25 Kunstgeschichtsbegriffe, die Ihnen helfen, ein Kunstwerk geschickt zu beschreiben

Wie jeder kreative Bereich hat auch die Kunstgeschichte ihre eigene Sprache. Während diese Realität für angehende Kunsthistoriker überwältigend sein kann, kann ein praktisches Glossar von Kunstbegriffen die Analyse eines Kunstwerks viel weniger einschüchternd machen.

In dieser Liste finden Sie 25 Wörter, die Ihnen helfen werden, Kunst mit Leichtigkeit zu diskutieren. Von allgemeinen Konzepten wie Pinselführung und Komposition bis hin zu spezifischen Techniken wie Chiaroscuro und Trompe l’oeil bietet dieses Arsenal an Kunstbegriffen alles, was Sie brauchen, um das Beste aus Ihrem nächsten Museumsbesuch zu machen.

Analysieren Sie Kunst wie ein Profi mit diesem kunsthistorischen Glossar.

Abstrakt

Abstrakte Kunst löst sich von der figurativen Darstellung von Objekten und stellt Bilder als eine Studie der Beziehung zwischen Form, Farbe und Linie neu vor. Abstraktion findet auf einem Kontinuum statt, das die zerbrochenen, aber dennoch erkennbaren Formen des Kubismus und die völlig unbildliche Natur des Abstrakten Expressionismus einschließt.

Assemblage

Diese künstlerische Form oder das Medium verwendet eine Mischung von Materialien, die dreidimensionale Schichten aus einer festen Basis schaffen. Durch die Verwendung verschiedener Materialien ähnelt sie der Collage, allerdings in dreidimensionaler Form. Die Assemblage hat ihren Ursprung im Kubismus und den Arbeiten von Künstlern wie Man Ray und Vladimir Tatlin, die oft gefundene Objekte in ihren Kunstwerken verwendeten.

Avantgarde

Der französische Begriff Avantgarde bedeutet wörtlich übersetzt „Vorhut“, wird aber verwendet, um Kunstwerke, Bewegungen oder Künstler zu beschreiben, die experimentell und zukunftsorientiert sind.

Brushwork

Brushwork bezieht sich auf die Art und Weise, wie ein Maler Farbe auf eine Oberfläche aufträgt. Sie wird typischerweise durch die Größe, Textur und Präzision der Pinselstriche charakterisiert. Zum Beispiel können Pinselstriche als „fest“ oder „locker“ beschrieben werden, je nachdem, wie sichtbar sie für das bloße Auge sind.

Chiaroscuro

Italienisch für „hell-dunkel“, chiaroscuro ist die Verwendung von starken Kontrasten zwischen Helligkeit und Schatten, um ein Gefühl von Volumen und Dimensionalität zu erreichen. Diese einzigartige Technik wurde in der italienischen Renaissance von Leonard da Vinci, in der Barockzeit von Caravaggio und im Goldenen Zeitalter der Niederlande von Rembrandt entwickelt.

Komposition

Die Komposition eines Kunstwerks ist die Art und Weise, wie seine visuellen Elemente angeordnet sind, insbesondere in Beziehung zueinander.

Konzeptuell

Diese Kunstform des 20. Jahrhunderts entwickelte sich in den 1960er Jahren, als Künstler begannen, Ideen und Konzepte über das fertige Produkt zu stellen. Kunst, die konzeptionell ist, bricht mit allen Standardregeln und kann jede Form von Skulptur und Malerei bis hin zu Happenings und Performances annehmen.

Kontur

Als Umriss von etwas ist die Kontur einer der Bausteine der Zeichnung. Die Verwendung verschiedener Konturlinien kann die Art und Weise, wie ein Kunstwerk erscheint, dramatisch verändern und ist in der Linienkunst am deutlichsten. Der Tanz von Henri Matisse ist nur ein Beispiel für ein Kunstwerk, das für seine ausgeprägten Konturen bekannt ist.

Contrapposto

In der Bildhauerei ist Contrapposto (italienisch für „gegenläufig“) eine asymmetrische Haltung, bei der das meiste Gewicht einer Figur auf einen Fuß verteilt ist. Dies führt zu einer realistischen Haltung, wie sie in Michelangelos David-Statue berühmt ist.

Figurativ

Ein Kunstwerk wird als figurativ bezeichnet, wenn sein Gegenstand gegenständlich ist.

Vordergrund

Der Vordergrund eines Kunstwerkes ist der Teil der Komposition, der dem Betrachter am nächsten ist. Er ist typischerweise vom Hintergrund zu unterscheiden, der weiter entfernt zu sein scheint.

Verkürzung

Verkürzung ist eine Technik, bei der ein Künstler die Perspektive verzerrt, um eine Illusion von Tiefe zu erzeugen. Verkürzte Motive scheinen oft in die Bildebene zurückzutreten.

Genre

Ein Genre bezieht sich auf eine Art von Kunst (typischerweise Malerei). Beispiele für Genres sind Landschaften und Stillleben.

Ikonografie

Ikonografie bezieht sich auf das Thema oder die Bilder, die verwendet werden, um eine Bedeutung zu vermitteln oder eine Botschaft in einem Kunstwerk zu kommunizieren.

Impasto

Dieses italienische Wort für „Mischung“ bezieht sich auf dicke Farbschichten, die verwendet werden, um eine Textur zu erzeugen. Während es zuerst von venezianischen Malern während der italienischen Renaissance verwendet wurde, setzte es sich erst im 19. Jahrhundert durch. Der berühmte Landschaftsmaler J.M.W. Turner verwendete Impasto, um Farbschichten und Dramatik in seinen Werken zu erzeugen. Maler benutzen oft Spachtel für diese Technik, die ihr Talent im Umgang mit dem gewählten Medium unterstreichen soll.

Medium

Ein Medium ist das Material, das verwendet wird, um Kunst zu schaffen. Beispiele für Medien sind Aquarellfarbe, Öl, Pastell, Marmor und Holzkohle.

Modern

Als eine Bewegung bezieht sich der Begriff „modern“ auf die Kunst, die zwischen dem Aufkommen des Impressionismus und der Pop Art entstanden ist, welche die zeitgenössische Kunst einleitete. Auf einer allgemeineren Ebene kann „modern“ jedoch auch aktuell oder topaktuell bedeuten.

Motiv

In der bildenden Kunst ist ein Motiv ein Element der Ikonographie. In der Malerei kann sich ein Motiv auf jedes malerische Merkmal der Komposition beziehen. In der dekorativen Kunst und in der Architektur bezeichnet es oft ein erkennbares Symbol, das sich wiederholt.

Narrativ

Narrativ ist in der Kunstgeschichte die visuelle Erzählung, die innerhalb eines Kunstwerkes stattfindet. Während nicht jedes Kunstwerk eine klare Geschichte hat, fordert erzählende Kunst Maler und Bildhauer auf, visuelle Hinweise zu verwenden, um den Betrachter durch eine Reihe von Ereignissen zu führen.

Pentimento

Pentimento („Reue“ auf Italienisch) bezieht sich auf das Vorhandensein von Beweisen, dass ein Künstler ein zuvor dargestelltes Thema übermalt hat. In „Der alte Gitarrist“ von Pablo Picasso zum Beispiel ist unter den letzten Pinselstrichen der vage Umriss eines Frauengesichts zu erkennen.

Perspektive

Perspektive ist die Darstellung von dreidimensionaler Tiefe und Raum auf einer ebenen Fläche. Es gibt zwei Haupttypen von Perspektive: lineare und atmosphärische. Die lineare Perspektive verwendet sich schneidende Linien und Fluchtpunkte als Mittel, um Objekte weit entfernt erscheinen zu lassen. Laut Leonardo da Vinci in A Treatise on Painting veranschaulicht die atmosphärische Perspektive dagegen die Idee, dass „Farben im Verhältnis zu ihrer Entfernung von der Person, die sie betrachtet, schwächer werden“ durch Tonwertveränderungen.

Maßstab

Maßstab bezieht sich auf die Größe eines Objekts im Verhältnis zu einem anderen. Oft, wie im Fall von großformatigen Gemälden, basiert dieser Vergleich auf der realen Größe des dargestellten Objekts.

Sfumato

Vorwiegend mit den Gemälden von Leonardo da Vinci in Verbindung gebracht, ist sfumato (abgeleitet von fumo oder „Rauch“ auf Italienisch) eine Methode der Schattierung und Farbmischung, die einen weichen, „rauchigen“ Schleier hervorruft. Diese Technik zeigt sich im unscharfen Hintergrund und den weich gezeichneten Gesichtszügen der Mona Lisa.

Stil

Der Stil eines Kunstwerkes ist eine Klassifizierung seiner optischen Erscheinung. Oft wird der Stil nach dem unverwechselbaren ästhetischen Ansatz eines einzelnen Künstlers, einer Kunstrichtung, einer Epoche oder einer Kultur charakterisiert.

Ton

Ton bezieht sich auf die Helligkeit oder Dunkelheit einer bestimmten Farbe.

Trompe l’oeil

Im Französischen bedeutet trompe l’oeil „das Auge täuschen“. Es ist eine Technik, die optische Täuschungen von Dreidimensionalität durch den Einsatz von auffälligen, naturgetreuen Bildern erzeugt.

Nun, da Sie die grundlegenden Begriffe verstanden haben, meistern Sie Kunstgeschichte 101 mit diesen Must-Have-Kunstgeschichtsbüchern.