¿Te has preguntado alguna vez «mi canción es tan buena, pero por qué no puedo conseguir que tenga más volumen?»
Una de las mayores preguntas de mezcla que nos hacen aquí en Cymatics es «cómo hago que mi pista tenga más volumen».
Puedes pensar que es un problema de masterización, pero en realidad es de mezcla.
Antes de que un master pueda realmente pulir y mejorar tu canción, necesitas una mezcla que funcione bien siendo masterizada.
Ahora bien, si lo piensas, todas las pistas cuando se masterizan tienen el mismo volumen, incluso la tuya.
Usualmente, una canción llega a un limitador con un techo de 0.
Así que esto significa que otras canciones son simplemente «perceptualmente más fuertes».
Ahora bien, esta sonoridad perceptiva puede explicarse con otro dicho conocido como «volumen máximo, tensión mínima».
Esencialmente, esto significa que quieres que los elementos de tu pista sean perceptualmente fuertes, mientras utilizas la menor cantidad de volumen real.
Esto puede ocurrir por una multitud de razones diferentes.
Un sonido con mucho contenido armónico puede ser perceptualmente más alto, por ejemplo.
Otro puede ser un sonido muy comprimido con un rango dinámico constante.
A continuación le presentamos 5 técnicas que puede implementar en sus mezclas para hacer que su música sea perceptiblemente más fuerte.
Técnica de sonoridad nº 1: Slotting
Cuando aprenda a mezclar, una de las primeras habilidades que debe dominar es el «slotting».
El slotting es el concepto que consiste en colocar cada elemento de su pista en su propio espacio en las dimensiones de «altura», «profundidad» y «anchura».
Esta técnica permitirá que cada elemento brille ocupando su propio espacio, permitiendo el máximo volumen perceptivo.
Imagine que su canción existe en realidad en un enorme espacio 3D.
Cada elemento puede existir en algún lugar del espacio, normalmente con sus elementos principales cerca del frente y del centro, y sus elementos menos importantes colocados en otro lugar.
Ahora hablemos de cómo colocar los elementos en estas tres dimensiones.
Altura:
Cuando se escuchan los sonidos, los rangos de baja frecuencia se perciben más bajos que el suelo, y cuanto más alta es la frecuencia, mayor es la altura que se percibe.
Por lo tanto, al dar a cada elemento su propio espacio en el espectro de frecuencias, también está rellenando su canción en la dimensión de la «altura».
La herramienta obvia para abordar esto es la ecualización, pero esto también debe aplicarse en el proceso de escritura.
Lo que quieres es limitar la cantidad de sonidos que existen en ciertos rangos de frecuencia para que cada uno brille individualmente.
Así que cuando escribas, sé muy selectivo en cuanto a qué sonidos se sitúan en cada lugar.
Por ejemplo, tal vez tendría un subgrave en las frecuencias más bajas, un bajo medio ocupando los medios (sangrando ligeramente en los agudos), un lead ocupando los medios altos, y platillos y fx ocupando los agudos.
Esto es sólo un ejemplo, pero espero que te haga pensar.
Sin embargo, una cosa con la que hay que tener cuidado es con el exceso de ranuras.
Los sonidos tienden a sonar poco naturales si los limitas a un determinado rango de frecuencias.
Por ejemplo, si tomas un bajo, quitas todos los subgraves y quitas todos los agudos.
Esto probablemente sonará raro, así que cuando hagas ranuras, intenta usar estantes más que cortes duros.
Es más natural cuando los elementos siguen cubriendo todo el espectro de frecuencias, pero menos en ciertas áreas.
Profundidad:
La «profundidad» de su pista se crea más a menudo con efectos basados en el tiempo, como los retardos y las reverberaciones.
Al dominar estas herramientas puede colocar sus sonidos más lejos o, alternativamente, con poco o ningún retardo o reverberación, puede colocar su sonido al frente de la mezcla.
En su forma más básica, cuanto más tiempo de reverberación y retardo tenga un sonido, más distante será perceptualmente. He aquí un diagrama básico para ilustrar este concepto:
Amplitud:
Por último, la anchura de la pista es el lugar en el que se colocan los sonidos en el campo estéreo.
Esto suele tener que ver con dos conceptos diferentes.
El primero es la «anchura» del sonido real, y el segundo es la distancia a la que se sitúa el sonido a la izquierda o a la derecha.
La panoramización es un concepto bastante sencillo y obvio: dónde está el sonido con respecto a la izquierda o a la derecha.n el diagrama anterior, el espectro de sonido de izquierda a derecha se divide en 6 secciones.
Imagine que un sonido ocupa sólo la sección central izquierda al panoramizarlo en ese lugar.
Ahora, sin embargo, imagine que ese sonido es más amplio que eso y que empieza a ocupar partes de las dos secciones adyacentes.
Intente pensar en todos sus sonidos en ese sentido. ¿Está completamente en el centro? O ¿es un punto muerto, pero también ancho?
Ahora la verdadera pregunta es cómo hacemos que un sonido sea más ancho o menos ancho.
En su resumen más básico, percibimos los sonidos como «más anchos» cuando hay diferencias en el sonido entre el altavoz izquierdo y el derecho, o al contrario, algo es perceptualmente «mono» cuando no hay diferencias en el sonido que sale del altavoz izquierdo o del derecho.
Digamos, por ejemplo, que ha grabado su voz con un solo micrófono.
Sus altavoces reproducirían esa voz con información idéntica en cada oído para crear un «centro fantasma», un centro perceptivo para el sonido.
Sin embargo, si uno de los lados de su voz se desafina unos centímetros, por ejemplo, su oído percibiría estas diferencias y su mente empezaría a escuchar el sonido como más amplio.
Hay muchas cosas que podría hacer para hacer un sonido amplio basado en este conocimiento. Podría desafinar un lado, retrasarlo ligeramente en el tiempo, ecualizarlo de manera diferente, etc. ….
Con este conocimiento, ahora puede encajar los sonidos alrededor de cada uno en el campo estéreo.
Algunos sonidos están en el centro, otros se extienden a lo largo de toda la mezcla, otros están muy cerca del mono a un lado.
Para terminar esta sección, eche un vistazo al diagrama de una orquesta de la vida real a continuación.
Puedes ver cómo se hace esto en la vida real, así que por qué no aplicarlo a tus sonidos sintéticos.
Toma un paso más allá, y trata de dibujar tu mezcla antes de empezar, para que sepas exactamente dónde vas a encajar tus sonidos.
Ahora, con todo esto en mente, puedes empezar a imaginar tu mezcla como si encajaras los sonidos en un espacio tridimensional.
Colocando inteligentemente los sonidos en su propio y único espacio, puedes encajar más sonidos en general, dando a tu mezcla un mayor volumen perceptivo y la máxima claridad.
Técnica de sonoridad #2: Arreglo
Esto es algo que mencioné brevemente en el tema de la asignación de frecuencias, pero quiero mencionarlo un poco más en profundidad.
Cuando escribes una canción, quieres organizar tus sonidos para que ocupen diferentes rangos de frecuencia o, más fácil de seguir, el rango de octava.
Si al escribir y estratificar tus sonidos cada uno tiene un rango de octava único, entonces lograrás los mejores resultados.
Digamos por ejemplo que estás escribiendo una canción en Mi, y para mantener las cosas simples tu línea de bajo sólo golpea un Mi bajo a 41,2 Hz. Bien, ahora tendrías espacio para tocar tu bajo medio una octava por encima de eso con una raíz de 87,31 Hz.
Entonces, potencialmente, la raíz de tu patada podría estar una octava por encima de eso, a 164 Hz.
Entonces puedes continuar desde ahí, la siguiente octava es la raíz de tu caja, la siguiente octava es el rango de tu lead, la siguiente octava es el rango de tus arpas.
Ahora bien, esta es una forma matemática de verlo, pero esto ha sido común en la música desde hace mucho tiempo.
Un cuarteto de cuerdas, por ejemplo, se compone de un contrabajo, un violonchelo, una viola y un violín, cada uno de los cuales tocará en su propio rango de octavas.
El contrabajo en las octavas bajas creando tonos profundos como sub, mientras que el violín tocando algunas de las notas más altas.
Piensa en esto al escribir. Si tu música tuviera un contrabajo pero luego 3 violonchelos, ninguno de los violonchelos destacaría, y todos se enmascararían entre sí.
Abajo hay una tabla sobre qué rangos de frecuencia tocan los sonidos, y en qué octavas pueden tocar naturalmente también.
Considera esto cuando elijas los elementos de tu canción, y limita sus rangos para apretar los elementos en el lugar correcto.
Técnica de sonoridad #3: Compresión
Una de las primeras cosas que vienen a la mente cuando se maximiza el volumen de algo es la compresión.
La compresión, cuando se utiliza correctamente, es una forma excelente de hacer que algo sea perceptiblemente más fuerte.
Al reducir los picos más fuertes, pero compensando al subir todo el sonido, algo será perceptiblemente más fuerte debido a su menor rango dinámico.
El gran problema que veo es que los productores comprimen incorrectamente los sonidos, hipercomprimen los sonidos o comprimen demasiados sonidos en la mezcla.
Entrar en un detalle inmenso sobre la compresión de masterización puede llevar algún tiempo, pero lo que quiero enseñarte es cómo poner un toque de la compresión que suena «bien» en todo.
El primer paso es poner un compresor en un sonido y apretar los ajustes.
Lleva el umbral bastante abajo, el ratio bastante alto, el ataque muy rápido, y la liberación bastante apretada también.
Ahora todo lo que vamos a hacer después de esto se basa en la «sensación». Primero, reduzca el ataque, escuchando sólo la parte delantera del sonido y buscando la «sensación» perfecta para la parte delantera de ese sonido.
Haga lo mismo con la liberación.
Después, reduzca la relación, todavía centrándose sólo en la «sensación» del sonido.
A continuación, reduzca el umbral para que el sonido sólo lo toque de vez en cuando.
Después de eso, reduzca el dry/wet al gusto.
Esta es la forma más transparente de aplicar la compresión y al mismo tiempo tener el mejor efecto basado en la «sensación».
Esta ligera limitación del rango dinámico dará a su sonido ese impulso extra de volumen perceptivo.
Técnica de sonoridad #4: Menos es más
Esto es bastante sencillo, el concepto de menos es más.
Cuando era un nuevo productor solía llenar mis canciones hasta el borde; enormes baterías, capas y capas de sintetizadores y bajos.
Solía pensar que esta plenitud haría que mi canción se sintiera enorme, pero debido a la gran cantidad de elementos, no se masterizaría con la misma fuerza y, por lo tanto, sonaría débil en comparación con algunas de las pistas más minimalistas.
Esto se debe simplemente a que cada elemento está ocupando mucho espacio libre.
A veces, el movimiento correcto es tener MENOS elementos en su canción para hacerla perceptualmente más grande.
Si, por ejemplo, tuvieras un bombo, un 808, algunos platillos y un lead de trap REALMENTE pegajoso, tu canción tendría un sonido ENORME cuando llegara a la masterización porque cada elemento sería claro como el día.
Técnica de sonoridad #5: Distorsión
La última y definitiva forma de maximizar el headroom de tu canción es usando «distorsión».
Ahora bien, cuando piensas en distorsión puedes pensar en hacer un sonido excesivamente crujiente, similar a un tono de guitarra.
Eso, sin embargo, es sólo un tipo de distorsión y no necesariamente la técnica a la que vamos, al menos no tan obviamente.
Al distorsionar ligeramente los elementos de tu canción estás introduciendo un nuevo contenido armónico en tu sonido.
Este contenido armónico adicional hará que tu sonido sea perceptualmente más fuerte.
Ni siquiera necesitas mucha distorsión, incluso apenas distorsionando todos tus sonidos le darás ese pequeño contenido extra para que destaque y maximice realmente su volumen mientras utiliza menos energía.
Conclusión
Aquí tienes, esas fueron 5 formas potenciales de aumentar el volumen perceptivo de tu sonido creando esa mezcla y master «fuerte» que siempre escuchas de los profesionales.
Usa estas técnicas en combinación para mostrar tu verdadera maestría.