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Como cualquier campo creativo, la historia del arte tiene su propio lenguaje. Aunque esta realidad puede resultar abrumadora para los aspirantes a historiadores del arte, contar con un práctico glosario de términos de arte puede hacer que analizar una obra de arte sea mucho menos intimidante.
En esta lista, encontrarás 25 palabras que te ayudarán a hablar de arte con facilidad. Desde conceptos generales, como la pincelada y la composición, hasta técnicas específicas, como el claroscuro y el trampantojo, este arsenal de términos de arte ofrece todo lo que necesitas para sacar el máximo partido a tu próxima visita al museo.
Analiza el arte como un profesional con este glosario de historia del arte.
Abstracto
Rompiendo con la representación figurativa de los objetos, el arte abstracto reimagina las imágenes como un estudio de la relación entre la forma, el color y la línea. La abstracción se da en un continuo que incluye las formas fracturadas pero reconocibles del cubismo y la naturaleza totalmente no pictórica del expresionismo abstracto.
Assemblage
Esta forma o medio artístico utiliza una mezcla de materiales que crean capas tridimensionales a partir de una base fija. El uso de diferentes materiales lo hace similar al collage, pero en forma tridimensional. El ensamblaje tiene sus orígenes en el cubismo y en la obra de artistas como Man Ray y Vladimir Tatlin, que a menudo utilizaban objetos encontrados en sus obras.
Avant-garde
El término francés avant-garde se traduce literalmente como «guardia de avanzada», pero se utiliza para describir las obras de arte, los movimientos o los artistas que son experimentales y con visión de futuro.
Obra de pincel
La obra de pincel se refiere a la forma en que un pintor aplica la pintura a una superficie. Suele caracterizarse por el tamaño, la textura y la precisión de las pinceladas. Por ejemplo, la pincelada puede describirse como «apretada» o «suelta» dependiendo de lo visibles que sean a simple vista.
Pintura al óleo sobre lienzo (Foto: Stock Photos from Sweet Art/)
Claroscuro
En italiano significa «luz-oscuridad», el claroscuro es el uso de fuertes contrastes entre la luminosidad y la sombra para lograr una sensación de volumen y dimensionalidad. Esta técnica única fue desarrollada durante el Renacimiento italiano por Leonardo da Vinci, el Barroco por Caravaggio y el Siglo de Oro holandés por Rembrandt.
Composición
La composición de una obra de arte es la forma en que se disponen sus elementos visuales, especialmente en relación con los demás.
Conceptual
Esta forma de arte del siglo XX se desarrolló en la década de 1960, cuando los artistas empezaron a hacer hincapié en las ideas y los conceptos por encima del producto acabado. El arte conceptual se libera de todas las reglas estándar y puede adoptar cualquier forma, desde la escultura y la pintura hasta los happenings y las performances.
Contorno
Como contorno de algo, el contorno es uno de los bloques de construcción del dibujo. El uso de diferentes líneas de contorno puede cambiar drásticamente el aspecto de una obra de arte y es más evidente en el arte lineal. La Danza de Henri Matisse es sólo un ejemplo de una obra de arte conocida por sus contornos distintivos.
Contrapposto
En escultura, el contrapposto («contraposición» en italiano) es una postura asimétrica en la que la mayor parte del peso de una figura se distribuye en un pie. Esto da lugar a una postura realista, como es evidente en la famosa estatua del David de Miguel Ángel.
Michelangelo, ‘David’ (ca. 1501-1504) (Foto: Alfonso de Tomás vía )
Figurativo
Una obra de arte se considera figurativa cuando su tema es representativo.
Primer plano
El primer plano de una obra de arte es la parte de la composición más cercana al espectador. Suele distinguirse del fondo, que parece estar más alejado.
Escalonamiento
El escoramiento es una técnica en la que un artista distorsiona la perspectiva para evocar una ilusión de profundidad. Los sujetos escorzados a menudo parecen retroceder en el plano del cuadro.
Giorgione, ‘La Tempestad’ (ca. 1506-1508) (Foto: Ismoon vía Wikimedia Commons Public Domain)
Género
Un género se refiere a un tipo de arte (típicamente pintura). Ejemplos de géneros son el paisaje y la naturaleza muerta.
Iconografía
La iconografía se refiere al tema, o a las imágenes, utilizadas para transmitir el significado o comunicar un mensaje en una obra de arte.
Impasto
Esta palabra italiana para «mezcla» se refiere a las gruesas capas de pintura utilizadas para crear textura. Aunque fue utilizada por primera vez por los pintores venecianos durante el Renacimiento italiano, se impuso realmente en el siglo XIX. El famoso pintor de paisajes J.M.W. Turner utilizó el impasto para crear capas de color y dramatismo en sus obras. Los pintores suelen utilizar espátulas para esta técnica, que pretende resaltar su talento manipulando el medio elegido.
Medio
Un medio es el material utilizado para crear arte. Ejemplos de medios son la pintura de acuarela, el óleo, el pastel, el mármol y el carbón.
(Foto: Stock Photos from Happy Person/)
Moderno
Como movimiento, el término «moderno» se refiere al arte creado entre el inicio del Impresionismo y el Arte Pop, que dio paso al arte contemporáneo. Sin embargo, a escala más general, «moderno» puede significar actual o de vanguardia.
Motivo
En las artes visuales, un motivo es un elemento de la iconografía. En la pintura, un motivo puede referirse a cualquier característica pictórica de la composición. En las artes decorativas y la arquitectura, a menudo denota un símbolo reconocible que se repite.
Narrativa
La narrativa, en términos de historia del arte, es la narración visual que ocurre dentro de una obra de arte. Aunque no todas las obras de arte tienen una historia clara, el arte narrativo pide a los pintores y escultores que utilicen señales visuales para guiar a los espectadores a través de una serie de acontecimientos.
Pentimento
El Pentimento («arrepentimiento» en italiano) se refiere a la presencia de pruebas que un artista ha pintado sobre un tema previamente renderizado. En El viejo guitarrista, de Pablo Picasso, por ejemplo, el vago contorno del rostro de una mujer queda patente bajo las últimas pinceladas.
Detalle de Picasso, ‘El viejo guitarrista’ (1903) (Foto: The Art Institute of Chicago vía Wikimedia Commons Public Domain)
Perspectiva
La perspectiva es la representación de la profundidad y el espacio tridimensional en una superficie plana. Hay dos tipos principales de perspectiva: lineal y atmosférica. La perspectiva lineal emplea líneas de intersección y puntos de fuga como medio para hacer que los objetos parezcan lejanos. Según Leonardo da Vinci en Tratado de pintura, la perspectiva atmosférica, en cambio, ilustra la idea de que «los colores se vuelven más débiles en proporción a su distancia de la persona que los mira» mediante cambios tonales.
Escala
La escala se refiere al tamaño de un objeto en relación con otro. A menudo, como en el caso de las pinturas a gran escala, esta comparación se basa en el tamaño real del objeto retratado.
Sfumato
Predominantemente asociado con las pinturas de Leonardo da Vinci, el sfumato (derivado de fumo o «humo» en italiano) es un método de sombreado y mezcla de colores que evoca una neblina suave y «ahumada». Esta técnica es evidente en el fondo borroso y los rasgos faciales suavemente definidos de la Mona Lisa.
Leonardo da Vinci, ‘Mona Lisa’ (ca. 1503-1516) (Foto: Galerie de tableaux en très haute définition via Wikimedia Commons Public Domain)
Estilo
El estilo de una obra de arte es una clasificación de su apariencia visual. A menudo, el estilo se caracteriza de acuerdo con el enfoque estético distintivo de un artista individual, un movimiento artístico, un período o una cultura.
Tono
El tono se refiere a la claridad u oscuridad de un color particular.
Trompe l’oeil
En francés, trompe l’oeil significa «engañar al ojo». Es una técnica que crea ilusiones ópticas de tridimensionalidad empleando imágenes llamativas y realistas.
Pere Borrell del Caso, ‘Escapando de la crítica’ (1874) (Foto: Colección Banco de España vía Wikimedia Commons Dominio Público)