| Bewertungen | |
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| Quelle | Bewertung |
| AllMusic |
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| Down Beat |
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| The Penguin Guide to Jazz |
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| The Rolling Stone Record Guide |
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| Sputnikmusic | 4/5 |
| Tom Hull | A- |
| The Village Voice | A- |
Interstellar Space wurde im September 1974 von Impulse! Records. In einer zeitgenössischen Rezension für den Rolling Stone nannte der Musikjournalist Stephen Davis das Album „schlichtweg verblüffend“ und fand, dass Ali die ideale Ergänzung für Coltranes mystische Ideen sei: „Er gibt den unerbittlichen Energieausstoß, den Trane ausspuckt, auf haarsträubende Weise zurück, und das Ergebnis ist ein Zwei-Mann-Vulkanismus, bei dem Ali für das unterirdische Grollen sorgt, durch das der Tenor in einem Schauer von Noten explodiert.“ Robert Christgau schrieb in seiner Kolumne für The Village Voice, er sei erstaunt über die Duette, die „wie ein Ärgernis klingen, bis man sich auf sie konzentriert, an welchem Punkt die Interaktionen an Tempo und Form gewinnen, mit metaphorischen Obertönen, die wenig mit den erforschten musikalischen Ideen zu tun haben.“
In einer Rezension der erweiterten CD-Wiederveröffentlichung von Interstellar Space bezeichnete der Jazzkritiker Scott Yanow von AllMusic es als „mitreißende, wenn auch etwas unzugängliche Musik“ mit transformativen, emotionalen Duetten, die Coltranes Gespür für Improvisationen ohne traditionelle Jazzbegleitung zeigen. Tiny Mix Tapes schrieb, dass die „heftige Free-Jazz-Rumination“ nicht so wichtig ist wie seine anderen Alben Giant Steps (1960) und A Love Supreme (1965), aber es fasst Coltranes spirituelles und stilistisches Wachstum besser zusammen, einschließlich seines Verständnisses und Erfassens von mehrstimmigen Techniken, Obertonklängen und Altissimo-Tönen. Dem Down Beat Magazine zufolge veranschaulicht Interstellar Space am besten die formalen Prinzipien, die Coltrane auf seine spirituellere Musik anwandte, während Derek Taylor von All About Jazz es als eine seiner wichtigsten Aufnahmen bezeichnete, die sich von früheren Duetten, die er mit Leuten wie Elvin Jones aufnahm, unterscheidet:
In Ali fand er einen Schlagzeuger, der noch mehr bereit war, irdische rhythmische Grenzen zu verlassen und Kurs auf den unerforschten Weltraum zu nehmen. In diesen Duetten zeigt sich der Saxophonist von seiner besten Seite und verströmt ein überwältigendes Selbstvertrauen, das zuweilen mit sakrosankter Zärtlichkeit gemildert wird. Alis ineinander greifende pan-rhythmische Muster umhüllen und umarmen, während sie die Musik inbrünstig vorantreiben.
Ben Ratliff beschreibt das Album wie folgt: „Coltrane dirigiert die Musik, sie beginnt und endet an einem Ort der Ruhe, auch wenn die Musik zwischendurch frenetische Zustände erreicht. Es ist kein Showbusiness, nicht einmal ein Hippie-Showbusiness. Es ist eine fast klösterliche Platte. Jedes Stück beginnt und endet mit Glocken, die von Coltrane geschüttelt werden. Die Stücke umfassen eine Bandbreite des Ausdrucks, von harten, fragmentarischen Phrasen bis hin zu fließenden, abwärts gerichteten Zwölfton-Skalen, die so schnell gespielt und so klar artikuliert werden, dass man das Gefühl hat, der Boden falle unter einem weg. Dies führt ihn zurück in das Jahr 1958, als er begann, sich für die Harfe zu interessieren und sich mit schnellen Arpeggien auszudrücken; es sind Klangblätter, die noch besser gemacht sind.“
Eric Nisenson schrieb, dass der Titel Interstellar Space „vollkommen passend ist, denn hier ist Coltrane frei, ohne die Schwerkraft des Basses oder des Klaviers zu improvisieren. Die Namen der Stücke, ‚Mars‘, ‚Jupiter‘, ‚Venus‘ und ‚Saturn‘, spiegeln Coltranes Interesse an der Astrologie wider, die er als komplexes System schätzte, um den Fluss des Kosmos mit menschlichen Handlungen in Beziehung zu setzen. Die Musik verkörpert eine Idee, die er durch sein Studium von Einstein und der modernen Physik gewonnen hatte: dass sich das Universum ständig ausdehnt. Melodie und Rhythmus, frei von den Zwängen der Harmonie und des Metrums, schaffen eine Lichtshow für den Geist; man sieht Sterne explodieren, Kometen durch die Weiten des Raums schießen, die unaufhörliche, nie endende, expansive Bewegung aller Sterne und Planeten… Diese Saxophon-Schlagzeug-Duette stehen in der Tradition von Coltrane-Werken wie „Countdown“ und „Vigil“. Der Unterschied ist die große Freiheit von Rashied Alis Rhythmen, die Coltrane die Freiheit geben, diese rhythmische Landschaft zu erforschen, ohne nach vorne gezwungen zu werden… Coltranes dichtes, frenetisches Spiel erinnert zeitweise an die Periode der ’sheets of sound‘, mit dem gleichen Effekt für den Hörer, in reinem Klang gebadet zu werden. Aber die Unterschiede zu der früheren Musik sind weitaus wichtiger. Coltrane war tief in das Terrain der reinen musikalischen Freiheit vorgedrungen, und während er wichtige Elemente seines etablierten Stils beibehielt, scheint er sich von der westlichen Standard-Musiktheorie befreit zu haben. Außerdem entdeckte er in dieser Aufnahme, dass er nicht weiter schreien musste, um seine Suche fortzusetzen.“
Lewis Porters Buch John Coltrane: His Life and Music enthält eine ausführliche Besprechung von Interstellar Space und speziell von „Venus“. Er schreibt: „Die Klangflut, die Coltranes letzte Werke präsentieren, kann leider vor vielen Zuhörern die großartige Kraft von Coltranes Spiel verbergen. Was chaotisch zu sein scheint, ist genau das Gegenteil. Coltrane schaffte es, lange Soli zu kreieren, die nahtlos vom Thema zur Improvisation übergingen – genau das, was er wollte. Und die Improvisationen waren unermüdlich der Erforschung abstrakter motivischer Ideen gewidmet.“ Porter schlug vor, dass Interstellar Space „ein idealer Ausgangspunkt für den Hörer ist, der Coltranes letzte Musik verstehen will – es ist so einfach zu hören, was er tut… Jedes beginnt mit einem Thema, bewegt sich davon weg und kehrt am Ende zu ihm zurück… alle Stücke beinhalten eine Art von Aufarbeitung bis zu einem Höhepunkt, gefolgt von einer Beruhigung, die zu einer Reprise führt.“ Er fährt fort, drei Techniken aufzulisten, die Coltrane in dieser Aufnahme anwendet: 1) „sehr schnelle absteigende Skalen, die immer und immer wieder wiederholt werden“ in dem Versuch, „einen orchestralen Effekt zu erzeugen… Er will dem Hörer den Eindruck vermitteln, dass die oberen Noten die Melodie und die Skalen die Begleitung sind“; 2) „schnelle und extreme Registerwechsel“, ein „Versuch, zwei Aktivitätslinien gleichzeitig zu suggerieren“; 3) „‚right-side up and upside-down‘ – Variationen eines Motivs schaffen, indem man seine Form ändert, aufwärts statt abwärts geht, denselben Rhythmus oder dieselbe Anzahl von Noten auf unterschiedliche Weise verwendet.“ Porter merkt an, dass, wenn „Coltrane zu längeren und schnelleren Notenströmen übergeht, die abstruser und weniger klar artikuliert sind“, „Muster entstehen“ und „wir beginnen zu erkennen, dass das, was beim ersten Hören wie eine undisziplinierte Wucherung von Noten erscheinen mag, in Wirklichkeit eine Ausarbeitung verschiedener Muster ist.“ Porter schließt seine Besprechung von „Venus“ mit der Bemerkung ab: „Für jemanden, der in seinen letzten Jahren beschuldigt wurde, laute, lärmende Musik zu spielen, ist das, was am meisten beeindruckt, seine unglaubliche Kontrolle der Dynamik, vom Flüstern bis zum Brüllen… Und Coltrane hat es geschafft, gerade weil er Akkordwechsel und die Beschränkung eines gleichmäßigen Taktes aufgegeben hat, eine nahtlose musikalische Konstruktion zu schaffen, die nicht in Refrains aufteilbar ist.“
Autor Tony Whyton schreibt, dass die Stücke auf Interstellar Space „deutlich die ganze Pracht von Coltranes spätem Stil demonstrieren“ und stellt fest, dass „die Beseitigung identifizierbarer Strukturen, eines gleichmäßigen Pulses und eines klaren Sinns für das Metrum die Musik öffnet und vertraute Orientierungshilfen für den Hörer beseitigt. In dieser Hinsicht, obwohl Coltranes Klang und Ansatz als Teil desselben Kontinuums verstanden werden können, hat sich der Kontext dramatisch verändert, bis zu dem Punkt, an dem die Musik eindeutig mehr als eine unmittelbare Empfindung erlebt wird. Das führt dazu, dass Aufnahmen wie Interstellar Space eher als musikalische Prozesse denn als Produkte rezipiert werden; sie ermutigen uns, im Hier und Jetzt zuzuhören, anstatt zu assimilieren, was zuvor geschehen ist, und vorherzusagen, was als Nächstes passieren wird.“ Whyton schlägt vor, dass „das Erleben einer Aufnahme als eine Art von Musik als Prozess dem kanonischen Imperativ der Verdinglichung von Musik entgegenwirkt; Coltranes Musik vermittelt nicht eine singuläre Bedeutung oder eine Reihe von Werten, sondern wirkt als Agent für das Hinterfragen und Öffnen des Diskurses darüber, was Musik sein könnte. In Coltranes Welt zu dieser Zeit wird das Studio zu einem Ort der Erforschung und Entdeckung, und die Duette mit Ali vermitteln ein klares Gefühl des Experimentierens und des Zusammenspiels zwischen zwei kreativen Künstlern.“ Er stellt außerdem fest: „Es gibt ein eindeutiges Gefühl, dass die Notation allein nicht die Intensität, die Energie und den Klang einfangen kann, die man beim Hören der Aufnahme aus erster Hand erlebt…. Als klangliche Erfahrung hat Interstellar Space eine reiche, sinnliche Qualität, die Coltranes Faszination für den Klang deutlich macht. Mehr als jede andere späte Coltrane-Aufnahme zieht Interstellar Space den Hörer mit seinen sinnlichen Klängen in seinen Bann und demonstriert die Art und Weise, in der Aufnahmen unsere Ohren für verschiedene Hörerfahrungen öffnen können.“
Mika Vainio von der Band Pan Sonic nannte Interstellar Space in einem Interview mit The Quietus als eines seiner Lieblingsalben. Zach Graham, der für GQ schrieb, nannte es „Coltranes hartnäckigstes und unzugänglichstes Album“ und behauptete, es sei Coltranes einflussreichste Platte und nannte Thundercat und Kendrick Lamar als Musiker, die von Interstellar Space beeinflusst wurden.