Giuseppe Verdi (1813-1901) ist einer der größten Opernkomponisten und wohl der populärste von allen. Sein Name ist gleichbedeutend mit der Geschichte der italienischen Musik in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, sein Werk ist zentraler Bestandteil des Repertoires eines jeden Opernhauses der Welt. Manchmal wird er mit Shakespeare verglichen, den er verehrte, obwohl er kaum Englisch sprach und das Werk des Barden nur in Übersetzung kannte.
Die Musik, die Sie vielleicht erkennen
Verdi war ein hervorragender Melodiker, und einige seiner Arien und Chöre – wie La Donna è Mobile aus Rigoletto, Brindisi (das Trinklied) aus La Traviata und der Amboss-Chor aus Il Trovatore – sind Millionen von Menschen bekannt. In Italien wird der Chor der hebräischen Sklaven aus Nabucco schon lange mit nationaler Einheit und Solidarität assoziiert. Der Große Marsch aus Aida ist mittlerweile ein fester Bestandteil des Blasmusikrepertoires und wird manchmal bei Hochzeiten verwendet. Verdis Musik ist auf den Soundtracks von Filmen zu hören, von Zack Snyders 300 über Claude Berris Manon des Sources bis hin zu Luchino Viscontis Senso, sie hat Werbung für Lagerbier, Jeans und Pastasauce gemacht. Es taucht sogar im Videospiel Grand Theft Auto auf.
Sein Leben …
Der Sohn eines Gastwirts wurde in Le Roncole, in der Nähe von Parma, geboren und ging im nahegelegenen Busseto zur Schule, wo sein Talent von Antonio Barezzi, einem lokalen Kaufmann, bemerkt wurde, der seine frühe musikalische Ausbildung beaufsichtigte. Mit 18 wurde er vom Mailänder Konservatorium abgelehnt, blieb aber in der Stadt (auf Barezzis Kosten), um privat zu studieren. Seine erste Oper, Oberto, wurde bei der Uraufführung an der Scala 1839 gut aufgenommen, und der Direktor des Theaters, Bartolomeo Merelli, wollte mehr. Un Giorno di Regno war jedoch im folgenden Jahr ein Fiasko. Verdis Entmutigung, verbunden mit der Depression über den Tod seiner ersten Frau, brachte ihn fast dazu, das Komponieren aufzugeben, obwohl seine dritte Oper, Nabucco, die er auf Merellis Drängen hin komponierte, ihn über Nacht berühmt machte.
Die darauffolgende Periode nannte er seine „Galeerenjahre“, in denen er ungefähr alle acht Monate eine Oper komponierte, und die besten seiner frühen Werke haben eine lautstarke Vitalität, die immer noch mitreißend ist. Ernani (1844) ist ein mitreißender Thriller. Macbeth (1847, überarbeitet 1861) war die erste seiner Shakespeare-Opern. Bis 1847 war er international so bekannt geworden, dass es Uraufführungen in London (I Masnadieri) und Paris (Jérusalem, eine Umarbeitung der früheren I Lombardi) gab.
Zwischen 1851 und 1853 komponierte er drei Meisterwerke, Rigoletto, Il Trovatore und La Traviata, die bis heute zu seinen beliebtesten Opern gehören. Sie waren jedoch zu ihrer Zeit nicht unumstritten. Verdi verbrachte einen Großteil seiner Karriere damit, seine Werke an der Zensur vorbei zu bringen, die häufig aus politischen oder moralischen Gründen Einwände erhob. So musste er den Text von Rigoletto, der auf einem als aufrührerisch und obszön verbotenen Theaterstück von Victor Hugo basierte, erheblich ändern, bevor er für die Bühne zugelassen wurde. Der Realismus von La Traviata mit seiner Kurtisanen-Heldin und dem zeitgenössischen Schauplatz sorgte für Bestürzung, und zu Verdis Lebzeiten wurde die Oper meist im 18. Jahrhundert inszeniert.
Busseto und seine Umgebung blieben für einen Großteil seines Lebens seine Heimat. Mit dem Erfolg kam der Wohlstand, und 1851 zog er mit seiner Partnerin, der Sopranistin Giuseppina Strepponi, in eine neue Villa, in der er bis zu seinem Lebensende lebte. Obwohl er und Giuseppina seit 1847 in einer Beziehung waren, heirateten sie erst 1859. Der lokale Widerstand gegen ihren unverheirateten Status färbt auf Verdis Darstellung von Giorgio Germonts Missbilligung der Affäre seines Sohnes mit Violetta in La Traviata ab.
… und Zeiten
Als Verdi geboren wurde, war Italien eine geteilte Nation, bestehend aus kleinen Einzelstaaten unter österreichischer oder französischer Besatzung. Die Meinungen gehen auseinander, inwieweit er sein Frühwerk als Forderung nach Befreiung und Vereinigung verstand, aber beginnend mit Nabucco, mit dem Chor der hebräischen Sklaven, die den Verlust ihres Landes beklagen, wurden seine Opern zum Mittelpunkt der nationalistischen Bestrebungen des Risorgimento. 1859, zwei Jahre vor der Ausrufung des Königreichs Italien, wurde „Viva Verdi“ zu einem Akronym für „Viva Vittorio Emmanuele, Re D’Italia“, und 1861 saß der Komponist kurzzeitig im neu gegründeten italienischen Parlament.
Obwohl er ein Mann des Theaters war, lebte er in einer Ära großer Romanciers und seine Tiefe der Charakterisierung und die sozialen Anliegen vieler seiner Opern finden Parallelen in den Werken von Dickens, Balzac, George Eliot und Flaubert, unter anderem. Marcel Proust bewunderte La Traviata sehr und schrieb, dass Verdi das, was er als gleichgültiges Ausgangsmaterial betrachtete, den Roman und das Theaterstück La Dame aux Camélias von Alexandre Dumas fils, in wahrhaft große Kunst verwandelt habe.
Warum seine Musik immer noch von Bedeutung ist
Nach La Traviata verlangsamte sich Verdis Produktion, und seine Opern wurden größer. Seine Opern von Simon Boccanegra (1857) bis Aida (1871) beschäftigen sich mit Macht, organisierter Religion und Freiheit. Die Mischung aus Komödie und Tragödie in Un Ballo in Maschera (1859) und der Fatalismus und kantige Humor von La Forza del Destino (1862) offenbaren eine Anlehnung an die Dramaturgie Shakespeares. Don Carlos (1867 auf Französisch für Paris geschrieben, dann auf Italienisch als Don Carlo überarbeitet) stellt seine tiefgründigste Analyse dar, wie sich die Mächte von Kirche und Staat verschwören, um das Individuum zu zerstören, während hinter dem Orientalismus von Aida eine Darstellung des Lebens in einer Theokratie auf Kriegsfuß lauert. Verdis Ambivalenz gegenüber der Religion ist tief verwurzelt und prägt die Zweideutigkeiten seines Requiems, das 1873 als Gedenken an den Risorgimento-Schriftsteller Alessandro Manzoni geschrieben wurde. Es beschwört die Antwort der Menschheit auf die erschreckende Majestät Gottes und endet in einer betäubten Leere mit der endlosen Wiederholung der Worte Libera Me („Befreie mich“).
Nach dem Requiem zog sich Verdi scheinbar aus dem öffentlichen Leben zurück, obwohl dies keineswegs das Ende seiner Karriere war. Sein Verleger Giulio Ricordi arrangierte eine Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller und Komponisten Arrigo Boito, die zunächst zu einer umfassenden Überarbeitung von Simon Boccanegra führte, die bei der ersten Aufführung nicht erfolgreich war, und dann zu Otello und Falstaff, die 1887 bzw. 1893 uraufgeführt wurden. Otello, eine Partitur von bemerkenswerter Kraft, ist für viele die größte aller Opernadaptionen der Shakespeare-Tragödie. Falstaff, basierend auf Die lustigen Weiber von Windsor und Heinrich IV., wird weithin als Verdis Abschied von der Bühne angesehen, eine bittersüße Komödie, die sowohl mit Humor als auch mit Traurigkeit auf das Leben zurückblickt, bevor sie ihre Spannungen in einer Fuge auflöst, die behauptet, dass „alles in der Welt ein Witz ist“
Verdi war ein ständiger Erneuerer und es gibt einen immensen stilistischen Unterschied zwischen Falstaff und seinen frühen Werken. Er schrieb effektiv die Geschichte der italienischen Oper neu, indem er die Belcanto-Traditionen, die er von seinen Vorgängern Bellini und Donizetti geerbt hatte, erst perfektionierte und dann demontierte – die formalen Muster, die Arien und Szenen in langsame und schnelle Abschnitte unterteilten, die durch Rezitative oder verbindende Passagen getrennt waren.
Traditionelle Strukturen liegen noch den großen Opern der frühen 1850er Jahre zugrunde. Ab Simon Boccanegra stößt Verdi auf der Suche nach dramatischer Intensität und psychologischer Wahrhaftigkeit zunehmend an die Grenzen der Form, wenngleich die strukturellen Abgrenzungen zwischen Arien, Chören und Ensembles noch erkennbar sind. Aber in Otello und Falstaff werden die traditionellen formalen Grenzen aufgelöst. Rezitative, Arien und Ensembles fließen nahtlos ineinander, jeder Akt entfaltet sich in einer einzigen ungebrochenen musikalischen Spanne. Es wurden (und werden) Vergleiche mit Wagners Methode des Durchkomponierens jedes Aktes angestellt, obwohl Verdi Wagners symphonischer Methode mit ihrer unaufhörlichen thematischen Ausarbeitung zutiefst misstraute.
Der Grund, warum Verdi letztlich wichtig ist, liegt vielleicht jenseits von musikwissenschaftlichen Überlegungen und kann, so vermute ich, in seiner tiefen Behauptung unserer gemeinsamen Menschlichkeit gefunden werden, die in der viszeralen Erregung der Singstimme in voller Flut eingefangen und ausgedrückt wird. Von Rigoletto an gibt es in seinen Opern keine stereotypen Helden und Bösewichte, sondern nur Menschen, die mit all ihren Stärken und Fehlern und ihrem Potenzial für Größe und Böses dargestellt werden. Wieder ist es ein Standpunkt, der ihn in Opposition zu Wagner stellt, seinem exakten Zeitgenossen (sie wurden im selben Jahr geboren), dem großen Mythenmacher, der Welten erschafft, zerstört und erlöst, wo Verdi die Existenz feiert, indem er das Leben in all seiner Vielfalt mitfühlend akzeptiert und erforscht.
Große Interpreten
Sänger und Dirigenten fühlen sich schon lange zu Verdi hingezogen. Alle seine Opern sind aufgenommen worden, viele davon mehrfach, manchmal unter Verwendung verschiedener Ausgaben, die Verdi zu Lebzeiten erstellt hat, oder mit Standardkürzungen für das Theater. Was die Dirigenten betrifft, so sind Toscanini, Claudio Abbado und Herbert von Karajan abwechselnd mitreißend und leidenschaftlich, obwohl man für das Requiem Victor de Sabata oder Carlo Maria Giulini braucht, und Don Carlos wird wahrscheinlich am besten von Antonio Pappano auf Französisch und Georg Solti auf Italienisch interpretiert. Für viele ist Leontyne Price die größte aller Verdi-Soprane und ist in all ihren Aufnahmen seiner Musik unüberhörbar. Bedeutende Interpreten seiner Werke sind fast zu viele, um sie aufzuzählen, aber unter ihnen sollten vielleicht Maria Callas, Renata Tebaldi, Grace Bumbry, Carlo Bergonzi, Franco Corelli, Ettore Bastianini, Tito Gobbi und Nicolai Ghiaurov genannt werden.
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