stone, facturado bajo el seudónimo «Nat Kendrick & the Swans» debido a problemas con la discográfica. Como resultado de su éxito, el presidente de King, Syd Nathan, cambió el contrato de Brown de Federal a la discográfica matriz, King, lo que, según Brown en su autobiografía, significaba «obtener más apoyo de la compañía». Mientras estuvo con King, Brown, bajo la formación de Famous Flames, lanzó el álbum lleno de éxitos Think! y al año siguiente sacó dos álbumes con la James Brown Band, que ocupaba el segundo lugar. Con los Famous Flames, Brown cantó como líder en varios éxitos más, incluyendo «I’ll Go Crazy» y «Think», canciones que insinuaban su estilo emergente.
1962-1966: Mr. DynamiteEditar
En 1962, Brown y su banda se anotaron un éxito con su versión del instrumental «Night Train», convirtiéndose en un single R&B. Ese mismo año, las baladas «Lost Someone» y «Baby You’re Right», esta última una composición de Joe Tex, se sumaron a su repertorio y aumentaron su reputación entre el público de R&B. El 24 de octubre de 1962, Brown financió una grabación en directo de una actuación en el Apollo y convenció a Syd Nathan para que publicara el álbum, a pesar de que Nathan creía que nadie compraría un álbum en directo debido a que los singles de Brown ya se habían comprado y a que los álbumes en directo solían venderse mal.
Live at the Apollo se publicó en junio del año siguiente y se convirtió en un éxito inmediato, llegando al número dos en la lista de los mejores LPs y vendiendo más de un millón de copias, permaneciendo en las listas durante 14 meses. En 1963, Brown consiguió su primer éxito pop en el top 20 con su interpretación del estándar «Prisoner of Love». También lanzó su primer sello, Try Me Records, que incluía grabaciones de artistas como Tammy Montgomery (que más tarde sería famosa como Tammi Terrell), Johnny & Bill (los asociados de Famous Flames, Johnny Terry y Bill Hollings) y los Poets, que era otro nombre utilizado para la banda de acompañamiento de Brown. Durante este tiempo, Brown comenzó una relación de dos años con Tammi Terrell, de 17 años, cuando ella cantó en su revista. Terrell puso fin a su relación personal y profesional debido a su comportamiento abusivo.
En 1964, en busca de un mayor éxito comercial, Brown y Bobby Byrd formaron la productora, Fair Deal, vinculando la operación al sello Mercury, Smash Records. Sin embargo, King Records se opuso y obtuvo una orden judicial que impedía a Brown publicar cualquier grabación para el sello. Antes de la orden judicial, Brown había lanzado tres singles vocales, incluido el éxito orientado al blues «Out of Sight», que indicaba aún más la dirección que iba a tomar su música. Durante todo el año, Brown y los Famous Flames acapararon la atención nacional tras ofrecer una explosiva actuación en la película de conciertos en directo The T.A.M.I. Show. Las dinámicas voces con tintes evangélicos de The Flames, su coreografía y su sincronización, así como los enérgicos movimientos de baile de Brown y su canto de alto octanaje, eclipsaron el acto de clausura propuesto, los Rolling Stones.
Habiendo firmado un nuevo acuerdo con King, Brown lanzó su canción «Papa’s Got a Brand New Bag» en 1965, que se convirtió en su primer éxito pop en el top ten y le hizo ganar su primer premio Grammy. Brown también firmó un contrato de producción con Loma Records. Más tarde, en 1965, publicó «I Got You», que se convirtió en su segundo sencillo consecutivo en alcanzar el número uno en la lista de R&B y el número diez en la lista de pop. Brown siguió con la balada «It’s a Man’s Man’s Man’s World», un tercer éxito en el Top 10 de Pop (nº 1 de R&B) que confirmó su postura como intérprete de primera fila, especialmente con el público de R&B a partir de ese momento.
1967-1970: Soul Brother No. 1Editar
Para 1967, el sonido emergente de Brown había comenzado a definirse como música funk. Ese año lanzó lo que algunos críticos citaron como la primera canción verdaderamente funk, «Cold Sweat», que alcanzó el número uno en la lista R&B (Top 10 Pop) y se convirtió en una de sus primeras grabaciones que contenía una rotura de batería y también la primera que presentaba una armonía que se reducía a un solo acorde. Los arreglos instrumentales de temas como «Give It Up Or Turnit A Loose» y «Licking Stick-Licking Stick» (ambos grabados en 1968) y «Funky Drummer» (grabado en 1969) presentaban una versión más desarrollada del estilo de Brown de mediados de los 60, con la sección de vientos, las guitarras, el bajo y la batería engranados en intrincados patrones rítmicos basados en múltiples riffs entrelazados.
Los cambios en el estilo de Brown que se iniciaron con «Cold Sweat» también establecieron la base musical para los éxitos posteriores de Brown, como «I Got the Feelin'» (1968) y «Mother Popcorn» (1969). En esta época, la voz de Brown adoptaba con frecuencia la forma de una especie de declamación rítmica, no del todo cantada pero tampoco hablada, que sólo presentaba intermitentemente rastros de tono o melodía. Esto se convertiría en una importante influencia en las técnicas del rap, que llegaría a su madurez junto con la música hip hop en las décadas siguientes. El estilo de funk de Brown a finales de los 60 se basaba en partes sincopadas entrelazadas: líneas de bajo punteadas, patrones de batería sincopados y riffs de guitarra con percusión icónica. Los ostinatos de guitarra principales de «Ain’t It Funky» y «Give It Up or Turn It Loose» (ambos de 1969), son ejemplos del refinamiento que Brown hizo del funk de Nueva Orleans; riffs irresistiblemente bailables, despojados de su esencia rítmica. En ambas grabaciones, la estructura tonal está desnuda. El patrón de puntos de ataque es el énfasis, no el patrón de tonos, como si la guitarra fuera un tambor africano, o un idiófono. Alexander Stewart afirma que este sentimiento popular se transmitió desde «Nueva Orleans, a través de la música de James Brown, a la música popular de los años 70». Esos mismos temas fueron resucitados posteriormente por innumerables músicos de hip-hop a partir de los años 70. Como resultado, James Brown sigue siendo a día de hoy el artista discográfico más sampleado del mundo, pero, dos temas que escribió, son también sinónimo de baile moderno, especialmente de la música house, la música jungle y la música drum and bass, (que se aceleraron exponencialmente, en estos dos últimos géneros).
«Bring it Up» tiene una estructura afrocubana tipo guajeo. Los tres riffs de guitarra se basan en una estructura onbeat/offbeat. Stewart dice que «es diferente de una línea de tiempo (como la clave y el tresillo) en el sentido de que no es un patrón exacto, sino más bien un principio organizativo suelto»
Fue en esta época, cuando la popularidad del músico aumentó, cuando adquirió el apodo de «Soul Brother No. 1», tras fracasar en su intento de ganar el título de «Rey del Soul» a Solomon Burke durante un concierto en Chicago dos años antes. Las grabaciones de Brown durante este periodo influyeron en músicos de toda la industria, sobre todo en grupos como Sly and the Family Stone, Funkadelic, Charles Wright & la Watts 103rd Street Rhythm Band, Booker T. & los M.G.s, así como vocalistas como Edwin Starr, David Ruffin y Dennis Edwards de The Temptations, y Michael Jackson, quien, a lo largo de su carrera, citó a Brown como su máximo ídolo.
La banda de Brown durante este período empleaba a músicos y arreglistas que habían surgido a través de la tradición del jazz. Destacaba por su capacidad como director de banda y compositor para mezclar la sencillez y el empuje del R&B con la complejidad rítmica y la precisión del jazz. El trompetista Lewis Hamlin y el saxofonista/tecladista Alfred «Pee Wee» Ellis (el sucesor del anterior director de la banda, Nat Jones) dirigían la banda. El guitarrista Jimmy Nolen proporcionaba riffs percusivos y aparentemente sencillos para cada canción, y los prominentes solos de saxofón de Maceo Parker constituían el punto central de muchas actuaciones. Otros miembros de la banda de Brown eran el incondicional cantante y acompañante de Famous Flames, Bobby Byrd, el trombonista Fred Wesley, los baterías John «Jabo» Starks, Clyde Stubblefield y Melvin Parker, el saxofonista St. Clair Pinckney, el guitarrista Alphonso «Country» Kellum y el bajista Bernard Odum.
Además de un torrente de singles y álbumes de estudio, la producción de Brown durante este periodo incluyó otros dos exitosos álbumes en directo, Live at the Garden (1967) y Live at the Apollo, Volume II (1968), y un especial de televisión en 1968, James Brown: Man to Man. Su imperio musical se expandió junto con su influencia en la escena musical. A medida que el imperio musical de Brown crecía, también lo hacía su deseo de independencia financiera y artística. A finales de la década de 1960, Brown compró emisoras de radio, incluida la WRDW de su Augusta natal, donde limpiaba zapatos de niño. En noviembre de 1967, James Brown compró la emisora de radio WGYW en Knoxville, Tennessee, por un importe de 75.000 dólares, según la revista Record World del 20 de enero de 1968. Las letras de llamada se cambiaron a WJBE, reflejando sus iniciales. WJBE comenzó el 15 de enero de 1968, y transmitió un formato de Rhythm & Blues. El eslogan de la emisora era «WJBE 1430 Raw Soul». Brown también compró WEBB en Baltimore en 1970.
Brown se ramificó para hacer varias grabaciones con músicos ajenos a su propia banda. En un intento de atraer al público contemporáneo adulto, de mayor edad, más acomodado y predominantemente blanco, Brown grabó Gettin’ Down To It (1969) y Soul on Top (1970) -dos álbumes compuestos principalmente por baladas románticas, estándares de jazz y reinterpretaciones homólogas de sus primeros éxitos- con el Dee Felice Trio y la Louie Bellson Orchestra. En 1968, grabó una serie de temas orientados al funk con The Dapps, un grupo blanco de Cincinnati, entre los que se encuentra el éxito «I Can’t Stand Myself». También editó tres álbumes de música navideña con su propia banda.
1970-1975: Godfather of SoulEditar
En marzo de 1970, la mayor parte de la banda de carretera de Brown de mediados y finales de los 60 le abandonó por disputas de dinero, un hecho que se auguraba por la disolución previa del grupo de canto The Famous Flames por el mismo motivo en 1968. Brown y el antiguo cantante de The Famous Flames, Bobby Byrd (que decidió permanecer en la banda durante este tumultuoso periodo), reclutaron posteriormente a varios miembros de The Pacemakers, con sede en Cincinnati, entre los que se encontraban Bootsy Collins y su hermano Phelps «Catfish» Collins; junto con los miembros restantes de la banda de carretera de los 60 (incluido Fred Wesley, que se reincorporó al grupo de Brown en diciembre de 1970) y otros músicos más recientes, formarían el núcleo de The J.B.’s, el nuevo grupo de acompañamiento de Brown. Poco después de su primera actuación juntos, la banda entró en el estudio para grabar la composición de Brown-Byrd, «Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine»; la canción y otros singles contemporáneos consolidarían aún más la influencia de Brown en el naciente género de la música funk. Esta iteración de los J.B. se disolvió después de una gira europea en marzo de 1971 (documentada en la publicación de archivo Love Power Peace de 1991) debido a otras disputas monetarias y al consumo de LSD por parte de Bootsy Collins; los hermanos Collins pronto se convertirían en miembros integrales de Parliament-Funkadelic, mientras que una nueva formación de los J.B. se unió en torno a Wesley, St. Clair Pinckney y el baterista John Starks.
En 1971, Brown comenzó a grabar para Polydor Records, que también se hizo cargo de la distribución del catálogo de Brown en King Records. Muchos de sus acompañantes y músicos de apoyo, como Fred Wesley & los J.B., Bobby Byrd, Lyn Collins, Vicki Anderson y su antiguo rival Hank Ballard, publicaron discos en el sello People, un sello fundado por Brown que fue adquirido por Polydor como parte del nuevo contrato de Brown. Las grabaciones del sello People, casi todas producidas por el propio Brown, ejemplifican el florecimiento maduro de su «estilo house». En esta época se publicaron varios temas considerados por la crítica como excesivamente sexuales. Más tarde suavizaría su enfoque vocal. Canciones como «I Know You Got Soul» de Bobby Byrd, «Think» de Lyn Collins y «Doing It to Death» de Fred Wesley & los J.B. se consideran tan parte del legado discográfico de Brown como las grabaciones publicadas con su propio nombre. Ese año también comenzó a hacer giras por países africanos y fue bien recibido por el público de esos países. Durante las elecciones presidenciales de 1972, James Brown proclamó abiertamente su apoyo a Richard Nixon para la reelección a la presidencia frente al candidato demócrata George McGovern. La decisión provocó un boicot a sus actuaciones y, según Brown, le costó gran parte de su público negro. Como resultado, las ventas de discos y los conciertos de Brown en Estados Unidos llegaron a un punto muerto en 1973, ya que no consiguió un número uno en R&B ese año. Brown se dedicó más a las giras fuera de Estados Unidos, donde siguió actuando ante multitudes que agotaron las entradas en ciudades como Londres, París y Lausana. Ese año también tuvo problemas con Hacienda por no haber pagado los impuestos atrasados, acusándole de no haber pagado más de 4,5 millones de dólares; cinco años antes, Hacienda había afirmado que debía casi 2 millones de dólares.
En 1973, Brown proporcionó la partitura para la película de blaxploitation Black Caesar. También grabó otra banda sonora para la película, Slaughter’s Big Rip-Off. Tras el lanzamiento de estas bandas sonoras, Brown adquirió un apodo autodenominado «El Padrino del Soul», que sigue siendo su apodo más popular. En 1974 volvió al número 1 de las listas de R&B con «The Payback», y el álbum matriz alcanzó el mismo puesto en las listas de álbumes; llegaría al número 1 dos veces más en 1974, con «My Thang» y «Papa Don’t Take No Mess». Ese mismo año regresó a África y actuó en Kinshasa como parte de los preparativos del combate The Rumble in the Jungle entre Muhammad Ali y George Foreman. Los admiradores de la música de Brown, como Miles Davis y otros músicos de jazz, empezaron a citarlo como una gran influencia en sus propios estilos. Sin embargo, Brown, al igual que otros que se vieron influidos por su música, también «tomó prestado» de otros músicos. Su sencillo de 1976, «Hot (I Need To Be Loved, Loved, Loved, Loved)» (R&B n.º 31), interpolaba el riff principal de «Fame» de David Bowie omitiendo cualquier atribución a los compositores de esta última canción (entre ellos Bowie, John Lennon y el guitarrista Carlos Alomar), y no al revés como se creía a menudo. El riff fue compuesto por Alomar, que había sido brevemente miembro de la banda de Brown a finales de la década de 1960.
«Papa Don’t Take No Mess» resultaría ser su último sencillo en alcanzar el número 1 en las listas de R&B y su último sencillo pop en el Top 40 de la década de 1970, aunque siguió teniendo ocasionalmente grabaciones en el Top 10 de R&B. Entre sus diez mejores éxitos R&B durante este último período se encuentran «Funky President» (R&B No. 4) y «Get Up Offa That Thing» (R&B nº 4), esta última canción lanzada en 1976 y dirigida a rivales musicales como Barry White, The Ohio Players y K.C. and the Sunshine Band. Brown acreditó a su entonces esposa y a dos de sus hijos como autores de la canción para evitar problemas fiscales concurrentes con Hacienda. A partir de octubre de 1975, Brown produjo, dirigió y presentó Future Shock, un programa de variedades de televisión con sede en Atlanta que se emitió durante tres años.
1975-1991: Declive y resurgimientoEditar
Aunque sus discos fueron pilares de la escena disco underground neoyorquina de vanguardia (ejemplificada por DJs como David Mancuso y Francis Grasso) a partir de 1969, Brown no se sometió conscientemente a la tendencia hasta Sex Machine Today, de 1975. En 1977, ya no era una fuerza dominante en el R&B. Después de «Get Up Offa That Thing», trece de las grabaciones de Brown de finales de los 70 para Polydor no alcanzaron el Top 10 de la lista de R&B, con sólo «Bodyheat» en 1976 y la orientada a la música disco «It’s Too Funky in Here» en 1979 alcanzando el Top 15 de R&B y la balada «Kiss in ’77» llegando al Top 20. Después de «Bodyheat» de 1976, tampoco apareció en el Billboard Hot 100. Como resultado, la asistencia a los conciertos de Brown empezó a descender y sus supuestas disputas con Hacienda provocaron el colapso de su imperio empresarial. Además, los antiguos compañeros de banda de Brown, como Fred Wesley, Maceo Parker y los hermanos Collins, habían encontrado un mayor éxito como miembros del colectivo Parliament-Funkadelic de George Clinton. La aparición de la música disco también frenó el éxito de Brown en las listas de R&B, ya que su estilo más elegante y comercial había sustituido a sus producciones funk más crudas.
Para el lanzamiento de The Original Disco Man, de 1979, Brown no aportaba mucha producción ni composición, dejando la mayor parte al productor Brad Shapiro, lo que dio lugar a que la canción «It’s Too Funky in Here» se convirtiera en el single más exitoso de Brown en este periodo. Después de que otros dos álbumes no llegaran a las listas de éxitos, Brown dejó Polydor en 1981. Fue en esta época cuando Brown cambió el nombre de su banda de J.B.’s a Soul Generals (o Soul G’s). La banda mantuvo ese nombre hasta su muerte. A pesar del declive de las ventas de discos de Brown, los promotores Gary LoConti y Jim Rissmiller ayudaron a Brown a agotar las entradas para una serie de espectáculos en el Country Club de Reseda. La comprometida posición comercial de Brown le impidió cobrar una gran cantidad de honorarios en directo a los promotores por estos espectáculos. Sin embargo, el gran éxito de estos espectáculos marcó un punto de inflexión en la carrera de Brown, y pronto volvió a estar en la cima de Hollywood. Le siguieron las películas, empezando por sus apariciones en los largometrajes The Blues Brothers, Doctor Detroit y Rocky IV, así como su participación en el episodio de Miami Vice «Missing Hours» (1987). En 1984, se asoció con el músico de rap Afrika Bambaattaa en la canción «Unity». Un año más tarde, firmó con Scotti Brothers Records y publicó el álbum Gravity, de moderado éxito, en 1986. En él se incluía el último éxito pop de Brown en el Top 10, «Living in America», que supuso su primera entrada en el Top 40 desde 1974 y su primera entrada en el Top 10 del pop desde 1968. Producida y escrita por Dan Hartman, también apareció de forma destacada en la película y la banda sonora de Rocky IV. Brown interpretó la canción en la película durante el combate final de Apollo Creed, rodado en la sala Ziegfeld del MGM Grand de Las Vegas, y fue acreditado en la película como «El Padrino del Soul». En 1986 también se publicó su autobiografía, James Brown: The Godfather of Soul, coescrita con Bruce Tucker. En 1987, Brown ganó el Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Masculina de R&B por «Living in America».
En 1988, Brown trabajó con el equipo de producción Full Force en el disco I’m Real, con influencias del new jack swing. De él surgieron sus dos últimos éxitos en el Top 10 de R&B, «I’m Real» y «Static», que alcanzaron el nº 2 y el nº 5, respectivamente, en las listas de R&B. Mientras tanto, la rotura de batería de la segunda versión del éxito original de 1969 «Give It Up Or Turnit A Loose» (la grabación incluida en el álbum recopilatorio In the Jungle Groove) se hizo tan popular en las fiestas de baile de hip hop (especialmente para el breakdance) durante los primeros años de la década de 1980 que el pionero del hip hop Kurtis Blow llamó a la canción «el himno nacional del hip hop».
1991-2006: Últimos añosEditar
Tras su paso por la cárcel a finales de los 80, Brown conoció a Larry Fridie y Thomas Hart, que produjeron el primer biopic de James Brown, titulado James Brown: The Man, the Message, the Music, estrenada en 1992. Volvió a la música con el álbum Love Over-Due en 1991. Incluía el sencillo «(So Tired of Standing Still We Got to) Move On», que alcanzó el número 48 en la lista de R&B. Su antiguo sello discográfico, Polydor, también publicó la caja de cuatro CDs Star Time, que abarca la carrera de Brown hasta la fecha. La salida de Brown de la cárcel también hizo que sus antiguos sellos discográficos reeditaran sus álbumes en CD, con pistas adicionales y comentarios de críticos e historiadores de la música. Ese mismo año, Brown apareció en el vídeo del rapero MC Hammer para «Too Legit to Quit». Hammer había destacado, junto a Big Daddy Kane, por acercar a la generación del hip-hop los singulares espectáculos escénicos de Brown y sus propios y enérgicos movimientos de baile; ambos catalogaban a Brown como su ídolo. Ambos músicos también tomaron muestras de su trabajo, y Hammer tomó muestras de los ritmos de «Super Bad» para su canción «Here Comes the Hammer», de su exitoso álbum Please Hammer, Don’t Hurt ‘Em. Big Daddy Kane sampleó muchas veces. Antes de que terminara el año, Brown -que había vuelto a trabajar inmediatamente con su banda tras su puesta en libertad- organizó un concierto de pago por visión tras un espectáculo en el Wiltern Theatre de Los Ángeles, que tuvo una buena acogida.
El 10 de junio de 1991, James Brown y una alineación llena de estrellas actuaron ante una multitud en el Wiltern Theatre para un público de pago por visión en casa. James Brown: Living in America – Live! fue una idea del productor de Indiana Danny Hubbard. Contó con la participación de M.C. Hammer, así como de Bell Biv Devoe, Heavy D & the Boys, En Vogue, C+C Music Factory, Quincy Jones, Sherman Hemsley y Keenen Ivory Wayans. Ice-T, Tone Loc y Kool Moe Dee actuaron rindiendo homenaje a Brown. Esta fue la primera actuación pública de Brown desde que salió en libertad condicional del sistema penitenciario de Carolina del Sur en febrero. Había cumplido dos años y medio de dos sentencias concurrentes de seis años por asalto agravado y otros delitos graves.
Brown siguió haciendo grabaciones. En 1993 se publicó su álbum Universal James. Incluía su último sencillo en las listas de Billboard, «Can’t Get Any Harder», que alcanzó el número 76 en la lista de R&B de Estados Unidos y llegó al número 59 en la lista del Reino Unido. Su breve presencia en las listas del Reino Unido se debió probablemente al éxito de una versión remezclada de «I Feel Good» con Dakeyne. Brown también lanzó los sencillos «How Long» y «Georgia-Lina», que no llegaron a las listas. En 1995, Brown volvió al Apollo y grabó Live at the Apollo 1995. En él se incluía un tema de estudio titulado «Respect Me», que se publicó como sencillo; de nuevo no llegó a las listas de éxitos. Los últimos álbumes de estudio de Brown, I’m Back y The Next Step, se publicaron en 1998 y 2002 respectivamente. I’m Back incluía la canción «Funk on Ah Roll», que alcanzó el número 40 en el Reino Unido, pero no llegó a la lista de éxitos en su país natal, Estados Unidos. The Next Step incluía el último sencillo de Brown, «Killing Is Out, School Is In». Ambos álbumes fueron producidos por Derrick Monk. Sin embargo, el éxito de los conciertos de Brown no disminuyó y mantuvo una agenda extenuante durante el resto de su vida, haciendo honor a su anterior apodo, «El hombre más trabajador del mundo del espectáculo», a pesar de su avanzada edad. En 2003, Brown participó en el documental televisivo de PBS American Masters James Brown: Soul Survivor, que fue dirigido por Jeremy Marre.
Brown actuó en el espectáculo del descanso de la Super Bowl XXXI.
Brown celebró su estatus de icono apareciendo en una variedad de eventos de entretenimiento y deportivos, incluyendo una aparición en el evento de pago por visión de la WCW, SuperBrawl X, donde bailó junto al luchador Ernest «The Cat» Miller, que basó su personaje en Brown, durante su sketch en el ring con The Maestro. Posteriormente, Brown apareció en el cortometraje de Tony Scott Beat the Devil en 2001. Apareció junto a Clive Owen, Gary Oldman, Danny Trejo y Marilyn Manson. Brown también hizo un cameo en la película de Jackie Chan de 2002, El esmoquin, en la que Chan tenía que terminar la actuación de Brown después de haber noqueado accidentalmente al cantante. En 2002, Brown apareció en Undercover Brother, interpretándose a sí mismo.
En 2004, Brown actuó en Hyde Park, Londres, como telonero de los conciertos de Red Hot Chili Peppers. A principios de 2005 se publicó el segundo libro de Brown, I Feel Good: A Memoir of a Life of Soul, escrito con Marc Eliot. En febrero y marzo, participó en las sesiones de grabación de un pretendido álbum de estudio con Fred Wesley, Pee Wee Ellis y otros colaboradores de toda la vida. Aunque perdió el interés por el álbum, que sigue sin publicarse, un tema de las sesiones, «Gut Bucket», apareció en un CD recopilatorio incluido en el número de agosto de 2006 de MOJO. Apareció en Edimburgo 50.000 – The Final Push, el último concierto del Live 8, el 6 de julio de 2005, donde interpretó a dúo con la estrella británica del pop Will Young «Papa’s Got A Brand New Bag». La semana anterior había interpretado un dúo con otra estrella británica del pop, Joss Stone, en el programa de entrevistas del Reino Unido Friday Night with Jonathan Ross. En 2006, Brown continuó con su «Seven Decades of Funk World Tour», su última gira de conciertos en la que actuó por todo el mundo. Sus últimas actuaciones en Estados Unidos fueron en San Francisco el 20 de agosto de 2006, como cabeza de cartel en el Festival del Golden Gate (Foggfest) en el Great Meadow de Fort Mason. Al día siguiente, el 21 de agosto, actuó en la Universidad Estatal de Humboldt, en Arcata, California, en un pequeño teatro (800 asientos) del campus. Sus últimas actuaciones fueron recibidas con críticas positivas, y una de sus últimas apariciones en concierto en el festival irlandés Oxegen, en Punchestown, en 2006, se realizó para una multitud récord de 80.000 personas. El 27 de octubre de 2006 dio un concierto completo en el marco de los Electric Proms de la BBC, en The Roundhouse, con el apoyo de The Zutons, y con apariciones especiales de Max Beasley y The Sugababes.
La última aparición televisada de Brown fue en su ingreso en el Salón de la Fama de la Música del Reino Unido en noviembre de 2006, antes de su muerte al mes siguiente. Antes de su muerte, Brown tenía previsto interpretar a dúo con la cantante Annie Lennox la canción «Vengeance» para su nuevo álbum Venus, que se publicó en 2007.