Estrellas de la televisión que dominaron los años 70

En una década que dio cabida tanto a Los Ángeles de Charlie, M*A*S*H, Maude y más, estas estrellas ayudaron a dar forma al panorama televisivo durante este tumultuoso periodo de la cultura estadounidense, ya que los valores de los años 60 se filtraron en la cultura dominante.

Alan Alda

Alan Alda creció en el mundo del espectáculo. Su padre, Robert, era un actor consagrado, que había protagonizado películas como Rhapsody in Blue, pero durante la infancia de Alda, se dedicaba a hacer la ronda de espectáculos de burlesque, arrastrando a su familia con él y metiendo al joven Alda en la actuación y en las fotos cuando mejor le convenía. A pesar de sus antecedentes o debido a ellos, Alda siguió a su padre en el negocio del entretenimiento. Estaba rodando una película en la prisión estatal de Utah cuando le llegó el guión del piloto de M*A*S*H.

M*A*S*H cambió la televisión. Tenía un equilibrio inédito de tragedia y comedia, entregado con ingenio, inteligencia y compasión. Alda empezó como intérprete, se convirtió rápidamente en la estrella y acabó escribiendo y dirigiendo algunos de los episodios más memorables de la serie. (Estaba tan emocionado la primera vez que ganó un Emmy de guionista que dio una voltereta tras el anuncio de su nombre). Fue la primera persona en la historia de la televisión en ganar Emmys por actuar, escribir y dirigir la misma serie, y dirigió y co-escribió el episodio final de la serie, Goodbye Farewell and Amen, visto por un número récord de espectadores, un récord que aún no ha sido superado. M*A*S*H se emitió durante 11 temporadas, durando más de tres veces más que la Guerra de Corea en la que tuvo lugar.

Fuera de la pantalla, Alda abrazó los años 70, convirtiéndose en una de las voces masculinas más destacadas del feminismo de la década. No sólo fue un activo defensor de la ERA (que nunca se aprobó), sino que fue portada de la revista Ms. Magazine y escribió un ensayo para ella en el que acuñó la frase «envenenamiento por testosterona» para hablar de la actitud masculina imperante hacia la violencia, las mujeres y la competencia. También participó en el especial de televisión de Marlo Thomas y en el disco Free to Be… You and Me, que denunciaba la mentalidad de «las damas primero», aseguraba a los chicos que tener una muñeca estaba bien y les decía a todos que estaba bien llorar, con una canción cantada por la superestrella del fútbol Rosey Grier.

Mary Tyler Moore

En el momento en que el creador de The Dick Van Dyke Show, Carl Reiner, escuchó a Mary Tyler Moore leer la primera línea del guión en su audición, supo que había encontrado a la actriz adecuada, y la hizo entrar en el despacho del productor Sheldon Leonard con la mano en la cabeza. Más tarde la llamó la «Grace Kelly de las comediantes». Se convirtió en una estrella.

Cuando se estrenó El show de Mary Tyler Moore en 1970, se suponía que el personaje de Mary Richards estaba divorciado, pero a la cadena le preocupaba que la gente pensara que estaba divorciada de Rob Petrie, y cambió el argumento para que acabara de terminar una relación y se embarcara por su cuenta. Puede que el escenario estuviera preparado para una mujer que buscaba una carrera varios años antes con Thomas en That Girl, pero fue Richards quien lo llevó al siguiente nivel, construyendo una carrera, saliendo con varios hombres e incluso (jajaja) rechazando una propuesta de matrimonio porque esa no era la vida que quería todavía.

Detrás de las cámaras, la serie estaba rompiendo otros límites. El equipo de guionistas, liderado por los creadores James L. Brooks y Allan Burns, contaba con más escritoras que cualquier otro programa de televisión. También hablaban de temas que no se veían en otros programas: el racismo cotidiano (tanto contra los judíos como contra los afroamericanos), el sexismo (cuando Richards se cansa de que la llamen «la única mujer ejecutiva de WJM»), el control de la natalidad (Richards admite que toma la píldora y que tiene novios de un día para otro) y la homosexualidad (cuando Phyllis se siente aliviada al descubrir que su hermano es gay porque eso significa que no sale con Rhoda).

La serie contaba con un increíble reparto, pero Richards siempre estaba en el centro, y Moore tenía la fuerza de la estrella y el atractivo personal para sacarlo adelante. Los guiones eran inteligentes y divertidos, al elenco le encantaba trabajar juntos, y era la alquimia en su máxima expresión. La serie ganó 39 Emmys en sus siete temporadas en antena y fomentó tres spin-offs, dos especiales de reencuentro y legiones de mujeres jóvenes (esta escritora incluida) que colgaron sus primeras iniciales en sus paredes.

Los espectadores vieron evolucionar a Richards, que aprendió a valerse por sí misma, a avanzar en su carrera, a organizar malas cenas y a darnos una heroína feminista que rompía los límites y se divertía al mismo tiempo. La empresa de Moore, MTM Enterprises, siguió produciendo éxitos televisivos durante años, como The Bob Newhart Show, WKRP in Cincinnati, The White Shadow, St. Elsewhere y Hill Street Blues, lo que convirtió a Moore en una potencia de la industria, además de en una querida intérprete.

Farrah Fawcett

Fawcett había surgido de los anuncios publicitarios: una belleza natural con una sonrisa deslumbrante. Tenía un aspecto que cortaba el tráfico, una preciosa melena salvaje y llamaba la atención allá donde iba. Había aparecido como invitada en programas de televisión como La familia Partridge, La monja voladora, Sueño con Jeannie y cuatro veces en El hombre de los seis millones de dólares, protagonizada por su entonces marido Lee Majors. Pero fue algo tan simple como un póster de pin-up lo que la lanzó a un nuevo nivel de fama.

Todo el mundo conoce ese póster. Fawcett mira fijamente a la cámara, luciendo un traje de baño rojo que, de alguna manera, la cubre y no lo hace al mismo tiempo. El traje era realmente suyo: querían que llevara un bikini, pero no tenía ninguno. Fawcett se maquilló y peinó ella misma para la sesión de fotos, sin espejo y con un poco de zumo de limón en el pelo para darle más brillo. Controlaba su aspecto por completo, y fue ella quien eligió la foto que se convertiría en uno de los carteles más vendidos de todos los tiempos.

Después de eso, se convirtió en una candidata a los Ángeles de Charlie, coprotagonizada por Kate Jackson y Jaclyn Smith. Tanto los hombres como las mujeres veían la serie por sus escandalosos y divertidos argumentos, sus constantes cambios de vestuario y la satisfacción de ver a tres mujeres ganar el juego cada vez que jugaban. Mientras que los críticos se burlaban de los trajes reveladores y del evidente factor T&A, otros lo veían como una forma de abrazar la liberación sexual, con las mujeres al mando. La propia Fawcett se mostró indecisa: «Cuando el programa era el número tres, pensé que era nuestra actuación. Cuando llegó al número uno, decidí que sólo podía ser porque ninguna de nosotras lleva sujetador». Pero la crítica social Camille Paglia, que no tiene pelos en la lengua, calificó la serie de «efervescente aventura de acción que muestra a mujeres inteligentes y audaces trabajando codo con codo en una fructífera colaboración»

Farrah se convirtió en la primera estrella revelación de Los Ángeles de Charlie, y fue la primera en abandonar la serie. Rompió su contrato y su carrera se resintió por ello. Tuvo que hacer seis apariciones como invitada en el programa para compensarlo, pero pasaron años antes de que pudiera establecerse de nuevo como actriz, obteniendo finalmente el reconocimiento por su trabajo en la obra de teatro Off-Broadway Extremities, la película para televisión The Burning Bed y el largometraje de Robert Duvall The Apostle.

Fawcett murió en 2009, el mismo día que Michael Jackson. Todavía se la recuerda como la chica de los 70 por excelencia, con un peinado que fue copiado durante mucho tiempo en la década siguiente.

Jimmie Walker

Cuando se creó el spin-off de Maude, Good Times, la serie se centraba en Esther Rolle y John Amos como Florida y James Evans, que luchaban por pagar las facturas y formar una familia en Chicago. Mientras que la serie cubría los desafíos de trabajar en varios empleos y mantener a sus hijos a salvo en los proyectos, el comediante Jimmie Walker, contratado para interpretar al hermano mayor JJ, se convirtió en una estrella revelación.

Mientras Rolle y Amos se lamentaban de que los argumentos más serios tuvieran que pasar a un segundo plano, los productores aprovecharon el atractivo de Walker, dándole más y más tiempo en pantalla cada semana. Cuando el director John Rich inventó el eslogan «¡Dyn-o-mite!» era oro puro. Insistió, a pesar del escepticismo del productor ejecutivo Norman Lear, en que JJ dijera la frase al menos una vez en cada episodio, y se convirtió en un éxito.

Walker era inteligente: sabía aprovechar el momento. Ya se dedicaba a la comedia de stand-up en la medida en que su agenda de rodaje se lo permitía, empleando un equipo de guionistas formado por futuras estrellas como Jay Leno y David Letterman. Incluso consiguió que Leno apareciera como invitado en Good Times, teniendo que convencer a los reticentes productores para que le dieran una oportunidad. Walker permaneció en el programa hasta el final, superando a Amos y Rolle. Fue un elemento básico de la televisión durante los años 70 y 80, participando en los circuitos de juegos y tertulias, en varias rondas de la Batalla de las Estrellas de la Red y, como cualquier otra estrella de la época, en The Love Boat. Sigue haciendo stand-up, y no se arrepiente, apoyando la decisión de hace años que hizo que «¡Dyn-o-mite!» fuera una expresión familiar.

Telly Savalas

Aunque no parezca una elección obvia para un pin-up, en 1974, la portada sin camiseta de Telly Savalas en People fue un cambio de juego para la revista, dándoles su primer número que finalmente vendió un millón de copias en el quiosco. Las mujeres escribieron a People en masa pidiendo ver la mitad inferior de la foto.

Savalas ni siquiera había empezado su carrera como actor hasta pasados los 30 años. Estuvo en la original Cabo de Miedo con Robert Mitchum y Gregory Peck, hizo cuatro películas con Burt Lancaster y en 1965 interpretó a Poncio Pilatos en La historia más grande jamás contada, para lo que tuvo que afeitarse la cabeza. Mantuvo el look ya que le hacía tener más éxito con las mujeres.

Savalas era un ávido golfista y un jugador de póker de talla mundial con un título en psicología, pero fue su papel como el sabelotodo teniente Theo Kojak el que lo convirtió en un nombre conocido. La luz con imán que ponía en su coche cuando se incorporaba a una persecución a gran velocidad se conoció como «luz Kojak» entre la policía, y la serie le hizo ganar un Emmy en 1974. Kojak fue un imán para las estrellas invitadas, muchas de las cuales pasarían a interpretar a policías en futuras series de televisión, como Daniel J. Travanti (Frank Furillo), Paul Michael Glaser (Starsky), Sharon Gless (Cagney), Jerry Orbach (Briscoe), Abe Vigoda (Fish), Tige Andrews (Capitán Greer) y Andre Braugher (Frank Pembleton y Ray Holt).

Otras notables estrellas invitadas llegaron a Kojak antes o después de triunfar, entre ellas James Woods, John Ritter, Harvey Keitel, Dabney Coleman, Robert Loggia, Sylvester Stallone, Richard Gere y Liberace. Richard Donner llegó a dirigir varios episodios, y también lo hizo el propio Savalas.

Sonny y Cher

Sonny Bono y Cher empezaron como cantantes mucho antes de llegar a las pantallas de televisión. En los años 60, trabajaron como coristas de R&B para el productor Phil Spector, y luego tuvieron grandes éxitos a mediados de los 60 como dúo. Su mayor éxito, «I Got You Babe», alcanzó el número 1 en el Billboard Hot 100 en 1965, y desde entonces ha sido nombrado como uno de los mejores duetos de todos los tiempos tanto por Billboard como por Rolling Stone.

Su paso a la televisión les convirtió en estrellas aún más grandes. Llevaron la actitud y la moda de los años 70 por primera vez a The Sonny and Cher Comedy Hour, que se estrenó en 1971 como una serie de reemplazo de verano y regresó ese mismo año en horario de máxima audiencia, llegando a conseguir 15 nominaciones a los Emmy y permaneciendo en el Top 10 durante cuatro años. El programa era conocido por sus números musicales, sketches recurrentes como «The Laundrette» con Cher y Teri Garr, la secuencia Vamp de Cher, sus escandalosos trajes diseñados por Bob Mackie, y la actuación semanal de cierre de las dos estrellas de «I Got You Babe». Su hija Chastity (ahora Chaz) también hacía frecuentes apariciones, lo que indica que la pareja de swingers de los 70 también tenía una fuerte vida familiar.

No la tenían. Terminaron el espectáculo en 1974 durante su divorcio y se independizaron. El programa de Bono sólo duró seis semanas, pero el de Cher fue un éxito, con invitados de alto octanaje como Bette Midler, Elton John y Flip Wilson. En 1976, volvieron a la televisión en The Sonny & Cher Show. Sus estrellas se reconciliaron ante las cámaras con un apretón de manos, pero la relación había pasado por demasiados rencores como para durar, y a pesar de los buenos índices de audiencia, el programa sólo duró dos temporadas.

Cada uno pasó a cosas más grandes y mejores. Cher se convirtió en una artista superventas y en ganadora de un Oscar. Bono fue elegido alcalde de Palm Springs y luego se convirtió en congresista en 1995. Murió en 1998 en un accidente de esquí, el mismo año en que Sonny y Cher obtuvieron finalmente su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, consolidando su legado como parte del tejido de la televisión de los 70.

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Ricardo Montalban

Ahora es más famoso como Mr. Roarke de La isla de la fantasía y Khan de Star Trek y Star Trek II: La ira de Khan, Ricardo Montalbán era omnipresente en los platós de televisión de los 70 como portavoz comercial del Chrysler Córdoba. Su descripción del «cuero suave y corintio» fue tan memorable que se parodió sin cesar, pero él hablaba en serio; durante el apogeo de su fama en La isla de la fantasía, conducía un Córdoba hecho a medida y tapizado con el mismo cuero cuyas virtudes era famoso por ensalzar.

Antes de las pantallas de televisión, había hecho docenas de películas y fue el primer actor hispano en la portada de la revista Life. A pesar de los esfuerzos de los estudios de cine para que se cambiara el nombre (con Ricky Martin como una de las opciones preferidas), mantuvo su nombre real, así como su nacionalidad mexicana. En 1971, descontento con la forma en que se le pedía que representara a los mexicanos en la pantalla, ayudó a fundar un grupo de defensa de los latinos que trabajaban en la televisión y el cine llamado Nostros, y un año después, cofundó el Comité de Minorías Étnicas del Gremio de Actores de la Pantalla.

Montalbán también fue conocido por su papel en dos de las películas del Planeta de los Simios y continuó apareciendo en programas de televisión y películas durante los años 70 y 80. En 2002, fue contratado por Robert Rodríguez para interpretar al abuelo Valentín en dos de las películas de Spy Kids; a su personaje se le dio una silla de ruedas con motor a reacción, ya que Montalbán había sufrido una lesión en la columna vertebral que le impedía caminar.

Sus dos últimos papeles fueron en programas de animación. Actuó como invitado tanto en Padre de familia como en American Dad!, demostrando que su inconfundible voz seguía teniendo poder décadas después de su llegada a Hollywood en los años 40.