TV-Stars, die die 70er Jahre beherrschten

In einem Jahrzehnt, das sowohl Platz für Charlie’s Angels, M*A*S*H, Maude und mehr, halfen diese Stars, die TV-Landschaft während dieser turbulenten Periode der amerikanischen Kultur zu formen, als die Werte der 1960er Jahre in die Mainstream-Kultur einsickerten.

Alan Alda

Alan Alda wuchs im Showgeschäft auf. Sein Vater Robert war ein etablierter Schauspieler, der in Filmen wie „Rhapsody in Blue“ mitspielte, aber während Aldas Kindheit machte er die Runde bei Burlesque-Shows, schleppte seine Familie mit und steckte den jungen Alda in den Akt und die Fototermine, wann immer es ihm am besten passte. Entweder trotz oder wegen seiner Herkunft folgte Alda seinem Vater ins Unterhaltungsgeschäft. Er drehte gerade einen Film im Staatsgefängnis von Utah, als das Drehbuch für den M*A*S*H-Pilotfilm auf ihn zukam.

M*A*S*H veränderte das Fernsehen. Es hatte eine bis dahin nie dagewesene Balance von Tragik und Komik, vorgetragen mit Witz, Intelligenz und Mitgefühl. Alda begann als Darsteller, wurde schnell zum Star und schrieb und führte schließlich bei einigen der denkwürdigsten Episoden der Serie Regie. (Er war so aufgeregt, als er das erste Mal einen Emmy als Autor gewann, dass er ein Rad schlug, nachdem sein Name bekannt gegeben wurde). Er war die erste Person in der Fernsehgeschichte, die Emmys für die Schauspielerei, das Schreiben und die Regie derselben Serie gewann, und er führte Regie und schrieb die letzte Episode der Serie, Goodbye Farewell and Amen, mit, die von einer Rekordzahl von Zuschauern gesehen wurde – ein Rekord, der bis heute nicht gebrochen wurde. M*A*S*H lief 11 Staffeln lang und dauerte damit mehr als dreimal so lange wie der Koreakrieg, in dem die Serie spielte.

Außerhalb des Bildschirms umarmte Alda die 70er Jahre und wurde zu einer der prominentesten männlichen Stimmen für den Feminismus in diesem Jahrzehnt. Er war nicht nur ein aktiver Kämpfer für die ERA (die nie verabschiedet wurde), er schaffte es auch auf das Cover des Ms. Magazine und schrieb einen Essay für sie, in dem er den Ausdruck „Testosteron-Vergiftung“ prägte, um über die vorherrschende männliche Einstellung zu Gewalt, Frauen und Wettbewerb zu sprechen. Er war auch in Marlo Thomas‘ TV-Special und dem Album Free to Be … You and Me, in dem er die „Ladies first“-Mentalität anprangerte, Jungen versicherte, dass es in Ordnung sei, eine Puppe zu besitzen, und jedem sagte, dass es in Ordnung sei, zu weinen, mit einem Lied, das von Football-Superstar Rosey Grier gesungen wurde.

Mary Tyler Moore

Als der Schöpfer der „Dick Van Dyke Show“, Carl Reiner, hörte, wie Mary Tyler Moore bei ihrem Vorsprechen die erste Zeile des Drehbuchs las, wusste er, dass er die richtige Schauspielerin gefunden hatte, und marschierte mit ihr in das Büro des Produzenten Sheldon Leonard, die Hand auf dem Kopf. Er nannte sie später die „Grace Kelly der Komikerinnen“. Sie wurde ein Star.

Als die Mary Tyler Moore Show 1970 startete, sollte die Figur Mary Richards eigentlich geschieden sein, aber der Sender war besorgt, dass die Leute denken könnten, sie sei von Rob Petrie geschieden, und änderte die Storyline so, dass sie gerade eine Beziehung beendet hatte und sich auf den Weg in die Selbstständigkeit machte. Die Weichen für eine Frau, die eine Karriere anstrebte, waren vielleicht schon einige Jahre zuvor mit Thomas in That Girl gestellt worden, aber es war Richards, die es auf die nächste Stufe brachte, eine Karriere aufbaute, mehrere Männer datete und sogar (keuch) einen Heiratsantrag ablehnte, weil das noch nicht das Leben war, das sie wollte.

Hinter den Kulissen sprengte die Serie weitere Grenzen. Das Autorenteam, angeführt von den Schöpfern James L. Brooks und Allan Burns, hatte mehr weibliche Autoren als jede andere Serie im Fernsehen. Sie sprachen auch über Themen, die man in anderen Serien nicht sah: Alltagsrassismus (sowohl gegen Juden als auch gegen Afroamerikaner), Sexismus (als Richards es leid war, WJMs „einzige weibliche Führungskraft“ genannt zu werden), Geburtenkontrolle (Richards gibt zu, dass sie die Pille nimmt und über Nacht Freunde hat) und Homosexualität (als Phyllis erleichtert ist, herauszufinden, dass ihr Bruder schwul ist, weil das bedeutet, dass er nicht mit Rhoda zusammen ist).

Die Serie hatte eine unglaubliche Ensemble-Besetzung, aber Richards stand immer im Mittelpunkt, und Moore hatte die Star-Power und den persönlichen Appeal, um das durchzuziehen. Die Drehbücher waren intelligent und witzig, die Darsteller liebten es, zusammenzuarbeiten, und es war Alchemie vom Feinsten. Die Serie gewann 39 Emmys in ihren sieben Staffeln und förderte drei Spin-Offs, zwei Reunion-Specials und Legionen von jungen Frauen (einschließlich dieser Autorin), die ihre ersten Initialen an ihre Wände hängten.

Die Zuschauer sahen, wie Richards sich entwickelte, wie sie lernte, für sich selbst einzustehen, in ihrer Karriere voranzukommen, schlechte Dinnerpartys zu schmeißen und uns eine feministische Heldin zu geben, die Grenzen sprengte und gleichzeitig Spaß hatte. Moores Firma, MTM Enterprises, produzierte jahrelang TV-Hits, darunter The Bob Newhart Show, WKRP in Cincinnati, The White Shadow, St. Elsewhere und Hill Street Blues, was Moore zu einem Kraftpaket in der Branche und zu einer beliebten Darstellerin machte.

Farrah Fawcett

Fawcett war durch Werbespots aufgestiegen – eine natürliche Schönheit mit einem umwerfenden Lächeln. Sie hatte ein verkehrsberuhigendes Aussehen, wunderschönes wildes Haar und erregte überall, wo sie hinkam, Aufmerksamkeit. Sie hatte Gastauftritte in Fernsehserien wie The Partridge Family, The Flying Nun, I Dream of Jeannie und vier Auftritte in The Six Million Dollar Man, in dem ihr damaliger Ehemann Lee Majors die Hauptrolle spielte. Aber es war etwas so Einfaches wie ein Pin-up-Poster, das sie auf eine neue Ebene des Ruhms katapultierte.

Jeder kennt dieses Poster. Fawcett starrt direkt in die Kamera und trägt einen roten Badeanzug, der sie irgendwie verdeckt und gleichzeitig nicht. Der Anzug war eigentlich ihrer – man wollte, dass sie einen Bikini trägt, aber sie besaß keinen. Fawcett hat sich für das Fotoshooting selbst geschminkt und frisiert. Sie kam ohne Spiegel aus und drückte ein bisschen Zitronensaft in ihr Haar, um es zum Glänzen zu bringen. Sie kontrollierte ihren Look vollständig und wählte das Foto aus, das auf einem der meistverkauften Poster aller Zeiten zu sehen sein sollte.

Danach war sie ein sicherer Kandidat für „Charlie’s Angels“, mit Kate Jackson und Jaclyn Smith in den Hauptrollen. Sowohl Männer als auch Frauen schauten wegen der unverschämt lustigen Storylines, den ständigen Garderobenwechseln und der Genugtuung, drei Frauen dabei zuzusehen, wie sie das Spiel jedes Mal gewinnen, zu. Während Kritiker sich über die freizügigen Outfits und den offensichtlichen T&A-Faktor der Show mokierten, sahen andere darin eine Umarmung der sexuellen Befreiung, bei der Frauen die Kontrolle hatten. Fawcett selbst war hin- und hergerissen und sagte: „Als die Show auf Platz drei war, dachte ich, es ist unser Schauspiel. Als sie Nummer eins wurde, beschloss ich, dass es nur daran liegen konnte, dass keine von uns einen BH trägt.“ Aber die Gesellschaftskritikerin Camille Paglia, die kein Blatt vor den Mund nimmt, nannte die Serie ein „spritziges Action-Abenteuer, das kluge, mutige Frauen zeigt, die Seite an Seite in fruchtbarer Zusammenarbeit arbeiten.“

Farrah wurde der erste Durchbruchstar von Charlie’s Angels und war die erste, die die Serie verließ. Sie brach ihren Vertrag und ihre Karriere litt darunter. Sie musste sechs Gastauftritte in der Show absolvieren, um das wieder gutzumachen, aber es dauerte Jahre, bis sie sich wieder als Schauspielerin etablieren konnte. Schließlich erlangte sie Anerkennung für ihre Arbeit in dem Off-Broadway-Stück Extremities, dem TV-Film The Burning Bed und Robert Duvalls Spielfilm The Apostle.

Fawcett starb im Jahr 2009, am selben Tag wie Michael Jackson. Sie wird immer noch als der Inbegriff des 70er-Jahre-Mädchens in Erinnerung behalten, mit einer Frisur, die bis weit ins nächste Jahrzehnt hinein kopiert wurde.

Jimmie Walker

Als das Maude-Spin-Off Good Times entstand, drehte sich die Serie um Esther Rolle und John Amos als Florida und James Evans, die in Chicago darum kämpfen, die Rechnungen zu bezahlen und eine Familie zu gründen. Während die Serie die Herausforderungen der Arbeit in mehreren Jobs und die Sicherheit der Kinder in den Sozialsiedlungen behandelte, wurde der Komiker Jimmie Walker, der den ältesten Bruder JJ spielte, zum Durchbruchstar.

Während Rolle und Amos beklagten, dass ernstere Handlungsstränge in den Hintergrund treten mussten, nutzten die Produzenten die Anziehungskraft von Walker und gaben ihm jede Woche mehr und mehr Sendezeit. Als Regisseur John Rich mit dem Schlagwort „Dyn-o-mite!“ aufwartete, war das pures Gold. Er bestand trotz der Skepsis des ausführenden Produzenten Norman Lear darauf, dass JJ den Satz mindestens einmal in jeder Folge sagen sollte, und es wurde ein Hit.

Walker war schlau – er wusste, wie er den Moment nutzen konnte. Er machte bereits Stand-up-Comedy, soweit es sein Drehplan zuließ, und beschäftigte ein Autorenteam, das aus zukünftigen Stars wie Jay Leno und David Letterman bestand. Er verschaffte Leno sogar einen Gastauftritt bei Good Times, wobei er die zögerlichen Produzenten überreden musste, ihm eine Chance zu geben. Walker blieb bis zum Ende bei der Show und überlebte sowohl Amos als auch Rolle. In den 70er und 80er Jahren war er eine feste Größe im Fernsehen, trat in Spiel- und Talkshows auf, in verschiedenen Runden von Battle of the Network Stars und wie jeder andere Star dieser Zeit auch in The Love Boat. Er macht immer noch Stand-up und bereut es nicht, hinter der Entscheidung zu stehen, die „Dyn-o-mite!“ zu einem bekannten Ausdruck machte.

Telly Savalas

Während er vielleicht nicht wie eine offensichtliche Wahl für ein Pin-up aussieht, war Telly Savalas‘ hemdsärmeliges Cover von People im Jahr 1974 ein Game-Changer für das Magazin und bescherte ihnen ihre erste Ausgabe, die schließlich eine Million Exemplare am Kiosk verkaufte. Frauen schrieben scharenweise an People und baten darum, die untere Hälfte des Fotos zu sehen.

Savalas hatte seine Schauspielkarriere noch nicht einmal begonnen, als er schon in seinen späten 30ern war. Er spielte im Original „Cape Fear“ mit Robert Mitchum und Gregory Peck, drehte vier Filme mit Burt Lancaster und spielte 1965 Pontius Pilatus in „The Greatest Story Ever Told“, wofür er sich den Kopf rasieren musste. Er behielt den Look bei, da er damit mehr Erfolg bei Frauen hatte.

Savalas war ein begeisterter Golfer und ein Weltklasse-Pokerspieler mit einem Abschluss in Psychologie, aber es war seine Rolle als der witzige Lieutenant Theo Kojak, die ihn zu einem bekannten Namen machte. Das an einem Magneten befestigte Licht, das er an seinem Auto anbrachte, wenn er an einer Verfolgungsjagd teilnahm, wurde unter Polizisten als „Kojak-Licht“ bekannt, und die Serie brachte ihm 1974 einen Emmy ein. Kojak war ein Magnet für Gaststars, von denen viele in späteren TV-Serien Polizisten spielen sollten, wie Daniel J. Travanti (Frank Furillo), Paul Michael Glaser (Starsky), Sharon Gless (Cagney), Jerry Orbach (Briscoe), Abe Vigoda (Fish), Tige Andrews (Captain Greer) und Andre Braugher (Frank Pembleton und Ray Holt).

Weitere namhafte Gaststars tauchten in Kojak auf, entweder bevor oder nachdem sie groß rauskamen, darunter James Woods, John Ritter, Harvey Keitel, Dabney Coleman, Robert Loggia, Sylvester Stallone, Richard Gere und Liberace. Richard Donner führte bei einigen Episoden sogar Regie, ebenso wie Savalas selbst.

Sonny und Cher

Sonny Bono und Cher begannen als Sängerinnen, lange bevor sie auf die Fernsehbildschirme kamen. In den 60er Jahren arbeiteten sie als R&Back-up-Sänger für den Produzenten Phil Spector und hatten dann Mitte der 60er Jahre große Hits als Duo. Ihr größter Hit, „I Got You Babe“, erreichte 1965 Platz 1 der Billboard Hot 100 und wurde seitdem von Billboard und Rolling Stone als eines der größten Duette aller Zeiten bezeichnet.

Ihr Wechsel zum Fernsehen machte sie zu noch größeren Stars. Sie brachten die Attitüde und die Mode der 70er Jahre zuerst in The Sonny and Cher Comedy Hour, die 1971 als Sommer-Ersatzserie Premiere hatte und später im selben Jahr zur Hauptsendezeit zurückkehrte, schließlich 15 Emmy-Nominierungen erhielt und vier Jahre lang in den Top 10 blieb. Die Show war bekannt für Musiknummern, wiederkehrende Sketche wie „The Laundrette“ mit Cher und Teri Garr, Chers Vamp-Sequenz, ihre unverschämten, von Bob Mackie entworfenen Outfits und die wöchentliche Abschlussperformance der beiden Stars von „I Got You Babe“. Ihre Tochter Chastity (jetzt Chaz) hatte ebenfalls häufige Auftritte, was darauf hindeutet, dass das swingende Paar der 70er Jahre auch ein starkes Familienleben hatte.

Das hatten sie nicht. Sie beendeten die Show 1974 während ihrer Scheidung und machten sich selbstständig. Bonos Show dauerte nur sechs Wochen, aber die von Cher war ein Hit, mit hochkarätigen Gästen wie Bette Midler, Elton John und Flip Wilson. 1976 kehrten sie mit der Sonny & Cher Show ins Fernsehen zurück. Die Stars versöhnten sich vor der Kamera mit einem Händedruck, aber die Beziehung war zu verbittert, um zu halten, und trotz guter Einschaltquoten hielt die Show nur zwei Staffeln durch.

Jeder der beiden hatte es später zu etwas Größerem und Besserem gebracht. Cher wurde eine bestverkaufende Künstlerin und eine Oscar-Preisträgerin. Bono wurde zum Bürgermeister von Palm Springs gewählt und wurde dann 1995 Kongressabgeordneter. Er starb 1998 bei einem Ski-Unfall, im selben Jahr, in dem Sonny und Cher endlich ihren Stern auf dem Hollywood Walk of Fame bekamen und damit ihr Vermächtnis als Teil des 70er-Jahre-Fernsehens zementierten.

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Ricardo Montalban

Berühmt wurde er vor allem als Mr. Roarke aus „Fantasy Island“ und Khan aus „Star Trek“ und „Star Trek II: Der Zorn des Khan“, war Ricardo Montalban als Werbesprecher für den Chrysler Cordoba in den 70er Jahren auf den Fernsehgeräten allgegenwärtig. Seine Beschreibung des „weichen, korinthischen Leders“ war so einprägsam, dass sie endlos parodiert wurde, aber er meinte jedes Wort; während des Höhepunkts seines „Fantasy Island“-Ruhms fuhr er einen maßgefertigten Cordoba, der mit genau dem Leder gepolstert war, dessen Tugenden er berühmt anpries.

Vor den Fernsehbildschirmen hatte er Dutzende von Filmen gedreht und war der erste hispanische Schauspieler auf dem Cover des Life-Magazins. Trotz der Bemühungen der Filmstudios, ihn dazu zu bringen, seinen Namen zu ändern (mit Ricky Martin als eine der bevorzugten Optionen), behielt er seinen richtigen Namen sowie seine mexikanische Staatsbürgerschaft. 1971 war er unzufrieden mit der Art und Weise, wie man von ihm verlangte, Mexikaner auf der Leinwand zu porträtieren, und half bei der Gründung einer Interessengruppe für Latinos, die in Film und Fernsehen arbeiten, namens Nostros, und ein Jahr später war er Mitbegründer des Screen Actors Guild Ethnic Minority Committee.

Montalban wurde auch durch seine Rolle in zwei der „Planet der Affen“-Filme bekannt und trat in den 70er und 80er Jahren weiterhin in TV-Shows und Filmen auf. 2002 wurde er von Robert Rodriguez angeheuert, um den Großvater Valentin in zwei der Spy Kids-Filme zu spielen; seine Figur erhielt einen Jet-angetriebenen Rollstuhl, da Montalban eine Wirbelsäulenverletzung erlitten hatte, die ihn am Gehen hinderte.

Seine letzten beiden Rollen waren in Zeichentrickserien. Er hatte Gastauftritte in Family Guy und American Dad! und bewies, dass seine unverwechselbare Stimme auch Jahrzehnte nach seiner Ankunft in Hollywood in den 1940er Jahren noch Power hatte.